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Centre Pompidou, París
Del 10 de marzo al 19 de julio
Lucien Freud tiene una particular forma de ver la realidad, una -su- realidad extremadamente cercana, la de su taller, su jardín, su reflejo desde insólitos ángulos, su familia, amigos, modelos... El pintor y grabador británico (Berlín, 1922), aunque no posee una prolífica producción, está considerado como uno de los padres de la nueva figuración y sus cotizadas obras se encuentran entre las principales colecciones museísticas del mundo -la Galería Nacional de Australia pagó 7,4 millones de dólares por su cuadro "Después de Cezanne"-.
El Pompidou de París ha organizado una retrospectiva del artista con 50 obras de gran formato, junto a otras obras gráficas y fotografías de su taller londinense. Lucien es nieto del creador del Psicoanálisis, Sigmund Freud, e hijo del arquitecto Ernst Ludwig Freud y de Lucie Brasch, una familia judía residente en Berlín. En 1934 decidieron emigrar al Reino Unido, para escapar del creciente nazismo.
Lucien, cuya vocación era la pintura, acudió a formarse a varias escuelas en Devon, a la Central School of Art de Londres y a la Escuela de Pintura y dibujo Cedric Morris's East Anglian, tras lo cual se alistó como marino mercante, por un breve periodo en 1941. Por entonces, el joven artista ya destacaba y comenzó a vender algunos cuadros a amigos de sus padres. En 1943 entró a formar parte de un taller en Paddington, un barrio popular de Londres destruido por los bombardeos. Ese entorno es el que le marcaría su producción durante muchos años.
"The Painter's Room" (1944), es un cuadro que generó otros trabajos, muy cerca del surrealismo, basados en espacios, personas, plantas... Ya en los 50, después de conocer a artistas como Bacon, Giacometti o Picasso; participar en su primera exposición individual en la Lefevre Gallery y de trabajar en Londres, París, Italia y Grecia, decidió dedicarse enteramente al género que más le ha caracterizado y del que encontramos la mayoría de trabajos en el Pompidou, el retrato -y también el desnudo- con la técnica del empasto.
Encontramos trabajos de inspiración expresionista, de mujeres desnudas que yacen con los ojos cerrados en una cama, personajes de su entorno cercano -amigos y parientes, como su madre, a la que retrató repetidamente- y autorretratos. El artista también cuenta con retratos de pincelada más fina, que reflejan todos los detalles de la composición, en los que Freud plasma escrupulosamente la sencilla belleza y realidad del protagonista con curvas sinuosas y sombreadas, vello, lunares...
En los últimos 15 años se han sucedido múltiples muestras del trabajo de Freud en todo el mundo. Años en los que su producción no ha parado. El Pompidou reúne pinturas en las que el británico halla la inspiración y reinterpreta obras de Constable, Chardin o Cézanne, además de retratos -de personas y en ocasiones, de sus mascotas- y autorretratos. Una obra muy autobiográfica y dotada de gran belleza, significado y aguda mirada.
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CCCB, Barcelona
Hasta el 24 mayo
"Agotadas las tentativas posmodernas, fracasado el intento de prolongar el dogmatismo de las vanguardias a través de la estéril sustitución del arte por los procesos ideológicos, en la primera década del siglo XXI el arte en cierto modo ha vuelto a si mismo. Han vuelto las ideas estéticas, ha vuelto la emoción y lo han hecho por la vía de una experiencia: el malestar urbano". Josep Ramoneda.
Tan certero axioma marca el punto de partida de "ATOPÍA. Arte y ciudad en el siglo XXI". Exposición dedicada por primera vez al arte contemporáneo en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona comisariada por su director Josep Ramoneda y el crítico de arte Iván de la Nuez.
En los fulgores de la primera revolución industrial, la gran urbe cobró protagonismo gracias a las fábricas y al auge demográfico, y desde entonces no ha dejado de crecer. No hace falta imaginarse viviendo en Tokio o México DF -ciudad de más de 20 millones de habitantes-, para darse cuenta de que la megalomanía de las urbes no tiene fin amparada en la especulación inmobiliaria y los intereses privados de una élite, llámense dirigentes o mafiosos en la sombra.
Sin considerar el componente político, sombrío y pesimista del presente, Atopia se define como el sentimiento de malestar del individuo frente a la ciudad del presente la cual no representa, en ningún caso, el paraíso soñado o prometido que nos ofrece la utopía.
Este vacío es tan palpable cuando recorres de nuevo las calles de tu infancia ya desnaturalizadas y llenas de basura moderna, que se apodera de ti la congoja. Sitios con raigambre y terruño echados a perder, entornos desapacibles, mobiliario hostil y leyes represivas que desfiguran la idea de ciudad con la que crecimos y soñamos. Este malestar, el de la incomodidad entre la ciudad que sí existe (yo urbe) y el individuo (yo ser) dibuja la esencia creativa de Atopia.
La exposición aborda a través de 168 obras (pintura, escultura, fotografía, vídeo e instalaciones) de 41 artistas contemporáneos la agonía más palpable: la del individuo que sobrevive y la de su resistencia frente a la apoteosis urbana. Es entonces cuando la urbe pierde sus funciones como espacio de encuentro y realización para convertirse en un espacio de pérdida y fracaso. Un decorado más sin corazón, como sino hubiera bastantes ya.
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Hans Magnus Enzensberger
Ed. Errata Naturae, 2009
Trad. de Lucas Sala
Bajo el título "La balada de Al Capone. Mafia y capitalismo", la editorial Errata Naturae recupera dos textos de Hans Magnus Enzensberger (Baviera, 1929) publicados inicialmente en España por Anagrama. En ellos, el autor presenta dos episodios históricos cuyos protagonistas son miembros de agrupaciones mafiosas y los analiza desde una óptica en la que interpreta el mundo del crimen organizado más como un sistema económico -en concreto lo relaciona con el capitalismo- que como una forma de organización social.
En el ensayo que da título al libro, Enzensberger repasa la historia de la ciudad de Chicago para esclarecer por qué fue esa ciudad, y no otra, la que llegó a convertirse en la cuna de la mafia americana. La Ley Volstead y la inmigración fueron sólo las guindas del pastel en una ciudad con un extenso currículum de corrupción y ausencia de leyes. Asemeja el ascenso y decadencia de personajes como Johnny Torrio o Alphonse Capone a las corrientes de competencia y expansión económica.
En el segundo texto, Pupetta o el fin de la Nueva Camorra, el autor se sirve para su propósito de un caso de vendetta acaecido en el Nápoles de la década de los cincuenta. A partir de ahí va desgranando el significado, los orígenes, la función y la historia de la Camorra. Esta organización mafiosa únicamente detuvo su acción cuando fue substituida por una nueva organización económica más poderosa, formada por "empresarios, abogados y expertos en impuestos" (pág. 107).
Más allá de la vertiente económica, los dos textos aluden, con agilidad y agudeza, a dos figuras que la sociedad ha convertido en verdaderos mitos del siglo XX: el elegante Al Capone y sus fastuosos Cadillacs rodando por las calles del Chicago de los años 20, y la viuda Pupetta, cuya respuesta vengativa ante el asesinato de su marido la convirtió en toda una heroína ante los ojos de los napolitanos.
Paralelamente a esta edición, Errata Naturae ha editado "Los Soprano forever", un volumen de ensayos de corte humanístico sobre la exitosa serie de la HBO. Con motivo de la presentación de ambos, se celebró en Madrid una fiesta mafiosa durante la que sus asistentes, tras bailar al son de los temas de Alabama 3, abrieron las negras fundas de violonchelo, descubrieron sus ametralladoras y tiñeron de luces y rojo sus elegantes y caros trajes en la mitad de la noche, mientras en sus pupilas se proyectaba el influjo maligno de una luna azul.
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Caribou
City-Slan Records | Merge Records
Si hubiésemos hablado con un matemático antes de escribir esta crítica, nos habría insistido en que las matemáticas están presentes en la naturaleza y en todo lo que nos rodea. Todo se puede reflejar con números, desde la omnipresente proporción áurea -la división armónica de todas las formas- hasta las frecuencias de crean las escalas y tonalidades musicales.
De este modo, un matemático podría entender fácilmente la música electrónica como una simple herramienta para aplicar sus conocimientos. El canadiense Daniel Snaith lleva más de 10 años jugando con la electrónica y las ondas sonoras, durante sus primeros tres años de carrera musical experimentó bajo el nombre de Manitoba. Luego, por problemas de derechos, se vio obligado a cambiar el nombre de su proyecto por el de Caribou.
Aprovechó la ocasión para desarrollar su concepto musical: de trabajar con sonidos y buscar la creación de ambientes pasó a la repetición de melodías reiteradas en busca del ritmo matemáticamente perfecto. Del trabajo de estos loops aparecieron trabajos imprescindibles: "The milk of human kindness" y un segundo disco llamado "Andorra" cuya aproximación al krautrock transmitía una vision más orgánica, psicodélica y experimental.
La culminación de la gira de "Andorra" fue el pasado 13 de septiembre de 2009 en un concierto en Nueva York para el festival ATP, donde Daniel Snaith junto a la "Vibration Ensemble" -una banda formada por 16 músicos y amigos procedentes de diversos estilos musicales entre los que destacaban Kieran Hebden - de four tet-, cuatro baterías y un quinteto de cuerda-, ofrecieron un concierto digno del recuerdo (pueden escucharlo en http://blog.wfmu.org/freeform/2009/09/atpny-2009-caribou-vibration-ensemble-w-marshall-allen-mp3s.html)
Una vez llegados a este punto, Daniel empezó a trabajar de nuevo con unas nuevas bases. Para esta ocasión su nueva intención ya no era encontrar la secuencia perfecta ni una producción futurista, sino la aproximación más certera al concepto orgánico. Su nuevo disco, "Swim", intenta impregnar a la música de baile de la sensación del fluir de un líquido sobre una superficie totalmente pulida, todo esto musicalmente sobre una perfecta melodía pop.
Aunque Daniel lo ve todo mucho más sencillo: "He conseguido encontrar mi propio vocabulario de sonidos. 'Swim' esta lleno de texturas brillantes y posee una producción asombrosa". Sobre patrones musicales Snaith relata pequeños pasajes abstractos que transmiten su visión sobre diversas historias familiares y las relaciones humanas, sobre el paso del tiempo. Uno de los grandes acontecimientos de este año. No deja de sorprenderme que no tenga programado ningún concierto en nuestro país durante su proxima gira mundial... aunque, matemáticamente, todo es posible.
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Takeshi Kitano
La última película del genial Beat Takeshi deja contento en su final, pero con sensaciones agridulces entre medias. Presentada a concurso en el festival de Venecia de 2008, causó revuelo en crítica y público y fue nominado al León de Oro.
Debido a la poca repercusión de sus dos últimas cintas Takeshis y Kantoku-Banzai!, ambas parte de la trilogía sobre el arte que cierra ahora, se antoja difícil distribuir su primera película de época (o río) en plena coyuntura de crisis. Digo esto porque rodar al estilo Kitano con 119 minutos y sin apenas acción o atisbos de expresividad sigue siendo un ejercicio sólo apto para valientes o idiotas.
Kitano, curtido en televisión, mitad payaso mitad jacuzza, de expresividad minimal o directamente nula, se embarca en una obra que narra los orígenes de Machisu, un niño especial, sensible y dotado para la observación calma de su entorno y la pintura y que pronto aprende los caprichos del funesto destino.
Rota su acomodada familia y muerto su padre por honor (o cobardía), él y su madre buscan refugio en el campo junto a su cuñado. Este sólo es el primer paso de una huida hacia delante donde todo está sometido a la búsqueda constante del arte, del genio, de la creatividad, y, en su caso, de una personalidad más definida. Todo ello con la fatalidad por montera y la muerte siempre presente de manera intencionada o accidental.
Salto temporal, escuela de arte, novia, pinta desnudos, experimenta con sus compañeros de academia, colores vivos, formas diferentes de representar la realidad, teoría y práctica, talento o mediocridad, muerte de nuevo, pareja, hija, sin dinero... y una figura importante. Sin padre desde niño, Machisu busca el reconocimiento y la aceptación a través del arte, allí encuentra su figura paterna. El marchante de arte, presente desde la mitad del film, le dice cuando hace algo excepcional o pura mierda, le alimenta su confianza o la destroza, le da consejo y le guía, le anima a experimentar, a profundizar en los genios, es una conciencia externa que le hace avanzar y le acerca a la tortuga.
Con la entrada en la edad mediana se rebaja el tono de la historia (cosas de envejecer) y aparecen la burla y el gag (su propia hija se avergüenza de sus padres), gracias a que la experimentación sin limite le lleva al absurdo del arte. Cada vez se expone más en busca del reconocimiento mientras imita casi a la perfección cualquier corriente pictórica que vaya desde Monet a Basquiat pasando por Pollock o Miró. Recuerda al protagonista de El Perfume, Grenouille, obsesionado por capturar la esencia del ser completamente ajeno al resto del mundo, aislado en su tarea.
Machisu encuentra el concepto, la reflexión que en teoría provoca todo arte y lo utiliza en su obra, pero tampoco consigue su objetivo. Y sigue y sigue, como Aquiles persiguiendo la tortuga que nunca atrapa. Quizá esa sea la única verdad detrás de todo arte, perseguir una idea de belleza, de canon, de equilibrio, de provocación, de crítica, de conocimiento, de caos, de rabia, de suciedad, de ruptura, de alumbramiento... hay tantas como seres humanos. Perseguirla sin poseerla. No es la mejor película de Kitano (Dolls, Zatoichi, Hana Bi, Brother...) pero para perseguir la tortuga de la verdad no está mal.
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Webzine francés
Es muy común encontrar, en plataformas como Issuu o Scribd, publicaciones independientes online de fotografía, aunque muchas de cuestionable calidad. Si bien es cierto que ofrecer buenos contenidos, en la mayor parte de las ocasiones va ligado a una inversión, en el caso de la publicación que nos ocupa, el webzine francés "Purpose", se escapa a esa regla.
Ya cuentan con nueve números publicados y lo que les caracteriza es que son monotemáticos y conjugan el trabajo de fotógrafos muy conocidos, como Robert Doisneau, Lee Friedlander o Doug Dubois, con artistas noveles o menos conocidos, sobre todo franceses y de otras procedencias. Asimismo, cada número lleva asociadas a su temática canciones -cuidadosamente escogidas- que te permiten, mientras pasas las páginas, disfrutar de una experiencia multimedia completa.
Según ves números anteriores se puede comprobar cómo ha ido mejorando la calidad en todos los sentidos. Así, en el último número, dedicado al trabajo, se combinan fotos de operarios trabajando en antiguas fábricas francesas de los 60, oficinistas de los 70, hasta llegar a fotografías como las de David Moore. En lasu serie "Office" nos muestra a oficinistas sobre fondo negro, con una iluminación llena de sombras y matices que hace destacar el estado de alienación de esas personas.
También vemos puestos de trabajo vacíos al final del día, fábricas en las que los obreros se echan la siesta en cualquier rincón y series muy sociales, como el de la pareja Raphaël Dallaporta y Ondine Millot, titulada "Esclavage domestique", donde hablan las imágenes -grandes edificios sombríos, inhóspitos en medio de la ciudad- y las propias palabras: historias por escrito de mujeres inmigrantes que entraron a trabajar con familias francesas y fueron humilladas y explotadas.
Y es que ese es el espíritu de "Purpose", como lo concibieron sus creadores, Francesca Alberti (historiadora del arte), Paul Demare (director de arte) y Gilles Raynaldy (fotógrafo), consiste en abarcar temas sociales desde múltiples perspectivas y con los que los usuarios se sientan identificados. Tal vez lo más increíble de este proyecto es que no cuente con financiación -a primera vista-. En su web piden donaciones y anuncian que están buscando socios y editores que lleven a cabo sus iniciativas. En el próximo número, que saldrá en primavera, nos esperan fotos relacionadas con el deseo en tono social, político, cotidiano... yo ya lo tengo en la agenda.
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13 Newsletter · fundado en
Enero de 2004
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