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MoMa, New York
Hasta el 25 de enero
Coincidiendo con la celebración de sus 80 años de existencia, el MoMA de Nueva York ha organizado su mayor exposición dedicada a la alemana escuela de la Bauhaus desde 1938. A través de 400 piezas, que van desde cuadros hasta mobiliario pasando por pósters, objetos de la vida diaria o por proyectos de vanguardia, vemos la evolución de esta avanzada escuela que nació en 1919 y fue clausurada por el régimen Nazi en 1933. Para la ocasión, el MoMA cuenta con una completa web donde puede verse la exposición online donde se ve su evolución.
La Bauhaus fue fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius, que la dirigió hasta 1928. Este alemán quería eliminar la barrera entre los artesanos y artistas, es decir, eliminar las clases entre los creadores de diferentes disciplinas. En las enseñanzas conjugó diferentes artes: arquitectura, pintura, diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, escultura, cerámica, diseño de muebles o textil.
Tanto Gropius como sus sucesores, Hannes Meyer (1928-30) y Ludwig Mies van der Rohe (1930-33), imprimieron en la Bauhaus un carácter multidisciplinar al contar con profesores como Vasily Kandinsky, Paul Klee, László Moholy-Nagy o el diseñador y pintor Johannes Itten, quien estableció gran parte de la filosofía de la escuela.
En sus primeros años predominó la creación en artes gráficas. Eran los años del expresionismo, cubismo y surrealismo, en los que artistas como Paul Klee, Franz Scala, Lyonel Feininger, Werner Graeff o Josef Albers, entre otros, creaban al tiempo que daban clase a los cerca de 150 alumnos. Entre las obras más llamativas de esos primeros años en Weimar destacan los diseños que realizó Kandinsky en 1922 para decorar paredes, el mobiliario de Josef Albers y Marcel Breuer -como la conocida y extendida Club, que el arquitecto húngaro diseñó en 1925-, o los diseños espaciales futuristas de Herbert Bayer, para un edificio multimedia, un cine o un quiosco.
De los años en que la enseñanza se trasladó a Dessau -y en los que el número de alumnos no llegaba a los 100-, la exposición reúne trabajos de Marianne Brandt -modernas lámparas, flexos y obra gráfica-, múltiples trabajos de Breuer -mobiliario de madera y acero-, los planos de casas con decoración añadida de Gropius...
A partir de 1930 la actividad se desarrolló en Berlín. Con la ascensión al poder del partido nazi, la escuela tuvo que enfrentarse a una constante presión política. Aunque la Bauhaus era apolítica, su segundo director, Meyer, creó una atmósfera comunista que Gropius se cargó de un plumazo despidiéndole. A pesar de esto, la producción continuó hasta que la milicia Nacionalsocialista y la policía de Berlín clausuró la escuela. Con la exposición que acoge el MoMA hasta el 25 de enero puede verse un gran resumen de lo que supuso para todas las artes la existencia de tan audaz escuela.
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Zoran Music
Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti, Venezia
Hasta el 7 de marzo de 2010
El mundo de la pintura y de la creación artística han sido tradicionalmente campos donde adquirir notoriedad y éxito en vida, tarea ardua hasta bien entrado el siglo XX. La revolución artística que se produjo en las dos primeras décadas del siglo pasado marcó la pintura moderna y alumbró los primeros años de vida de Zoran Music (1909 - 2005) un hombre laureado en vida y reconocido ahora en el centenario de su nacimiento.
Nacido en Gürtz, en el corazón del extinto Imperio Austrohúngaro, enseguida encontró su caudal expresivo vía conexión con el paisaje de Dalmacia. Más tarde tomaría conciencia de sus verdaderas inclinaciones al viajar a España y contemplar de cerca el realismo trágico de Goya que vendría a ser un anticipo del desastre que sacudió su vida y Europa con la II Guerra Mundial.
Típico tópico: el punto de inflexión y el clic existencial acontecen al ser deportado por disidente político al campo de concentración de Dachau donde el dolor de su cautiverio forjó su singular estilo de dibujo. Allí retrató el horror del hambre, la apilación de muertos, los ahorcados, la enfermedad y el desencanto más hondo.
Zoran Music Extreme Figure es posiblemente la primera gran muestra del reconocido artista que recoge más de 80 obras, algunas expuestas por primera vez, y dividida en 8 fases cronológicovitales:
Los orígenes (1935-1949); el Viandante (mitad años 90), Venecia, ahora (años 80 y 90); figuras grises (fin años 90); \ se debió volver a Dachau\» (años 70); el espacio intenso (años 90); variaciones en IDA y Autorretrato (años 80 y 90); el doble retrato (1983-2001).
Fuente constante de inspiración para el comic más abstracto, tanto retratos como paisajes, así como las postales de su amada Venecia, a la postre la ciudad de su adiós, Music fue modelo a seguir en vida. Creador insaciable, heterogéneo en lo temático aunque de estilo homogéneo y singular, cercano a Tintoretto en ocasiones o incluso a Turner, pero siempre con un grado de abstracción expresionista de valor telúrico.
Esta exposición es, hasta el 7 de marzo, un valor añadido a la siempre seductora belleza romántica de la ciudad de los canales, quizás desde ahora más comprehendible para el ojo del visitante a través de la seductora mirada de Music.
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Deichtorhallen Hamburg
Hasta el 21 de Febrero de 2010
Se exponen por primera vez en Europa las obras artísticas conjuntas de dos de los más importantes maestros de la fotografía del siglo XX. Bassman y Himmel dedicaron toda su vida a plasmar en sus imágenes los conceptos que marcarían la moda contemporánea tal y como la conocemos hoy. Sus trabajos con el blanco y negro sirvieron de base para consolidar los estereotipos de mujer elegante de la segunda mitad de siglo.
Al principio, smbas vidas recorrieron diferentes vias. Mientras que Lilian trabajaba como codirectora para la revista "Harper's Bazaar", Paul se dedicaba al fotoperiodismo. En 1935 contrajeron matrimonio y compatibilizaron la fotografia con el cuidado de una familia. Paul siempre se dedicó al ámbito más experimental, poco interesado en el mundo de la moda, mientras que Lilian se dedicaba exclusivamente a su revista, promocionando a jóvenes talentos emergentes como Richard Avedon, Robert Frank o Arnold Newman. Despues de 25 años trabajando en "Harper's Bazaar", decidió implicarse aun más en el mundo de la moda y empezar a diseñar su propia ropa. Tras una década de trabajo como diseñadora llegó el desencanto por el imparable mundo de la moda, llevándola en 1971 a desvincularse totalmente del establishment y destruir todos sus trabajos realizados hasta la fecha.
Mientras tanto, en la decada de los 50, Paul Himmel realizaba sus propios proyectos de series de boxeadores, personajes del circo y bailarinas de ballet. Sus trabajos son mucho más libres y experimentales que los de su mujer, investigando el contraste, el grano y sensibilidad de la pelicula, el silueteado y la sobreexposición, siempre buscando la abstracción de las imágenes. Desencantado de la experimentación, realizó la ultima fotografia en 1967.
Varios años después, una bolsa de negativos y pruebas realizadas por Bassman aparecieron salvadas de la basura. La curiosidad hizo que Lillian investigara sobre las fotos rescatadas, la visión que se mostraba sobre esas imágenes contemplaba las necesidades de la revista comercial en la que había trabajado durante tanto tiempo, pero pasados los años, no satisfacían las expectativas de la propia fotógrafa: "...y me atrajo la idea de reinterpretar -a través del revelado y la experimentación- las fotos tomando mis propias decisiones, desarrollando una nueva forma de verlas, reanudando mi interés por la moda y retomando a las mujeres que elegí para hacer esas fotografías".
Paul Himmel murió en febrero de 2009. Bassman y Himmel definieron las bases del concepto de belleza femenina, la reflexion sobre la condición social de las mujeres, la evolución de la técnica artística. Todas las imágenes que forman la clave de esta evolución podrán verse hasta el 21 de febrero en el Deichtorhallen de Hamburgo.
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Brothers of end
Konjaga/Playground Music Scandinavia
Una vez finalizada la eclosión del pop sueco llega la calma, tras los años pasados. Con la mirada puesta en el devorador mercado nipón, muchos grupos suecos decidieron parar en seco e indagar en sus verdaderos orígenes, muchos influenciados en los sonidos de décadas anteriores: desde la electrónica naïf, el pop inglés o el rock y folk americano.
Inexplicablemente, los grupos más famosos (Cardigans, Eggstone) deciden tomarse un periodo de descanso en sus carreras, aunque no por eso sus componentes dejan de tocar sus instrumentos. Simplemente se dedican a la creación de nuevos proyectos alternativos en busca del "placer de hacer música", como ellos dicen: "tomarse la musica desde otro punto de vista e ir en otra dirección, olvidarse de las radiofórmulas y pensar en ellos mismos".
Dos de estos músicos, junto a otro amigo de la infancia -de manera totalmente accidental en un concierto veraniego en 2006- decidieron cumplir la promesa realizada años atrás: "algún día deberíamos tocar juntos". Poco después empezaron a intercambiarse las primeras tomas y bocetos a traves de Internet, finalmente en un intensivo fin de semana en Malmö empezaron a ensayar seriamente como un grupo: Mattias Areskog, Lars-Olof Johansson Ståle y Bengt Lagerberg se inspiraron en la música folk americana aderezada con un matiz psicodélico, tras estas primeras canciones adoptaron el nombre de Brothers of End.
Su primer disco "The End" apareció hace poco menos de dos meses, 11 canciones que recuerdan a Crosby, Stills, Nash and Young, la lentitud de Low en las melodias, los juegos instrumentales de Fleet Foxes, la melancolía de Galaxie 500.
Lo que verdaderamente reivindican es la amistad, la nostalgia, la creación de canciones lo más cercanas posibles, el placer de compartir nuevas melodias -"curiosamente, ninguno de los tres habia cantado anteriormente, así ante la duda de quién llevaría tal responsabilidad, optaron por cantar los tres a la vez..."-; los sonidos ambientales, las nuevas texturas aplicadas a los instrumentos básicos -la obtención de nuevos sonidos para las baterías y pianos-... Todos los componentes que son imprescindibles dentro de lo que se ha etiquetado como the New Scandinavian Indie Folk.
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Paul Auster
Ed. Anagrama, 2009
Ya está en las librerías españolas, con poca diferencia respecto a las americanas o británicas, la décimotercera novela de Paul Auster (New Jersey, 1957), "Invisible". Narra la experiencia vital pasada y presente de Adam Walker, un culto e intelectual estudiante de 20 años de la Universidad de Columbia que sueña con ser poeta. Una noche de fiesta conoce a una envolvente pareja de franceses, Born y Margot.
Él, profesor en su misma universidad, le ofrece colaborar en la edición de una revista. Comenzará así una complicada alianza con trasfondo político, paralelamente a la Guerra de Vietnam, en la que Adam tiene un affair con Margot y es testigo de un asesinato del cada vez más inestable Born. Estos incidentes tuercen la vida del prometedor escritor, hasta que llegamos a 2007. Adam está comenzando unas memorias y busca la ayuda de un conocido y famoso escritor americano, Jim Freeman, para continuarlas.
Los saltos temporales en los que vemos la evolución y maduración de los personajes son uno de los recursos recurrentes de Auster. Esta novela iba a ser un experimento en ese sentido, como el autor explica en una entrevista a la editorial neoyorquina Granta. Afirma que "Invisible" es la segunda versión "repensada" del libro. En principio, Walker y Born iban a verse tres veces mediando 20 años entre encuentro y encuentro. Tras finalizar la primera parte, empezar la segunda y ser consciente de que era una "idea terrible", Auster redirigió la obra.
El resultado es una novela narrada a tres voces, intensa, incisiva, elegante y ligera en apariencia -sólo el primer capítulo ya te engancha-. Auster ha manifestado que "no es para nada una novela autobiográfica", aunque Adam tuviera, como él, 20 años en 1967 y estudiara en Columbia. "El encuentro con el profesor francés es el tipo de cosas que me sucedían cuando era joven. Conocía a gente y no sabía quiénes eran realmente", ha manifestado es escritor.
El escritor estadounidense lleva produciendo desde 1974 -sobre todo traducciones, poesías y ensayos en los primeros años- aunque su auge novelístico está teniendo lugar en la última década, de la que destaca el éxito de "Brooklyn Follies". Auster es una especie de Woody Allen de la novela. Escribe acciones basadas en Nueva York que o te encantan u odias, y también ha escrito y dirigido en cine "Smoke", "Blue in the face" o "La vida interior de Martin Frost", entre otras películas.
Lo cierto es que, para el escritor, cada novela "viene sola" y con un "lenguaje distinto del resto". "Invisible" sea, tal vez, un nuevo intento de ahondar en la naturaleza y el alma humana a través de personajes muy auténticos.
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Parece que fue ayer cuando los efectos especiales en el cine 'made in Hollywood' deslumbraban nuestra existencia para deleite sensorial máximo. La Guerra de las Galaxias, Desafío Total, Terminator, y más recientemente aquella flipada de Tom Cruise titulada Minority Report. Entonces se pudo ver por primera vez -y con cierto rigor- lo que vendría a ser la tan cacareada interactividad informática en pantallas virtuales llenas de menús y ventanas donde simplemente bastaba un movimiento del cuerpo para escoger una opción.
Realmente el término nació en 1982 en la Universidad de Toronto, cuando Nimish Mehta desarrolló la primera pantalla sensible a la presión digital. Ha llovido mucho desde entonces y las pantallas táctiles y el 3D hace tiempo que son comunes para nosotros, sobre todo en forma de ocio multimedia y dispositivos móviles. Curiosamente, el término lo tiene registrado Apple aunque no tenga el monopolio del invento.
Aparte de Iphones y cachivaches electrónicos de última generación, existe un colectivo con origen en Barcelona que persigue un acercamiento a las posibilidades del "multi-táctil" más humano y directo además de fresco y divertido. Multitouch-Barcelona, reconocidos internacionalmente por sus proyectos, afirman que se dedican al diseño interactivo que explora la comunicación natural entre la gente y la tecnología. Toda una declaración de principios que queda de manifiesto al ver cualquiera de sus creaciones donde se incita al público a tocar, jugar y sentir tal y como lo hacen en la realidad.
Si algo sorprende al entrar en su portal es que los vídeos que tienen colgados nos producen emociones que teníamos algo oxidadas y que no suelen aflorar en propuestas de perfil avanzado. Sus pantallas te hacen recuperar la sonrisa, disfrutar el humor detrás del mensaje y sacar al niño curioso e hiperactivo que llevas dentro. Especialmente conseguido en su instalación Space Invaders XL para el Off Festival portugués donde el público va matando marcianitos en una pantalla súper gigante con pequeñas pelotas hasta explotar en éxtasis colectivo cuando acaban con el último alien de la pantalla.
Aparte de pantallas gigantes también se atreven a ser Dios, o mejor dicho, a dejarte ser Dios y dibujar a tu antojo humos y vapores hasta dar con brumas de luz caprichosas y sugerentes o a generar diálogos plásticos entre tú y el devenir de un globo blanco. Su más reciente creación es una transmutación práctica de máquina a humano que satiriza acerca del contenido real de todo aquello que queda de la pantalla hacia dentro. En plena ebullición creativa conviene no perder de vista a estos chicos ni sus pantallas.
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