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Schirn Kunsthalle Frankfurt
Hasta el 3 de enero de 2010
En relación a la participación de China como invitada de honor a la Feria del Libro de Frankfurt de 2009, en el museo Schirn se presenta por primera vez en Occidente la exposición de la China Rent Collection Courtyard, del grupo escultórico formado por más de 100 escultura a tamaño real, considerado como la obra más importante dentro del arte moderno chino.
Creado en 1965 por los profesores del Instituto de Bellas Artes de Sichuan, para formar parte de la instalación especifica en la ciudad de Dayi. Estas figuras pronto se convirtieron en modelo de toda la iconografía perteneciente a la Revolución Cultural, que comenzó un año después de su presentación. Las esculturas que se exhiben en la Schirn pertenecen a una versión "móvil" e itinerante creada entre 1974 y 1978 a partir de cobre chapado recreando las figuras que se exponen en China.
La mayor parte de las esculturas forman una secuencia dramática de siete escenas tradicionales chinas durante la República China (1911-1949), representando la explotación de los campesinos por un terrateniente pre-comunista. Como durante la Revolución Cultural han desaparecido los recuerdos de la gente, los jóvenes artistas chinos han recurrido en repetidas ocasiones a esta obra, generando un gran numero de debates y cursos como pieza fundamental del Arte Contemporáneo Chino.
Apelando la teoría del arte marxista, Mao exigía un arte políticamente orientado al servicio de las masa, con la tarea de representar y celebrar los logros del proletariado, se obliga a los artistas a vivir entre la masa, para poder representar fielmente las imágenes de los trabajadores, campesinos y soldados. El proceso creativo de la primera mitad del siglo XX en China, viene marcado por elementos estilísticos de la escultura clásica realista europea combinada con el lenguaje de inspiración soviética del realismo socialista.
De las siete escenas, seis representan la presión a la que se ve sometida la masa rural (impuestos, trabajo, carga social) mientras que la última representa el levantamiento de los campesinos enfurecidos y la preparación para la lucha de clases.
La posibilidad que se le brinda al visitante de poder pasear entre las esculturas, y observar con detalle el realismo con el que están hechas, hace de esta exposición una ocasión única y exclusiva de poder contemplar el Arte Contemporáneo Chino.
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Michael Haneke
El poso que queda después de ver esta obra cinematográfica es a la par profundo y confuso, como un sueño entre sombras, parecido al embriagador comienzo de "Europa" y "The Kingdom", ambas creaciones de Lars Von Trier. El film es cautivador y magnético, equilibrio visual que emana de su monocromía y encuadres deudores de esteticistas del claro oscuro como Vermeer. Secuencias perfectas que discurren lentas en cadencia y ritmo donde el lenguaje corporal es tan importante para lo velado como el habla para lo convencional.
Aparte de sus virtudes, la película ha cosechado premios importantes en el Festival de Cine Cannes y en el de San Sebastián y su director, Michael Haneke, lleva años mostrando una frialdad visual y una austeridad emocional/sentimental paralela al creciente abismo entre sociedad e individuo de las civilizaciones europeas modernas.
Después de joyas de la observación antropológica con la violencia y la alienación como telón de fondo como "Funny Games", "La Pianista", "Código Desconocido" o "Kaché", vuelve sus ojos a principios del siglo XX en los albores de la primera Guerra Mundial.
En una pequeña comunidad protestante del norte de Alemania la vida gira en torno a las estaciones, al barón terrateniente de la comarca y sus aparceros y aldeanos. Entorno extrapolable a aquellas primeras comunidades de protestantes que colonizaron EEUU donde la caza de brujas encontró su mejor caldo de cultivo.
En esta ocasión no hay brujas, pero sí un halo de misterio, ambigüedad moral y mucha represión y autoritarismo ejercido de arriba abajo, de padres a hijos, de poderosos a campesinos, de creyentes a creyentes en ciernes. En este clima mortecino empiezan a ocurrir pequeños accidentes en la comunidad donde el doctor, el barón y la colectividad se verán manchados sin explicación racional alguna. Sólo la envidia, la desconfianza y la venganza parecen acomodarse a los esquemas de la maldad por descifrar.
La cinta blanca del título hace referencia a la supuesta inocencia y pureza de la que deberían hacer gala las nuevas generaciones/élites (que curiosamente dirigirán el alzamiento nacionalsocialista en la Alemania nazi) y que supone la piedra fundacional de la confirmación y del paso a la edad adulta. Lejos de afianzar el mensaje, la cinta parece ser un simple atrezzo que los niños no son capaces de asimilar más que por la fuerza física (como todos los dogmatismos extremos, de nuevo los futuros nazis).
Al final sólo queda la sensación de haber asistido a un entreacto inconcluso difuminado en el tiempo ante la inminente llegada de la violencia más mortífera: la guerra. Sin embargo la sensación de horror, crudeza y desencanto supera con creces el límite de lo abominable. Sólo Haneke es capaz de ofrecer este menú en bandeja de plata.
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Wild Honey
Lazy Recordings
Estas cosas suelen pasar. Sólo llegamos a ver únicamente la punta del iceberg: ¿Cuántos discos se editaron en Memphis después del éxito de Elvis? ¿Cuánta psicodélica americana ha quedado perdida en los cajones de las tiendas de segunda mano? ¿Cuánta orfebrería musical desperdiciada sin llegar a sonar en las radios universitarias?
Muchos son los discos que no recibieron los 15 minutos de fama merecidos, en vuestras manos está la oportunidad de hacer que con Wild Honey suceda todo lo contrario.
Un disco de grandes canciones, como se deben hacer estas: en los dormitorios, sentados sobre la alfombra y con guitarra acústica y el cuaderno de notas en la mano, rodeado de todos aquellos discos que permanecen atemporales: Beach Boys, Brill Building, The Zombies, Michel Legrand, Las Ronettes e incontables clásicos del Bubblegum...
Pero -rarezas de la vida- no estamos hablando del enésimo sueco que canta en su dormitorio a la luz de las velas, ni del nerd americano o del freak canadiense, tras el nombre de Wild Honey tenemos la iniciativa del madrileño Guillermo Farré, un atípico proyecto paralelo que esta dejando impresionados a los más avispados buscadores de tesoros musicales.
Convirtiendo su casa en un estudio de grabación improvisado, se grabaron a principios de 2009 los instrumentos que confeccionarían más tarde este "Epic Handshakes and a Bear Hug", mezclado en Nashville de la mano de Brad Jones.
Doce canciones dotadas de la magia del bubblegum, del respeto por los grandes de siempre (desde los Beach Boys a The Legendary Jim Ruiz Group, desde las Ronettes a Sufjan Stevens), los ramalazos universitarios, las palmas y ukeleles de "Whistling Rivalry", los samples marcianos de "The Big Parade", las surfguitars de "Gold Leaf" o la declaración de amor a la pegada de bateria de "Hal Blaine's Beat".
Como todo lo extraño, es disco se regala directamente de su web o se vende de manera especial, donde podremos adquirir por un precio irrisorio el Lp (con una portada digna de premio nacional de diseño) y al mismo precio recibir el CD.
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Thomas Hirschhorn
La Casa Encendida, Madrid
Hasta el 5 de enero de 2010
La primera sensación al ver la obra de Thomas Hirschhorn es, en cierto modo, sobrecogedora. Maniquíes desmembrados, incompletos y carentes de vida repartidos por toda la sala, junto a otras esculturas, muñecos, fotografías y algún que otro toque de bricolaje. Sin embargo, al mirar detenidamente, obra por obra, eres consciente de lo obvio y necesario que es el mensaje que llevan implícito.
Son muy impactantes las obras que reposan en el centro de la sala, The One World y Black&White Hemisphere. Se trata de dos gigantes metáforas sobre aspectos globales del ser humano. La primera, de cómo los políticos nos invaden el cerebro y nosotros, cuales ovejas, nos vemos obligados a creernos su versión. La segunda versa de las diferencias entre el mundo desarrollado y el otro mundo, más cruel e injusto.
A partir de aquí ya nos hacemos una idea del mensaje para la reflexión, que sigue con Ingrowth. Ocho maniquíes interconectados que representan la fe, la verdad, la gracia y la esperanza, se muestran incompletos, tal vez como un símbolo de que el ser humano impide que esas sublimes cualidades existan íntegramente. La muerte, la violencia y la guerra lo impiden.
Las metáforas continúan con las figuras de Mono Vitrine. Una está dedicada al amor, que tal vez debamos escribir con comillas, ya que el maniquí está acompañado de revistas eróticas, mientras que la otra, inspirada en Goya, está rodeado de libros que versan, en su mayoría, sobre las láminas de los Desastres de la Guerra. De nuevo, una crítica al horror causado por el ser humano, incesante desde el principio de los tiempos.
Esta es la primera muestra individual de Thomas Hirschhorn en España. El artista suizo comenzó su carrera con un grupo de diseñadores comunistas conocido como Grapus, interesado en política y cultura que tenía la calle como su medio de difusión. Hirschhorn crea instalaciones a partir de objetos de la vida diaria, algunas han permanecido en museos como el MoMA de NY o la Tate de Londres.
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Seattle Art Museum
Hasta el 31 de enero de 2010
La mayor colección de dibujos de Miguel Ángel, todavía en existencia, está bajo estrictas medidas de conservación en el Palacio de la Casa Buonarroti en Florencia. Tan solo un pequeño número de piezas pueden ser mostradas durante breves periodos de tiempo al público. Es el caso de los doce dibujos que han viajado al Museo de Arte de Seattle como piezas centrales de la exposición "Los dibujos de la Capilla Sixtina y Otros tesoros".
Realmente, el concepto "tesoro" es acertado, ya que, al final de su vida, Michelangelo Buonarroti insistió en quemar todo el material que consideraba no suficientemente divino o santo de su obra. Tan solo pudieron ser rescatados un pequeño número de dibujos preparatorios de partes del fresco del techo de la Capilla Sixtina y escasos documentos personales privados.
La Casa Buonarrotti (creada por sus descendientes directos) desde la muerte de Michelangelo, conservó durante siglos las piezas. En la actualidad se mantienen en almacenamiento protegidas de la luz perjudicial y del aire. Estos dibujos serán mostrados por primera vez en los EEUU junto a maquetas y documentos personales, retratos pintados y esculturas del artista y obras de arte realizadas por contemporáneos de Miguel Ángel.
Acompañando a los doce dibujos, se muestran amplios estudios sobre la situación y adaptación sobre el techo de la Capilla Sixtina. Desde la concepción inicial del mural a la obra maestra finalizada y el perfeccionamiento y detalle a pesar de la monumentalidad de la obra. También se muestran las alteraciones del trabajo adaptándose a la extraña forma de los espacios del techo y la resolución para transmitir en esquema narrativo que va desde la bóveda hacia el frontal.
Del mismo modo, el estudio de la expresión de los trazos refleja la claridad de ideas de Michelangelo, como los bocetos preliminares del estudio del "Adán durante la expulsión del paraíso", donde con tan solo con unos cuantos simples trazos, se evoca el gesto y el sentido de vergüenza que se transmite en la figura final. Simplemente es la explicación de un tesoro... Un tesoro de carácter divino.
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Carrousel du Louvre, París
Del 19 al 22 de noviembre
Una de las citas más importantes en lo que a fotografía se refiere tendrá lugar, en unos días, en París. El Carrousel du Louvre -el centro comercial subterráneo junto al museo del Louvre- acogerá las propuestas fotográficas de más de 100 expositores procedentes de 23 países. A pesar del volumen de la diversidad de propuestas y de lo comercial de la sede de Paris Photo, queremos fijarnos en el trabajo que presentan dos jóvenes galerías de la nueva generación, Kuckei + Kuckei (Berlín) y Motive Gallery (Ámsterdam).
La galería berlinesa de Linienstrasse acude a París con la obra de Barbara Probst. Esta fotógrafa, que vive y trabaja en Munich y NYC, presenta sus últimos trabajos, que consisten en sorprendentes series muy trabajadas. Unas veces con personas como protagonistas, en poses estudiadas, y otras en las que el observado es inconsciente de serlo.
Jörn Vanhöfen es otro de los artistas propuestos por Kuckei. Uno de sus trabajos más recientes es un recorrido por los lugares más inhóspitos de Sudáfrica. Sus imágenes, con estudiados tonos terrosos hacen hincapié en la desolación, en el tiempo suspendido y en la interacción entre el hombre y la naturaleza. Sin embargo, presenta en París una serie sobre la antigua prisión de Carabanchel, en Madrid.
También son de África las imágenes de otra artista de la muestra, esta procedente de la galería Motive. Viviane Sassen (Ámsterdam, 1972), cuenta como trabajo destacable una serie de sus viajes por Zambia, Sudáfrica y el Este del continente, también escenarios de su niñez. Son coloridas instantáneas en las que sus protagonistas se muestran a medias, escondidos, que reflejan la vida en los suburbios.
Motive también ha apostado para la cita parisina por la ecléctica Martine Stig. Cuenta con trabajos de lo más diversos: un viaje por el comunismo de Corea del norte; After, una serie de parejas que acaban de tener sexo y que muestran la intimidad del momento o Hello, instantáneas de la calle fruto de su observación del día a día y en las que una persona destaca de entre las demás en el ajetreo.
Esta es una breve pincelada de lo que se puede encontrar en la muestra de París, pero no faltarán participantes de renombre como Fine Old Masters (Munich), Robert Koch Gallery (San Francisco), Toni Tapiès (Barcelona) o el artista Abbas Kiarostami, que acude con la galería londinense Purdy Hicks.
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Joe Sacco
Mondadori
Joe Sacco pasa por ser hoy en día el precursor del reporterismo en cómic y por ser también uno de los pioneros de la novela gráfica moderna. Además de estas credenciales es un hombre preocupado sobremanera por el conflicto armado palestino y por otras zonas castigadas por la guerra.
Un hombre que ha visto como en los 80 su obra no importaba a nadie (no era editable) y hoy en día gente como Marjane Satrapi, autora del cómic y posterior película "Persépolis", o el director del film "Vals con Bashir" Ari Folman, le deben mucho a sus primeros pasitos.
Famoso por su obra "Palestina", serializada de 1993 a 1995, siguió centrado en conflictos armados asentados en el corazón de Europa como "Gorazde: Zona Protegida" y "El Mediador" localizadas en Bosnia Oriental o su serie "Chechen war, Chechen women", basada en las penurias de los refugiados chechenos en su pseudoguerra con la madre Rusia.
Ahora vuelve a su tema favorito después de descubrir en 2001, mientras trabajaba documentándose sobre la segunda Intifada en Gaza, que hubo una matanza de civiles palestinos en un campo de refugiados en 1956 que ningún medio oficial había sacado a la luz.
El libro reconstruye en 400 páginas la matanza a través de una línea que conecta aquella época con el 2002. Sacco desarrolla el libro en base a testimonios, documentos de la ONU y su propio trabajo de campo como dibujante e investigador periodístico. Admite que siempre que tomar fotos representa un peligro se dedica a hacer esbozos compulsivamente de todos los detalles que llenan sus viñetas, sobre todo cuando tiene soldados israelíes delante.
A pesar de que en España se publicará en marzo, el volumen llegará al mercado norteamericano y británico en diciembre, coincidiendo con las comerciales y consumistas navidades anglosajonas. Si no puedes esperar a marzo, recuerda que la compra on line te evita precios inflados, aglomeraciones y paseos innecesarios, ahorra dinero para el futuro, pues Joe promete contenidos más ligeros para sus próximos proyectos.
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13 Newsletter · fundado en
Enero de 2004
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