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Palazzo Reale, Milán
Del 14 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010
La sensación de contemplar un cuadro rodeado de gente en mitad de un museo y sentirse completamente solo y aislado al mismo tiempo es cada vez más casual. El arte degenera hacia lo abstracto y elíptico y cuesta encontrarse a uno mismo mirándose en los ojos del otro.
Edward Hopper (1882-1967) pertenece a esa clase de artistas, como Francis Bacon o Richard Estes, que describen con precisión minimal todos los sentimientos velados de una imagen efímera. Las zonas de sombra, el lento devenir de lo cotidiano, el pasado y el futuro de los personajes, la trama velada y el sentimiento subyacente de un momento congelado en el tiempo. Viene a ser el primo lejano del escritor Raymond Carver por su concisión y realismo impresionista, no sucio como el primero, pero sí apagado.
La primera gran muestra sobre Hopper organizada en Italia en colaboración con el Whitney Museum dejará Milán en junio y pasará por Roma y Lausanne en los próximos meses. Comisariada por Carter Foster, recoge 160 obras provenientes principalmente del Whitney Museum de Nueva York. Los óleos y acuarelas se acompañan de los bocetos y versiones previas haciendo especial hincapié en el detallista y riguroso método de trabajo de Hopper.
La exposición está subdividida en siete secciones que recorren toda la trayectoria de Hopper desde su etapa parisiense, deudora de pintores como Manet o Pizarro, hasta su acercamiento a España movido por su admiración a Goya y especialmente ligada al trato de la luz y los colores que hacía el pintor aragonés.
A su vuelta a EEUU empezó a ser reconocido como cronista de la soledad y los ambientes íntimos y se consolidó como maestro del realismo americano en los años 30. Es entonces cuando encontró un espacio y estilo propio lleno de silencios y distanciamiento teñido por un halo de extrañeza casi onírico.
La exposición es una ocasión única para acercarse a uno de los mejores pintores americanos del siglo XX cuya obra está aún más vigente hoy en día que en el marco temporal en el que fue concebida.
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Quirk Books
Queramos o no siempre ha habido generaciones e querencias, siempre hubo en casa algún referente musical contrastado y algún fan en pequeño. Sin los pósters de dudoso gusto de Iron Maiden, Whitesnake y Judas Priest de mi hermano, quizá mi vinculación con la música habría sido simplemente auditiva y no visual, y eso sería un error terrible para cualquier mitómano.
Este es un llamamiento a todos los vinilistas devotos de las portadas y del diseño gráfico musical. Hay gente que también valora la creatividad ligada a la música hecha imagen más allá de bajarse todos los MP3 posibles. Para esta minoría mayoritaria existe esperanza.
Quirk Books edita Gig Posters Volume 1: Rock Show Art of the 21st Century, un compendio de 700 pósters de conciertos seleccionado por el creador de la página www.gigposters.com, Clay Hayes, con extensa biografía sobre sus diseñadores e influencias. Además incluye 101 pósters microperforados para su fácil extracción y colocación en las paredes de tu habitación, chamizo, local o tugurio favorito.
Entre las obras incluidas se muestran trabajos de todos los estilos musicales y artísticos: bandas heavies, folkies, rock, americana, pop, hip hop, noise, psicodelia y hasta algún híbrido loco. En lo artístico encontramos collages, diseños por ordenador, técnicas de cómic, impresionismo, abstracción, tintado clásico y hasta negativos o fotocopias coloreadas.
Entre el grupo de artistas expuestos hayamos pequeñas joyas desde ya. Aesthetic Apparatus parece inclinado al público indie y crea carteles impresionantes para The White Stripes o los recién llegados The Dead Weather pasando por compositores folk en boga como M. Ward o Andrew Bird.
Por su parte, Bongout manufactura carteles para festivales o bosquejos mutantes para Animal Collective, Lighting Bolt, Erase Errata o Gossip.
Andrio Abero le saca partido a las ventajas del diseño vectorial por ordenador y nos regala obras de Feist, Wilco, VHS or Beta e incluso tótems históricos como Bjork o The Chemical Brothers.
Y no podemos olvidarnos de Burlesque of North America que con toques psicodélicos y collages nos acerca más a Arcade Fire (una delicia la devoción de estos chicos con la banda canadiense), Pelican o High on Fire.
Indudablemente, muchos fallan en su cometido, informar del día, hora y lugar del concierto de nuestra banda preferida, pero francamente, a quién le importa el resultado si cada póster nos acerca un poquito más a nuestro grupo del alma.
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Varias localizaciones, París
Del 20 Octubre de 2009 al 17 de enero de 2010
La ciudad de París rinde homenaje este otoño al maestro del cine italiano Federico Fellini a través del ciclo "Tutto Fellini!", organizado Por la Cinémathèque Française, el Institut Culturel Italien de París y la FNAC.
Con la intención de dar a conocer en profundidad el mundo felliniano, entre octubre y enero se realizará, en distintos lugares de la capital francesa, una serie de conferencias bajo el nombre de "Caro Fellini" y extensos ciclos de cine "Tutto Fellini, Retrospective". Complementará la exposición "La Grande Parade".
Para empezar a entender a Fellini, debemos dividir toda su obra en tres momentos, diferenciados de su filmografía. Los primeros años están marcados por el acercamiento a la corriente neorrealista, donde el director busca encontrar su estilo propio y personal que le defina como creador.
La segunda etapa viene marcada por el reconocimiento internacional de su obra y por los grandes premios, en esta época ya el cine de Fellini es tremendamente expresivo y por encima de todo destaca su enorme personalidad, presente ya desde la manera en la que son tomados los encuadres hasta a la narrativa utilizada: la extravagancia, la expresividad, la crueldad, la provocación, la farándula, la biografía distorsionada por la ficción, los sueños...
La tercera fase viene marcada por su distanciamiento de la crítica y por el obligado relevo generacional de los nuevos cineastas -el triunfo del cine radical europeo de los 70 y la aparición de la televisión como motor del ocio diario-. Es el momento en el que Fellini se alejó de las grandes producciones y se volcó en un cine mas intimista y personal, abandonó la majestuosidad de sus anteriores películas y las sustituyó por sencillas películas dotadas de una gran fuerza artística.
En la exposición "La Grande Parade", podremos comparar estas tres épocas creativas del cineasta, además centrarnos en un estudio de las fuentes de creación de Fellini, sus inicios como dibujante publicitario, sus primeros guiones para secuencias cómicas y guiones radiofónicos.
Del mismo modo, será posible ver las imágenes realizadas por colaboradores en los rodajes de sus películas, como las apariciones de Marcello Mastroianni -el actor que constantemente aparece en sus filmes-, Roberto Rossellini, su mujer, Giulietta Massina, Anita Ekberg, Alberto Sordi, Claudia Cardinale, Roberto Benigni y un sinfín de actores de la época dorada del cine italiano.
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Harald Hauswald
Pool Gallery, Berlín
Del 17 de octubre al 14 de noviembre
"Auferstanden aus Ruinen" significa Rescatado de entre las ruinas. Si hablamos de fotografías de las décadas de los 70 y 80 realizadas en la República Democrática Alemana, este título toma sentido. Se trata de las imágenes que durante años captó Harald Hauswald en la capital de Alemania del Este.
Podría parecer un hecho común, pero durante esos años, la dictadura socialista que imperaba en la parte oriental de Alemania, prohibió cualquier documentación de la vida diaria de sus ciudadanos. Hauswald, que a sus 16 años se inició en la fotografía y a los 23 se mudó a Berlín, hizo más caso a su vocación que a las limitaciones y retrató a múltiples personas en su día a día. Son las fotografías que en breve se expondrán en la Pool Gallery de la capital alemana.
De momento, algunas pueden verse online en la web del fotógrafo, un amante de la plasmación de la realidad a través de las personas: de su mirada, gestos, espontaneidad o de la invasión de la intimidad -en ocasiones el observado no se percata de estar siendo retratado-. Muy significativa es la imagen usada por la galería como reclamo de la muestra, tres hombres sentados en un vagón de metro, embutidos en pesados abrigos, con expresión perdida, gris, que transmite la frialdad que debía respirarse inmersos en una dictadura.
En la serie de instantáneas de Alexanderplatz, el epicentro del Este, vemos la mezcla de grupos sociales, como las tribus punk y otros transgresores grupos, inmigrantes, gente mayor, familias con las escasas atracciones que debían existir... También encontramos planos más generales, que permiten hacerse una idea de cómo se movía el conjunto de la sociedad, como por ejemplo, un desfile de soldados o niños saliendo de la escuela en una ordenada y disciplinada cola.
Sin embargo, un vistazo por otros trabajos de Harald Hauswald nos permite comprobar que es un profesional comprometido. Con total naturalidad, sus fotografías cuentan historias de personas que no tienen una vida fácil, como no la tuvieron los ciudadanos de la RDA. Son impactantes sus series de Transilvania -una zona de Rumania estancada en otro siglo-, otra de un pueblo rumano que alberga leprosos, o "Aprendiendo a vivir", fotografías tomadas en un centro de discapacitados.
Harald Hauswald forma parte de la agencia de fotógrafos Ostkreuz. Sus trabajos, mayormente de tinte social, han sido publicados en revistas como Stern o Zeit Magazin. Su exposición es una oportunidad de conocer la verdadera cara de la dictadura en Alemania.
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Kings of Convenience
Source / Virgin
Tras cinco años sin tener noticias del dúo noruego, el lanzamiento del tercer disco de Kings of Convenience se ha convertido en una de las mayores expectativas de este otoño. Las filtraciones en formato vídeo de un concierto en Seúl realizado el pasado año hacían presagiar lo mejor para sus seguidores: las canciones del nuevo disco estarían a la altura de sus anteriores álbumes. Todo lo demás han sido suposiciones y rumores generados por sus incondicionales desde su foro oficial.
En estos diez años de carrera, siempre han sido fieles a su estilo musical, demarcándose de lo que se etiquetó como "The New Acoustic Movement" donde se les asociaba a grupos mucho más mediáticos. Los Kings of Convenience siguiendo leales a su independencia y sonido han creado un estilo propio y característico marcado por las guitarras acústicas y la sencillez depositada en las historias de amor.
Tras sus dos primeros discos, Erlend Øye decidió trasladarse a Berlín, donde grabó un disco en solitario y formó su propia banda "The Whitest Boy Alive" dedicada mayormente al pop electrónico bailable. Durante este lapso de tiempo, Eirik Glambek Bøe continuaba escribiendo canciones.
Los rumores de la separación de dúo fueron disipados en un comunicado que realizaban desde su pagina Web: Erlend y Eirik estaban en México preparando las canciones del nuevo álbum.
Ellos insisten en un acercamiento a la bossanova en este "Declaration of Dependence", realmente es un disco más calido y directo que sus trabajos anteriores "Quiet is the new loud" y "Riot on an empty street". Se nota el tiempo que han dedicado tanto a la composición de las canciones como a la producción del disco (a medio camino entre Italia y Bergen -su ciudad natal-).
Con dos singles pegadizos y tarareables como "Boat Behind" o "Ms. Cold" siguen regando su carrera de buenas canciones teñidas de amor, casi siempre en femenino, inspiradas por ellas como la ya legendaria e histórica "Toxic Girl" de su primer álbum.
El resto del disco se decanta por cadencias más suaves y pausadas de bella y simple factura, sin apenas arreglos más que los juegos de guitarra a los que ya nos tienen acostumbrados. Su "Riot on an Empty Street" no ha variado un ápice y su "menos es más" simpre entusiasma.
No te pierdas su recien estrenada gira europea, son únicos.
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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
13 y 14 de noviembre
Lo primero que viene a la cabeza cuando un residente en Madrid se entera de la existencia del festival Hypersounds es: "Por fin un Sónar en Madrid", aunque sea en versión mini. Y es que los días 13 y 14 de noviembre tendrán lugar unas actuaciones/jornadas gratuitas sobre música, sonido y experimentación sonora y -la comparación con el CCCB es inevitable- en un espacio público de lujo y muy céntrico, el Museo Reina Sofía (MNCAR),
El viernes destacamos la actuación de una habitual del Sónar, Mary Anne Hobbs, DJ de BBC Radio 1, y una de las pioneras en experimentar con todo tipo de estilos, desde dubstep hasta hip hop pasando por drum&bass o techno. También habrá performances mixtas, como la de Umfeld, el dúo formado por que ofrecerá una experiencia cinemática en audio surround 5.1.
De nuevo tendremos la oportunidad de escuchar los avances de Reactable. El líder del Grupo de Investigación en Tecnología Musical de la UPF de Barcelona, Sergi Jordà, explicará lo último de la mesa interactiva que combina la producción de sonidos y música con elementos físicos que manipula el usuario para crear sus propias melodías.
En la segunda jornada, Rustie, Tender Forever o Shit N'Shine encabezan las actuaciones en directo. La parte teórica la ofrecerá Medialab-Prado, un programa del Ayuntamiento de Madrid destinado a la investigación y producción de la cultura digital. Concretamente presentarán su proyecto AVLAB, sobre música experimental, electrónica y electroacústica, plataformas de creación audiovisual online, arte sonoro y procesado de audio y vídeo en tiempo real.
Asimismo, podremos conocer a algunos de los principales artistas madrileños que crean en la línea de Hypersounds, como Rec_Overflow, HD Substance o los artistas del sello Semántica, Annie Hall o Svreca. Igual que en Sónar, los asistentes podrán experimentar por su cuenta. Será en las instalaciones de Edwin Van Der Heide, Laser Sound Performance -un láser del que el espectador puede cambiar la perspectiva con su presencia y movimiento- y Spatial Sounds -un altavoz que genera sonido y puede modificarse mediante movimiento-.
El MNCAR y Advanced Music -organizadores del Sónar- son los productores de Hypersounds.
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Enero de 2004
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