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Manuel Outumuro
DHUB Montcada, Barcelona
Hasta el 25 de abril de 2010
Desde finales de enero, el Disseny Hub Barcelona presenta una exposición de más de 270 instantáneas tomadas por el ourensano Manuel Outumuro, gallego residente en la ciudad condal y uno de los mas importantes fotógrafos vinculados a la moda y el cine de este país.
La exposición es un recorrido a través de su obra. Imágenes realizadas durante los 20 últimos años, una memoria visual dividida en seis ámbitos temáticos: la primera parada tiene lugar en la sección "Parajes" donde se brinda la oportunidad al espectador de dar la vuelta al mundo de la mano de una exquisita selección de imágenes donde las personas se funden con el entorno.
En la sección "Retratos" encontramos una elegida selección de personajes pensativos que nos evocan a retratos del Renacimiento. Bajo el título "Blanco y Negro" el espectador es abrumado a través de la abstracción de cuerpos bidimensionales sobre fondos de líneas nítidas sin color donde todo adquiere un trazo geométrico lleno de gran dinamismo visual, bajo el contraste del blanco y el negro.
En "Secuencias" la célebre y conocida directora catalana de cine Isabel Coixet, edita y selecciona emblemáticas escenas de la historia del cine, que nos muestran la evolución de la historia de la moda, junto a una selección de imágenes del fotógrafo que recrean escenas clásicas de ese arte.
En "Poses y Actitudes" Outumuro hace una clara alusión al protagonismo que alcanzaron las modelos de la década de los 90, situando a las modelos de cada una de las imágenes como el elemento de máximo valor icónico de la fotografía. La muestra dice adiós a estas dos décadas que recogen la trayectoria y evolución de Outumuro en el espacio dedicado a "Celebrities" donde sólo aparecen rostros conocidos del cine, la moda o la televisión, como Penélope Cruz , Rossy de Palma o modelos de la talla de Claudia Shiffer. (Fuente: www.barcelona-deluxe.com)
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CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo
Mostotes, Madrid
3 febrero - 2 mayo
No vamos a descubrir ahora la importancia y presencia indiscutible de Sonic Youth en la música de los últimos 25 años ni su marcada querencia noise, ni tampoco el reconocimiento del que goza el grupo entre crítica, bandas y público. Sonic Youth son referente y quien más quien menos los ha visto en directo comprobando la fuerza de la banda sobre las tablas.
Independientemente de su faceta musical todos sus miembros actuales (Thurston Moore, Lee Ranaldo, Kim Gordon y Steve Shelley) vienen del mundo artístico y la creación visual y su germen se gestó en plena eclosión de la No Wave.
Sonic Youth es la suma de 4 personalidades inquietas culturalmente, con diferentes background y siempre despiertas dispuestas a confluir como banda o como proyecto artístico extrapolable más allá de la creación musical.
La muestra incide especialmente en su germen primigenio y la agitación contracultural de los últimos 70 y primeros 80 en USA y plantea un mapa horizontal con todos los ejes vertebrados alrededor de sus miembros.
Hay videos experimentales, arte conceptual, desbarres noise, distorsión artística, fotos de la banda y de sus amigos hechas por Sofia Coppola o Richard Kern o fotos de ellos mismos de Burroughs, Ginsberg, Kerouac, Timothy Leary o el mismo Glen Branca.
Todos ellos toman como referente, influencia o fuente de inspiración la imagen del grupo como célula creativa incandescente, como puente entre el hardcore punk de la costa oeste y el despertar arty de Nueva York en los primeros 80.
Además de tanta historia la exposición ofrece una vasta colección de memorabilia de la banda con portadas, casettes, posters, guitarras, pases de conciertos, videos en super 8 e instalaciones de video (Sound Digression in Seven Colors) donde se constata la raíz experimental de su propuesta.
Como guinda a una exposición tan interactiva encontramos el Reverse Karaoke. En vez de cantar sus canciones los fans pueden jugar/experimentar y poner música con batería, bajo, guitarra y hasta segunda voz a una grabación de 10 minutos que cantó Kim Gordon. En una mini carpa te graban tocando solo o en compañía y luego te regalan el CD con el discutible resultado. Sitio perfecto para la distorsión y el acople que sirvan de cama a la gélida tonada de Kim.
Buen centro de arte, mejor exposición. De empanadillas hablamos otro día.
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Mike Stilkey
Más que una reseña sobre una exposición, esto es una mini revisión del trabajo de un artista desconocido en nuestros ámbitos más cercanos -al menos para mí- pero cuya obra atrapa y es digna de dar a conocer. Se trata del pintor californiano Mike Stilkey (Los Ángeles, 1975). Se dio a conocer al gran público en 2004, aunque en 2005 protagonizó su primera exposición individual, bajo el tema '100 retratos'.
Y el trabajo que nos ha llamado la atención esta basado, precisamente, en retratos. A Stilkey le gusta experimentar, y se nota. En la muestra colectiva de la galería David B. Smith de Denver -que finaliza hoy-, el artista ha presentado una curiosa serie de retratos realizados en técnica mixta sobre libros -de tapa dura-, paginas de libro, papel, placas, etc.
Los personajes retratados parecen surgidos de una película de Tim Burton. Mujeres y hombres de cara lánguida, pálida y estilizada figura. Sus miradas son, la mayoría de las veces, enigmáticas o tristes, aunque las veces en las que Stilkey quiere transmitir sentimientos de admiración o deseo, sorprendentemente lo consigue, a pesar del extraño espíritu que rodea a sus pinturas, como si de historias fantásticas se tratara.
Tiene obras como 'Serenade' -un caballo-delfín que canta a una altanera dama-, 'Six ways to get a job' -un gato que va en bici a buscar trabajo, supuestamente- o 'All Were Meant to Be' -un periquito que toca el violonchelo-, que te sumergen de inmediato en la atmósfera de cuento que caracteriza las obras de Stilkey.
Se ha comparado la obra del californiano a las macabras ilustraciones de Edward Gorey -de calaveras, muerte, pero también de seres irreales- y a la del pintor expresionista austriaco Egon Schiele. El propio Stilkey afirma que su trabajo es una reminiscencia del expresionismo alemán de la era Weimar, con la diferencia de que la mayoría sus figuras están perfectamente definidas, los acabados son impecables y delicados, y lo más importante, tienen algo que te impide apartar la vista.
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Pantha Du Prince
Rough trade
Un par de veces en la vida he visto a 'freakis' pasear por las grandes ciudades armados de jirafas de sonido con micrófonos unidireccionales y con grabadoras colgando al cuello grabando todo tipo de sonidos. Suelen investigar y diseccionar ese casi imperceptible substrato audible del que ya todos estamos acostumbrados y que está constantemente presente en el ambiente sin que nos demos cuenta.
El productor Hendrick Weber recolectó el año pasado muchas grabaciones de este tipo en los Alpes Suizos junto a Joachim Schütz y Stephan Abry. La idea principal era encontrar una buena base de sonidos para su tercer álbum bajo el nombre de Pantha Du Prince.
No creo recordar un disco de música electrónica donde se percibiera tan clara esta sensación orgánica: armonías de campanas y metales, crujidos, texturas insectoides, abstracciones -palabras de J. Blánquez- hacen que este disco de tech/house brumoso alcance tal densidad conceptual y riqueza melódica, que bien podríamos decir que nos encontramos ante un maravilloso disco de pop instrumental bailable.
Según la definición del propio Hendrick, el título 'Black Noise' se inspira en el sonido que genera la naturaleza, como si se tratara de un lenguaje propio. Sonidos que son interpretados como una señal de aviso del planeta ante futuros acontecimientos.
El disco trae a la mente, por momentos, los mejores pasajes de la historia de la música electrónica: desde los sonidos primigenios de Kraftwerk a las profundas sensaciones del deep/house de Chicago a finales de los 80. Desde la inmediatez al estilo Daft Punk hasta llegar al envolvente sonido de Fennesz. Un disco que produce una agradable sensación de paz, calma e intensidad al mismo tiempo, un disco que no es 'tech/house' ni es 'pop', si no todo al mismo tiempo. Sublime...l
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Tom Stoppard, dirección de Natalia Menéndez
Teatro María Guerrero, Madrid
28 enero al 7 marzo
Pocos serán los que conozcan a Tom Stoppard más allá de su faceta de guionista de películas como El Factor Humano, el Imperio del Sol, Brazil o la archipremiada Shakespeare in Love, y muchos menos los privilegiados que hayan asistido a algunas de sus piezas teatrales en lengua inglesa.
Reconocido como uno de los mejores y más certeros dramaturgos ingleses de la segunda mitad del Siglo XX entre sus obras más conocidas encontramos joyas como Travesties, Jumpers, Arcadia, The Invention of Love, The Coast of Utopia y la que ahora nos ocupa, The Real Thing, traducida al castellano como Realidad.
Estrenada el pasado 28 de enero, Realidad nos estampa en la cara toda la verdad escondida en el universo stoppardiano con un toque de socarronería, descreimiento, cinismo afilado y meta teatro que te tiene en vilo durante las dos horas de la función.
Con un reparto de lujo encabezado por un espléndido y sarcástico sabelotodo Javier Cámara, una poliédrica y excesiva María Pujalte, y los secundarios de honor Juan Codina y Arantxa Aranguren, la obra gira en torno al teatro como vehículo para comprender la realidad de pareja con sus lógicos miedos y desengaños.
En un entorno teatral observamos como los intentos de hacer coincidir vida con teatro parecen baldíos ante la imposibilidad de dar con la piedra de toque perfecta. La vida es un teatro pero a diferencia de él "nunca encontramos la réplica perfecta para cada ocasión".
En definitiva la obra trata de acercar ambos mundos intentando responder a preguntas que no por ser conocidas dejan de ser difíciles de responder cada vez que acontecen: la fidelidad, el compromiso social, la educación, la mentira, etc. En suma, el amor y sus miedos y la raíz verdadera que ocultan.
Es una obra punzante, aguda y crítica que utiliza el humor sarcástico para tocarnos de cerca donde no dejas de sentir el peso agridulce de la risa culpable. Te ríes porque eres como ellos, igual de mediocre y sublime que todos los personajes, porque a fin de cuentas todos tenemos un guión con el que comulgar pero sabemos que la sombra de una duda basta para replantearnos toda nuestra existencia en un segundo.
Celebrar la fragilidad de las cosas que creemos sempiternas es una sana manera de cuestionar nuestra existencia más allá del día a día. Un pretendido toque de atención a nuestro conformismo primermundista. Una oportunidad más de empezar a escuchar la voz de "ese Otro" que apenas oímos en el rincón de nuestra acomodada conciencia.
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Varios autores
Editorial Salamandra, 2009
Una misma idea: un nombre y a partir de ahí construir una historia con total libertad. La editorial neoyorquina 826NY, bajo la supervisión de la escritora y editora inglesa Zadie Smith quería sacar lo mejor de 21 autores ingleses y norteamericanos contemporáneos, y el resultado es de lo más dispar, seguramente como las personalidades de los creadores.
Zadie, que también ha publicado un relato en 'El libro de los otros', realiza un curioso apunte en el prólogo de la obra. Ella percibió esta rica diversidad desde el mismo momento en que recibió los borradores. Hasta la manera en que se los presentaban le transmitía algo: una melancólica fuente Didot, la nostálgica American Typewriter, los tímidos se limitaban a un cuerpo 10 mientras que otros, tal vez mal de la vista, se lanzaron a un cuerpo 18. Esto da que pensar: ojalá los estándares editoriales no fueran tan estrictos y pudiéramos recibir la obra tal y como la concibió su autor.
Anécdotas aparte, este libro consta de 21 historias con entidad propia, tal vez no por el clásico inicio, nudo y desenlace, pero sí por el sentido que deben de tener para su autor. Digo esto porque algunas historias parece que proceden de una historia anterior y están inacabadas. El autor nos mete de lleno en una serie de pensamientos profundos que requerirían de varias lecturas por nuestra parte para captar la idea.
'¿Sabes a qué me refiero? Tenía 19 años y andaba bastante pirada. Había conocido a un tipo judío con un nombre judío de veras: Gideon'. Es el coloquial inicio de 'Frank', la historia de una autora de San Francisco, ZZ Packer, cuya historia responde a ese rasgo introspectivo y de difícil comprensibilidad para el lector del que hablamos.
Otros, en cambio, sorprenden por su originalidad y cercanía, como 'El embustero', de Aleksandar Hemon, un autor bosnio que reside en EEUU desde 1992 y que escribe en prestigiosas publicaciones como The New Yorker, Granta, Esquire o The Paris Review. En cuatro páginas consigue ponernos los pelos de punta con todo lujo de detalles sobre la crucifixión de Jesús -hecho que no descubres hasta el final del relato-.
Sorprende también la aportación, por su tinte cinematográfico, del autor de 'Alta fidelidad', Nick Hornby. 'J. Johnson' no es un relato en sí mismo, pero Hornby ha jugado con el nombre de Jaimie Jonson y lo ha dotado de múltiples personalidades. Ahora, la mejor historia del libro -para mí- es 'Roy Spivey', de Miranda July. Esta artista multidisciplinar de Los Ángeles encandila con todo lo que hace, y Roy Spivey también lo consigue. Un hecho cotidiano, un personaje famoso, un dulce recuerdo para toda la vida, aquello que no hicimos... escrito con la sencillez y la cualidad de hacerte sentir identificada. Un libro absolutamente recomendable para saber lo que se está cociendo.
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