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Elmgreen & Dragset / Marina Núñez / Kirstine Roepstorff
MUSAC, León
Hasta el 21 de junio
La dirección del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León cambia de manos pero no de contenido. La suave despedida de su primer y hasta ahora único director, Rafael Doctor Roncero, no deja al centro de arte huérfano de cabeza pensante. Rafael reconocía hace poco en una entrevista que seguirá ligado al centro pero sin ser director. Levantar y consolidar la criatura en el panorama de los museos periféricos ha sido tarea ardua y ahora precisa descanso.
La vigencia de su propuesta nace de la premisa de no responder a la pregunta qué es arte y qué no. Así, propuestas experimentales que conjugan performance, arquitectura, visuales y altas dosis de provocación han sido siempre bienvenidas en la casa.
La nueva colección ahonda en esta cuidada línea y juega con el concepto del límite aplicado a la esfera de lo personal y privado y la sordidez sin tapujos de la exposición a lo público.
"Trying to Remember What We Once Wanted to Forget" (Intentando recordar aquello que una vez quisimos olvidar), de la pareja nórdica Elmgreen & Dragset, es un gran proyecto que con 12 impactantes instalaciones de gran formato -seis de ellas concebidas y producidas especialmente para la muestra- que aborda la problemática del desequilibrio entre lo personal y lo colectivo y la consecuente y asfixiante fragilidad de esa borrosa frontera. Más de 2.500 metros cuadrados del espacio expositivo del museo como lugar de experiencias, por su magnitud, una de las más importantes muestras en la trayectoria de esta pareja artística.
La obra monográfica de la artista palentina Marina Núñez, "FIN", producida específicamente para el MUSAC, está compuesta por más de 20 vídeos y una gran instalación pictórica. En ella reflexiona sobre la pos-humanización, consecuencia de un proceso de superación y reflexión sobre la muerte de lo humano y la idea del cuerpo que se trasforma y derrumba, sobre los límites de lo tangible.
La artista danesa Kirstine Roepstorff, por primera vez en España, reúne bajo el título "The Inner Sound that Kills the Outer" (El sonido interior que ahoga el exterior) obras de diferentes formatos -collages, pinturas, esculturas y obras de técnica mixta, haciendo especial hincapié en la técnica del collage en un contexto teatral-performativo-, que ofrecen un ajustado retrato de la trayectoria de la artista.
Escuchando el concierto de Tim Exile en Fabchannel.com
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Julia Clay
Galería Niu, Barcelona
Hasta el 28 de febrero
Dos grandes y conocidas ciudades a nivel mundial, tan occidentales, tan avanzadas y tan llenas de contrastes. Nueva York y Barcelona. El viejo mundo y el nuevo mundo. La artista multidisciplinar Julia Clay ha hecho patentes similitudes y diferencias en la exposición 'B C N Y C'.
Hace más de cuatro años, Clay se instaló en Barcelona. Antes se había graduado en la Escuela de Arte Falmouth, de Inglaterra. Después fue ilustradora freelance al tiempo que se dedicó a otras grandes pasiones, la historia natural, la fotografía y los viajes por todos los continentes. Asimismo, también se introdujo en el mundo del diseño digital, y trabajó con vídeo, impresión, web, 3D, animación...
Ahora, esta artista divide su tiempo entre el Reino Unido y Barcelona, lugares en los que puede desarrollar su creatividad. En la capital catalana se ha dedicado a observar la transformación del barrio de Poblenou. Ha recopilado 8.000 fotos sobre su paso de núcleo industrial a espacio de acogida de artistas.
Por su afán de viajar, Julia pasó varias semanas en 2007 en Nueva York, donde, de alguna manera, debió observar similitudes entre ambas ciudades. Se dedicó a fotografiar las zonas más modernas de Manhattan, así como los barrios industriales más abandonados y multiculturales.
Sus trabajadísimos fotomontajes muestran, indiscutiblemente, esa evolución a través de los edificios -o involución, según se mire-, con un aspecto casi de pintura. Julia ha diferenciado los temas: 'Poblenou: Pasado, Presente y Futuro' y 'NYC: la Babilonia de la era moderna (una ciudad de extremos)'.
La obra permanecerá hasta el 28 de octubre en la galería Niu de Barcelona, un espacio que también reúne propuestas de experimentación audiovisual los fines de semana. Si te quedas con ganas de ver más trabajos de Julia, puedes visitar su flickr (http://www.flickr.com/photos/juliaclay), donde también encontrarás impresionantes fotografías no sólo de espacios, sino de personas que se han cruzado ante el objetivo de su cámara.
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Los Ángeles County Museum of Art
Hasta el 19 de abril
La II Guerra Mundial, la Alemania nazi, la Guerra Fría... de una forma u otra, están presentes permanentemente en las diferentes manifestaciones culturales, como si el presente no diera tregua a la historia. Si no es una película de cine -Valkiria ha llegado a la cartelera europea con gran ruido-, es a través de una novela o de una exposición, como la que nos ocupa.
Además, precisamente este año se cumplirán 20 años de la caída del muro de Berlín. Las dos décadas que han pasado no han conseguido borrar las diferencias que aún hoy se palpan entre lo que fueron dos bloques opuestos, el Berlín-Alemania occidental y el Berlín-Alemania oriental y socialista.
La exposición del LACMA pretende rescatar la forma de vivir esa tensión política, el aislamiento y los años de la reconstrucción que tuvieron los artistas alemanes del momento. Creadores como el berlinés Werner Heldt, que regresó de un exilio temporal en Mallorca para encontrarse una ciudad devastada y que reflejó en sus obras centradas en la destrucción.
En el lado contrapuesto hallamos las obras del realismo socialista de los años 50: obreros que trabajan para levantar la nueva Alemania, las máquinas levantando edificios o ciudadanos reunidos tranquilamente y 'en libertad'. Un arte impuesto por el régimen y con unas claras directrices.
Con el avance de la década de los 60 la experimentación va calando en el arte del momento. En escultura está reflejada de la mano de Dieter Roth; los integrantes del grupo artístico ZERO, Günther Uecker y Heinz Mack, que trabajaban la luz y con los fenómenos ópticos o Nam June Paik, que en los 60 se integró en la corriente Neo Dada, centrándose en el uso de televisores y jugando con la distorsión de la imagen.
Pero también en pintura. Gerhard Richter y Sigmar Polke, entre otros, juegan con texturas, formas, colores y con el cuerpo humano para plasmar un deseo de acercamiento entre las dos Alemanias. En los 70 y 80, en cambio, vemos una Alemania que quiere rebelarse.
Si en la República Democrática Alemana el arte para provocar un efecto en la sociedad estaba vetado, en Dresden surgió un grupo, los 'Autoperforacionistas', que, como Via Lewandowsky, intentaron romper con la pintura socialista tradicional. Así, vemos reflejado un país amorfo, bicéfalo, que no encuentra su verdadero yo el uno sin el otro.
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Danny Boyle
Casualidades de la vida, Danny Boyle no ha perdido el pulso narrativo. Y algo mucho mejor, ha aprendido de errores pasados y sabe sacar partido a una buena novela de Vikas Swarup.
Auspiciado por Celador Films, la productora de ¿Quién quiere ser millonario?, y gracias a una cláusula escondida, Danny se sirve del conocido concurso para contar una fábula moderna, un cuento de hadas a velocidad de vértigo rodado en las infestas cloacas de Bombay y en concurridísimas calles de la superpoblada urbe.
Famoso para toda una generación por la radical y ya legendaria "Trainspotting" y denostado por horrores como "La Playa", ambas confluyen en "Slumdog Millionaire". De la primera aprendió a rodar con ritmo, y de la segunda que no hay que llevarse a un equipo de cien personas a un lugar exótico para rodar. Es mejor llevarse pocos -diez en este caso- y contar con la gente del lugar para ganar verosimilitud delante y detrás de la cámara. Sólo Malik, el héroe-protagonista de la historia, es un intérprete nobel mientras le secundan auténticas estrellas del universo Bollywood.
Y la historia empieza así: dos niños pierden a su madre asesinada brutalmente por una horda de musulmanes en mitad de los suburbios. Huérfanos y desamparados buscan su camino, por encima o a pesar de todos, movidos por dos fuerzas tan primarias como el dinero o el amor. Su antagonismo es tal que la acción se polariza de manera radical. La narración fragmentada y un gran trabajo de puesta en escena hacen que te metas tan dentro de la historia que ansías que le hagan una pregunta más hasta llegar a los diez millones de rupias finales.
Si bien es cierto que tal ensimismamiento no está exento de altas dosis de ingenuidad con ciertos detalles del film poco realistas y creíbles que te comes sin pestañear. ¿Por que será?
Por otro lado quedan las consideraciones culturales. La miseria de la city, lo descarnado de la vida en Bombay, los bajos fondos y el retrato pseudo-occidental que en la India no ha sentado nada bien. Me imagino que Ciudad de Dios tampoco sentaría muy bien a las autoridades de Río de Janeiro, pero qué gran película. Sin duda, tan buena como esta.
Escrito escuchando un concierto de The Presets en Paradiso
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Seeland
Ghost Box
Una de las características de la música pop desde su creación es la constante mutación de los infinitos estilos musicales, la permeabilidad entre ellos, la capacidad de convertirse en vertientes musicales -tan temporales como las propias modas-, y dar paso a movimientos estéticos o incluso a tantas escenas socioculturales como seamos capaces de imaginar.
La mezcla es constante, la ciudad inglesa de Birmingham, por alguna paradoja de la vida, desde principios de esta década cuenta con la mayor escena musical dedicada a la música electrónica retrofuturista. Es decir, la combinación inspirada en la 'Space Age Pop', las emisiones setenteras de la BBC, las librerías de efectos sonoros de los años 60, el pop psicodélico de bandas como The Birds o The Beach Boys, el krautrock y la electrónica minimal. ¿Está todo inventado? De ninguna manera.
Seeland es un proyecto de estudio convertido en banda. En 2004, Tim Felton (Broadcast) y Mike Bainbridge (Plone) dejaron de lado sus respectivas bandas para buscar una visión menos electrónica y mucho más melódica sobre unas nuevas estructuras 'espaciales' en las que estaban trabajando. Experimentando con los sonidos de antiguos sintetizadores analógicos fueron en búsqueda de sus propias definiciones personales sobre texturas hipnóticas.
Tras tres singles de edición irrisoria, aparece 'Tomorrow Today', donde la rítmica abstracta y tensa pasa ser un acompañamiento en segundo plano de las sencillas melodías y cristalinos arreglos que inundan las canciones.
De algún modo, querrán tomárselo como un proyecto 'menor': no han fichado por la compañía que anteriormente editaba sus discos y, en cambio, han elegido una opción más discreta, grabando en Ghost Box, un pequeño sello local dirigido por Julian House, el director de arte de sus anteriores proyectos.
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MACBA, Barcelona
Hasta el 30 de Mayo
Dentro de la programación de actividades primaverales ofrecidas por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona destaca el ciclo de conciertos y conferencias que se realizan en torno a la figura del Tropicalismo.
El Tropicalismo fue un movimiento musical renovador de Brasil que se desarrolló a finales de los 60, aunque más tarde pasó a ser un movimiento cultural, la semilla que germinaría la más tarde conocida como MPB -Música Popular Brasileira Moderna-. El Tropicalismo nace como necesidad de cerrar el ciclo creado por la bosanova, las influencias del rock, la recuperación de las raíces tradicionales -léanse: las escuelas de samba-, el anarquismo encubierto, el experimentalismo y la improvisación.
Caetano Veloso consta como uno de los principales canalizadores de este movimiento, partiendo de una instalación del artista de vanguardia Helio Oiticica, que incita a los brasileños a renovar su espíritu y, por consecuencia, en todos los campos artísticos.
El vehículo encauzador de esta renovación es, obviamente, la música, mucho más accesible y ágil que el cine, el teatro o las artes plásticas. Veloso, Gil, Costa, Zé, Duprat y Os mutantes figuran como los responsables del movimiento. Sus bases quedaron plasmadas en el disco 'Tropicalia ou Panis et Circensis'.
Uno de los rasgos distintivos del Tropicalismo es el intento de recuperación de la reinvención popular, la apertura a nuevas tendencias y su incorporación a la nuevas creaciones, promoviendo una actitud vital, antiprovinciana y exenta de cualquier tipo de prohibición, totalmente contrapuesto al régimen dictatorial de la junta militar golpista reinante en Brasil en ese momento.
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Simon Hoegsberg
A través de la composición fotográfica, el danés Simon Hoegsberg presenta su último proyecto, la realización de una megafotografía de 100 metros de ancho por 78 centímetros de alto en la que captura hasta a 178 personas a su paso sobre el puente del tren en Warchauer Strasse, en la zona este de Berlín.
Simon, durante el verano de 2007, pasó 20 días dedicándose a retratar con un teleobjetivo a los transeúntes desde unos 100 metros de distancia. En la mayoría de los casos, a pesar de estar en plena calle, consiguió invadir la intimidad de los retratados totalmente inconscientes de estar posando para una fotografía.
El autor propone una reflexión sobre el individualismo de cada uno, sobre la necesidad de comunicarse, sobre la interacción que perciben entre ellos y ellos con el entorno. Llega, en algunos casos, a acentuarse drásticamente el concepto de soledad. Del mismo modo, como el nombre del proyecto remarca, a pesar de las diferentes edades, culturas o condiciones sociales, la muerte representará el mismo final común para todos ellos.
En muchas de las personas retratadas podemos observar sus estados de ánimo. Sus caras revelan historias, pensamientos y reacciones, que la mayoría de veces no somos conscientes de manifestar u obtener al caminar por la calle a diario.
Igualmente, presenta la contraposición entre el concepto de 'moda' -aparentar- frente a la belleza interna de los individuos comunes, sin máscaras, que muestran la realidad y una espontánea sinceridad. La representación del cielo azul que sirve para unir a todos ellos sobre un fondo común, muestra que, a pesar de las diferencias, todos pertenecen a un mismo entorno.
Simon posee varios proyectos realizados en los últimos años -igual de interesantes- en su pagina web. La adaptación del formato de esta megafotografía a Internet realza el concepto que pretende transmitir con la composición. La forma que utiliza el autor para presentar su proyecto es tan original como agradable.
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Enero de 2004
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