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MUSAC León
Hasta el 10 de enero de 2010
Desde sus comienzos, el MUSAC representa a la perfección el modelo de museo periférico con personalidad propia y con un pie siempre a contra corriente. Valedor de artistas inclasificables como Terence Coh o Hedi Slimane, ahora nos acerca por primera vez en España la figura del artista multidisciplinar Ugo Rondinone bajo el título de La Noche de Plomo.
Artista suizo asociado a la generación de los 60 como Pipilotti Rist o Thomas Hirschhorn es conocido por su perfil incisivo y rebelde, siempre punzante y extremo, que goza de reconocido prestigio entre público, instituciones y compradores.
Para esta exposición se ha inspirado en el libro del escritor expresionista alemán Hans Henry Jahn que narra el extraño, por onírico, encuentro entre el personaje principal en mitad de una noche de invierno con su alter ego 20 años más joven y moribundo. Comparten juntos la noche y al alba el yo joven ha muerto dejando un poso de introspección y construcción de la identidad muy ligado a la catarsis nocturna.
Tal galimatías le sirve a Ugo para trazar su/nuestro viaje introspectivo a lo largo de las cinco salas de la exposición. Un dialogo interactivo entre sus obras pasadas recontextualizadas (If there were anywhere but desert y Still Life) y elementos ad hoc, escultura y pintura, simbolismos centenarios y elementos banales, paisaje e instalación...todo para recrear lugares afectivos comunes en el imaginario colectivo jugando con los recuerdos amontonados al final del propio yo.
Sus complejas instalaciones ocupan los más de 2.500 metros cuadrados de cuatro salas del museo como antes hicieron otras obras suyas en Whitechapel Gallery (Londres), Kunstahalle (Viena), Museum of Contemporary Arts (Sydney) o en la Bienal de Venecia del 2007.
Ante tan estimable currículo y tan dedicada inclinación no queda más que viajar entre olivos centenarios, contemplar piedras del lago Tai en China, entender al clown abatido, sumergirse en bucles proyectados en blanco y negro y admirar bronces sellados de reminiscencias poéticas y literarias con una sensación de trivialidad inherente a la colisión de tiempo dado y tiempo creado.
Todo en el mismo tiempo y espacio aunque quizás no reconozcas el tuyo propio al salir del MUSAC.
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Fundació Pilar i Joan Miró
Palma de Mallorca
Hasta el 27 septiembre
Todos conocemos de sobra las últimas obras de Miquel Barceló, desde la cúpula de la ONU hasta el retablo cerámico del altar del Santísimo de la catedral de Palma de Mallorca; su reconocimiento con la recepción del premio Príncipe de Asturias y su designación como mayor artista español contemporáneo; la trilogía inspirada en la Divina Comedia de Dante, sus paisajes africanos y sus pinturas blancas. Pero precediendo todos estos pasos, existe un Barceló semidesconocido, el de los orígenes, el artista que participa en la efervescencia cultural de las islas, el de la llamada "nueva plástica". De este artista se han seleccionando unas 100 piezas (de entre 2000) creadas entre los años 1973 y 1982.
Esta etapa es una de las más olvidadas, pero es tremendamente prolífica. Destaca que muchas de las obras participantes nunca han sido expuestas anteriormente o forman parte de la colección privada del artista.
Según María Hevia, comisaria de la muestra, se pretende profundizar en el artista "antes de convertirse en un valor del mercado del arte y mediático. Se trata de una exposición iniciática o primigenia que es el embrión de toda su obra posterior, ya que abarca todos los temas que Barceló desarrollará a lo largo de su trayectoria".
Los primeros lienzos realizados con grandes cantidades de pintura, las reacciones de los materiales y pinturas a la reacción de la intemperie, materiales orgánicos, la descomposición de elementos sobre el lienzo experimentando con la transformación de las texturas, color y olores.
Los temas recurrentes característicos de su pintura, como el entorno animal, la fauna marina, los perros y caballos famélicos... derivando en una pintura muy expresiva y de carácter violento marcada por los años de rock y drogas a comienzos de la década de los 80. Los autorretratos de gran formato cierran la exposición, donde podemos percibir la aproximación al Barceló actual consolidando su estilo personal.
Al finalizar la exposición, viajará en octubre al Musée les Abattoirs de Toulouse y de allí volverá a Barcelona a principios de verano de 2010.
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New Museum, Nueva York
Del 15 de julio al 11 de octubre
Rigo 23 ha sabido conjugar, a lo largo de sus 20 años de carrera artística, la pintura, escultura y otras manifestaciones artísticas con la comunicación de mensajes sociales, de protesta o reivindicación cultural. Ahora este artista residente en San Francisco rescata, en una exposición en el New Museum de Nueva York, el drama de los presos políticos en EEUU.
Sin embargo, a Rigo 23 le vino la inspiración por las palabras de King, uno de los miembros de Angola 3, una sección de los Panteras Negras en la prisión estatal de Louisiana, también conocida como Angola: "Cuanto más profundo me entierran, más alto suena mi voz".
Robert Hillary King, Albert Woodfox y Herman Wallace ingresaron en esta cárcel estadounidense en los años 60, década en la que entraron en contacto con los Panteras Negras. En 1971 entraron a pertenecer al partido e intentaron mejorar la vida de los presos desde sus celdas aisladas de escasos metros: desde mejorar la alimentación hasta evitar la violación de los más jóvenes, con el objetivo de conseguir la igualdad de derechos.
King estuvo en la prisión de Angola 32 años y conoció a Rigo 23 en 2001, después de salir en libertad. De esta amistad surgió el mural del Centro Cívico de San Francisco Truth (en la foto). Wallace y Woodfox continúan en prisión, pero el tercer miembro de Angola 3 continúa su lucha por universidades, escuelas, museos, donde da a conocer las duras condiciones a las que se encuentran sometidos los presos políticos.
Así, Rigo 23 ha recreado en el New Museum, a través de imágenes y de pasillos estrechos, la sensación de confinamiento en un espacio mínimo, la que viven dos millones de presos estadounidenses. Es el nuevo proyecto de compromiso de este artista portugués que se caracteriza no sólo por interactuar con las comunidades y personas en las que inspira su obra, sino por hacerles formar parte de ella.
Rigo 23 (Madeira, 1966) se dio a conocer en San Francisco, donde vive desde 1990, por sus ocho murales Ground/Sky, ubicados en paredes adyacentes al Museo de Arte Moderno que desgraciadamente desparecieron en 2003. En ellos el artista insertó explícitos mensajes usando diversa señalética. Una curiosidad, este creador siempre acompañaba su nombre con las cifras del año en curso, hasta que se quedó con el 23 (de 2003).
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Espacio Landowski, Boulogne-Billancourt, París
Del 29 de septiembre al 31 de enero
No hay nada más tonto que el fenómeno fan. La histeria, los gritos, la veneración sin límites, la tontería en mayúsculas y la dejación y supresión del 'yo' a favor del icono deseado. Al leer estas líneas los más púberes podrían pensar en Kylie, en Madonna, en Bisbal... y los más maduritos en Jacko (RIP), en las oleadas de desmayos cuando los Beatles pisaron la España franquista o cuando Elvis las dejaba tontas con su movimiento de caderas.
Sin embargo, la Bardot es harina de otro costal. Fue un icono sexual que trascendió su época de esplendor-los tibios 50 de posguerra y los más movidos 60- para convertirse en referente de la moda, del cine, de la publicidad -probablemente la primera modelo marca- de la música con pedigrí y del cine con sabor a clásico. Haciendo gala de una personalidad arrebatadora se convirtió en modelo de la liberación de la mujer y en una luchadora incansable de todo aquello que considerase injusto, como su actual vinculación a la lucha contra el maltrato a los animales.
El espacio Landowski situado en la afueras de París dedica más de 9000 metros cuadrados a retratar a Brigitte Bardot. La exposición se inaugurará un día después del 75 cumpleaños de la artista y recoge material de coleccionistas, instituciones y artistas relacionados con Bardot durante toda su carrera.
Dividida en tres partes recorre cronológicamente toda su trayectoria utilizando su voz como vehículo emocional en la visita. Ordenado también temáticamente en torno a salas tituladas como sus películas o sus canciones. El componente visual adquiere especial protagonismo al contemplar a la artista como fuente de inspiración y musa de directores de cine como su primer marido, Roger Vadim.
La sensualidad latente que emana de "Y Dios creó a la mujer" sería un buen epítome para entender la capacidad evocadora de Bardot en unos años fríos marcados por una moral conservadora, austera y gris. Su potencial de escape de lo cotidiano no pasó desapercibido para el público, como tampoco para sus más cercanos. Al hilo se reserva un espacio para entender su condición de "sex-symbol" libre que hacía el amor cuando quería, sin sentir la menor vergüenza donde caben amores, amantes y conquistas.
Seguramente todos hayamos querido ser algo más devotos de Brigitte Bardot en alguna ocasión. Esta es nuestra oportunidad de viajar a la ciudad del amor para demostrárselo. Siempre nos quedará París.
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Dina Goldstein
¿Alguna vez os habéis preguntado qué ocurrió con la princesa después de que la salvara su príncipe? La fotógrafa canadiense Dina Goldstein sí, y lo ha recreado con uno de los medios con los que mejor sabe expresarse. A través de la comunidad de fotógrafos JPG (http://www.jpgmag.com) nos hemos topado con esta artista, que nos sorprende con imágenes de princesas adultas en escenarios y situaciones reales.
Como ella misma explica en su página web, sintió el impulso de traer al siglo XXI a todas esas indefensas mujeres de cuento después de observar el comportamiento de niñas de tres años, que querían vestir como princesas. Dina reflexiona, además, sobre el hecho de que las películas Disney tienen un comienzo triste, que va mejorando a medida que avanza la historia. La desgraciada protagonista, después de encontrarse con un villano malísimo, es salvada por un príncipe.
Y el precioso cuento de hadas acaba ahí, pero no para esta lúcida fotógrafa. En su obra encontramos a una Blancanieves rodeada de prole con un príncipe repantigado en un sofá del salón. Cenicienta es una solitaria dama que bebe rodeada de vaqueros en una cantina de carretera. Rapunzel sostiene, en una mano, un gotero de suero y en la otra su larguísima trenza dorada después de someterse a quimioterapia.
Entre las imágenes más espeluznantes encontramos a Bella -de la Bella y la Bestia-, en un quirófano estirándose las arrugas e inyectándose botox, o a una aguerrida Jasmine ataviada de uniforme militar violeta, sosteniendo un arma en lo que podría ser la guerra de Irak. Dina también reflexiona sobre la vejez, la obesidad y la comida basura, la infelicidad... y consigue atraer de lleno la atención del público.
La fotógrafa pone de manifiesto, de esta original y trabajada manera, las princesas caídas que han existido y, que por supuesto, hoy más que nunca, existen. Lo hace, además, con una mirada dotada de gran sensibilidad y creatividad. Un vistazo por sus proyectos corrobora la primera sensación que causa Fallen Princesses: que esta artista tiene el don de captar el alma humana en sus imágenes.
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Riot Cinema Collective
En producción
A primera vista, una película puede ser recomendable debido a su acogida por la critica, calidad, guión... lo curioso es encontrar una película "abierta" que sea un éxito antes de proyectarse, antes de realizarse, incluso de la que tú mismo -con una aportación casi insignificante- puedes convertirte desde colaborador a productor.
"El Cosmonauta" es un proyecto de largometraje de Riot Cinema Collective que utiliza Internet para su financiación y distribución de manera colaborativa a través de licencias Creative Commons. Como tal es un proyecto único y en su website explican detalladamente las características de este largometraje, desde su sistema de financiación "Crowdfunding", a cómo será su estreno y distribución.
Asimismo, dan detalles del acceso a todo el material con una transparencia informativa absoluta, desde los trabajos de la banda sonora, las localizaciones, hasta el arte y vestuario. Los expertos en comunicación ya presentan este sistema como ejemplo de negocio del futuro.
Gracias a la participación abierta de este proyecto, se ha obtenido un gran apoyo de numerosas personas y entidades, como los cosmonautas Sergey Volkov y Boris Volynov, Richard Stallman de la FSF, el Premio Nacional de Fotografía Joan Fontcuberta y J.L. Ruiz de Gopegui, ex director de la NASA en España y entre otras, la Fundación Sputnik y la Ciudad de las Estrellas de Moscú.
La transparencia de este proyecto, liderado por Nicolás Alcalá, Carola Rodríguez y Bruno Teixidor, está presente en el blog de la película (http://www.elcosmonauta.es/blog/) donde podemos informarnos de la actualidad del proyecto.
La historia se basa en la adaptación del poemario de Yago Ferreiro "Poética para cosmonautas": Recreada en la Unión Soviética en la década de los 70, el primer cosmonauta ruso en la Luna no consigue regresar, y se le dapor perdido en el espacio. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, clama haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado vacía, sin un alma. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos.
El impacto de la película será sobresaliente... fuera de las pantallas, será la culminación de la Internet 3.0.
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Free Blood
DFA Records
Hace tiempo que Brooklyn dejó de ser el epicentro del rock cool y Williamsburg enmudeció al silencio de los Strokes. La capacidad de sorpresa y la singularidad se desplazó al norte y llegó a Canadá en favor de un rock más bizarro y libre, psicodélico y gamberro, o tan serio como Arcade Fire, pero alejado de la patina cool que otorga la Gran Manzana.
Mientras tanto, el ubicuo James Murphy, capo de DFA y de la resistencia NYC, a dado salida a grupos inclasificables que conectan el funk progresivo y la dance music con naturalidad pasmosa para deleite del público más desprejuiciado y hedonista.
Tras la senda de experimentos como Delia & Gavin, Prinzhorn Dance School, Woolfy, el neo disco de Hercules & Love Affair, la sorpresa aún sin Lp Holy Ghost o la bomba de LCD Soundsytem se posicionan la pareja formada por Madeline Davy y el ex !!! John Pugh.
Free Blood a pesar de compartir energía y singles potenciales con duetos recientes como The White Stripes o The Ting Tings juegan en otra liga. Madeline lleva haciendo música desde el 2002, actividad que compagina con su propia marca de moda Octopi. Por su parte, John formó parte de los seminales !!! donde aprendió la raíz del ritmo al dedillo.
Su myspace recoge influencias dispares y antagónicas -The Congos, Teenage Jesus & The Jerks, Ethiopiques, Flying Lizards, Cameo...- que comparten una filia por estructuras libres y repetitivas, los juegos con los efectos, por retorcer al ritmo con bajos funky muy groovies y por jugar con las voces en plan soul Cherokee.
Michel Gondry ya se fijó en ellos para las Basement Sessions y la verdad es que tienen mucho feeling como pareja musical y un juego de voces y gritos más que dinámico. Si metes en un soundsystem a !!!, Out Hud, Tv On the Radio, Gang Gang Dance y a los Contortions, te sale una foto muy movida y unos cuantos remixes de primer orden.
"Never hear surf music again" es !!! + Telepathe + Pony Tail. "Quick and Painful" es "Cheap and Cheerful" tocada por el gamberrismo de Beck circa "Midnight Vultures". "Grumpy" no tiene nada que envidiar a MIA. "Royal Family" es la mejor canción y el single natural, crescendo emocional con estribillo gritón y contagioso marcado por palmas y piano -videoclip con ración extra de química-.
De aquí al final más gemas y remixes para una pista de baile disco y negra que no dejan de recalcar que es un grupo a seguir de cerca. Infeccioso como pocos y contagioso como un virus. ¡A bailar!
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