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Annie Leibovitz
National Portrait Gallery, Londres
Hasta el 1 de febrero de 2009
El nombre de Annie Leibovitz siempre nos evoca, automáticamente, a pensar en retratos de famosos. Supongo que en Hollywood eres alguien o permanecerás en la retina del mundo para la posteridad si has pasado por el objetivo de esta fotógrafa estadounidense, pero lo cierto es que su obra tiene muchos elementos, además del morbo de ver a los famosos en situaciones insospechadas, que le han hecho ganar el prestigio que hoy en día posee.
La National Portrait Gallery de Londres reúne 150 fotografías de quince años de su vida, desde los retratos más difundidos hasta fotografías nunca vistas pertenecientes a la vida privada de Leibovitz. Y es que para ella todo es lo mismo, y qué artista no pone el mismo cariño para su trabajo profesional a su parcela privada.
En la muestra encontramos fotografías tan íntimas como las que le realizó a su amante, la escritora Susan Sontag, en momentos felices -paseando por Petra o trabajando- como en lo más difícil, cuando fue diagnosticada de cáncer y soportó la enfermedad hasta su muerte.
También se incluyen otras obras de su familia y amigos, como unas vacaciones con sus padres y hermanos en la playa -Leibovitz es la tercera hija de un matrimonio judío-, o fotos de sus hijas, Sarah, a quien tuvo con 51 años y los gemelos Samuelle y Susan, de una madre de alquiler.
Esa cercanía y calidez también se percibe en sus trabajos profesionales. Annie quizás sea la artista que ha conseguido "desnudar" en el sentido literal y metafórico de la frase a más celebridades, y no sin polémica.
Son muchísimas las anécdotas que rodean los trabajos que ha realizado durante años para Vanity Fair y otras publicaciones, como el desnudo de una Demi Moore embarazada, el regio retrato de Isabel II o la nueva familia de Tom Cruise. En la exposición tampoco faltan los retratos de Nicole Kidman o Brad Pitt.
Se ofrece, además, una muestra de trabajos más sociales, como el reportaje que realizó del asedio de Sarajevo en 1990 o los atletas que se preparaban para las Olimpiadas de Atlanta en el 96. También se incluye una curiosa foto del gabinete de George Bush pocos días después del 11 de septiembre. Quizás la mirada de Condoleeza Rice sea la única que transmita algo del duelo del momento. Desde luego, en conjunto, son un ejemplo del alma que portan las fotografías.
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Matteo Garrone
Empezar con esta afirmación una crítica es bastante complejo: 'Gomorra debe convertirse en una de las películas más importantes de los últimos 20 años'. Por diferentes motivos: su temática, su crudeza, el impacto social -que desde Nápoles, se ha extendido rápidamente a toda Europa-, por ser cine más allá del cine, por contar con actores totalmente desconocidos, por no aparecer ningún papel femenino, por las referencias a otras películas -debido a la influencia del cine de este genero dentro del 'Sistema'-...
Pero Gomorra va mucho mas allá de ser una película de culto. La adaptación del libro del escritor napolitano Roberto Saviano ha supuesto un tremendo seísmo social, al igual que lo fuera anteriormente el cineasta Theo Van Gogh en Holanda, o -salvando las distancias- Mathieu Kassovitz en Francia con su película 'Haine' catorce años atrás.
La película y el libro -ambos son complementarios- narran con todo detalle cinco relatos entrelazados que presentan la vida en Secondigliano -un barrio periférico napolitano- desde donde se refleja la imposibilidad de la sociedad italiana de huir del influjo de la Camorra y que actúa bajo los códigos impuestos. Nápoles vive bajo un estado de guerra permanente entre los más de 40 clanes que operan en la ciudad. La película concluye remarcando que el volumen de negocio de las actividades de esta sociedad ya se ha convertido en un importante motor de la economía europea.
Analizando la película únicamente como tal, destacamos la mirada neorrealista presente durante toda la cinta, la manera de dar continuidad entre las historias, las interpretaciones de los actores protagonistas -muchos pertenecientes a una pequeña compañía teatral del mismo barrio, a los que literalmente 'les costaba distinguir su vida real de lo que Garrone les pedía que interpretaran'-, la participación de miembros de los clanes reales, interpretando papeles secundarios y otros aconsejando al director en como desarrollar algunos diálogos y escenas.
Gomorra es una película que no juzga, la idea del director es exponer la realidad de la sociedad de esta Europa que existe, pero que no se ve, partiendo desde el epicentro que es el barrio de Secondigliano, lugar donde la policía no entra. Según dijo una vez un comisario, 'en cuanto se calme un poco la cosa en Irak, Secondigliano volverá a ser el lugar más peligroso del planeta'.
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William Fitzsimmons
Dark Sparrow Records / TuneCore
No debe ser demasiado difícil realizar una lista de cantantes folk que apoyen sus melodías sobre sencillas bases electrónicas. Sencillamente, el compañero ideal para tocar en bares de carretera es una caja de ritmos: no come, no duerme, no se queja.
William Fitzsimmons es un tipo especial. Podríamos incluirlo dentro de la misma lista en la que están compañeros de carretera como Sufjan Stevens, Iron and Wine, Dm Stith o o incluso Castanets, pero la mayor particularidad de William es que él no crea mundos o historias imaginarias para sus canciones, no necesita más que expresarse y convertir sus sensaciones y sentimientos en bellas canciones.
Y realmente William tiene muchas historias que contar. Benjamín de una familia de padres ciegos, siempre utilizó la música como el elemento de comunicación principal - 'de pequeño llegar a casa significada coger un instrumento y ponerse a cantar'-. La formación orquestal recibida por su padre, músico clásico, contrastaba con las nanas 'folkies' que le cantaba su madre, melodías de James Taylor, Bob Dylan o Simon & Garfunkel.
Tras la universidad, Fitzsimmons obtuvo el título de terapeuta especializado en el cuidado de enfermos mentales y empezó a aplicar sus conocimientos musicales como terapia para mejorar su salud. Tras comprar un pequeño equipo de grabación registró sus dos primeros discos.
Su necesidad de abordar su separación y el proceso de empezar una nueva vida le han llevado a grabar en su tercer trabajo historias como 'El Gorrión y el Cuervo'. Esta vez ha apagado la caja de ritmos y ha utilizado un amplio abanico de instrumentos reales.
William define claramente las intenciones de su nuevo disco: 'Lo que yo quería hacer era ser lo más honesto posible con estas canciones, y quizás el sentimiento más honesto que he encontrado hasta ahora es que la vida está llena de ambivalencia, conflictos de emociones, dolor en medio de un día feliz, y la alegría después de la tragedia. Nunca pareces experimentar realmente la vida en un sólo polo, siempre es un camino de ida y vuelta'.
Varias de las canciones de su último disco están acompañadas por voces femeninas, son historias que necesariamente deben ser contadas a dos voces, son los diálogos del gorrión y el cuervo.
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Olvido García Valdés
Galaxia Gutenberg
Me encuentro recorriendo las novedades que se exponen en el escaparate de una conocida librería palmesana. Ojeo títulos, algunos bastante rebuscados, ediciones vistosas, ninguno me llama del todo. Más de lo mismo, algún ensayo ocurrente... hasta que de repente, uno de esos libros me retiene, su título: 'Esa polilla que delante de mí revolotea'.
Bajo dicho título, un nombre. Lo reconozco antes de terminarlo de leer: Olvido García Valdés. Me repito el nombre, me sonrío a mi mismo con un gesto leve, casi milimétrico -uno de esos gestos que se usan para que la persona de al lado se entere del gusto exquisito que uno pasea por el mundo; al lado no hay nadie-, y es que mi deseo acaba de tomar forma, concretamente la de uno de esos volúmenes tan cuidados que edita Galaxia Gutenberg.
Confieso que no es el primero que puebla las estanterías de casa -quién se resiste a las ediciones de Georg Trakl, Francis Ponge, o Carlos Edmundo de Ory, por citar algunos-. Ahí está, al fin, y es que era necesario. Resulta imposible dar con algunas ediciones de su obra.
No creo que a muchos les suene el nombre de esta asturiana, no es pedantería, ni mucho menos. ¿Olvido qué? Respuesta bastante común en la mayoría de librerías, y si la respuesta extraña, más rara resulta, cuando sabes que la calidad de sus escritos es apabullante, o que ha realizado traducciones de Passolini, y de Tsvietáieva. Se trata de la escritora que recibió el Premio Nacional de poesía 2007 por el sobresaliente 'Y todos estábamos vivos'.
Pero qué puedo esperar, siempre pidiendo peras al olmo, como bien dijo aquel empresario del gremio de libreros: 'Tú aquí ves un libro, yo veo 20€'. ¿Y cuádo ha dado dinero la edición de un poemario?
No es nada fácil hacer una descripción, o realizar una aproximación a la obra de Olvido García Valdés, es más, no me voy a aventurar. El peligro no es la caída del que ofrece una reseña, no, el peligro es no transmitir adecuadamente. A veces uno se envalentona y a golpe de pretensión acaba por ridiculizar aquello que se le antoja como la quintaesencia de tal o cual cosa.
Tan solo advertiré a quien abra el volumen que tendrá el placer de adentrarse en una poesía que como ha prologado muy acertadamente Eduardo Milán: 'Lo que toca lo deja intacto'. Y como más tarde añade: 'Se está en presencia de una poeta mayor que construye una forma de la elegía a lo menor'.
Sirvan como ejemplo los versos siguientes: Cuando voy a trabajar es de noche,/después amanece poco a poco,/hace mucho frío aún./A menudo en el cine/me parece oír lluvia azotando el tejado,/como si no hubiese lugar/donde guarecerse./Hoy alguien en un sueño dijo:/ten, en esta garrafa/hay agua limpia, por si toma moho/la del corazón.
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Museo Metropolitano de Nueva York
Hasta el 7 de diciembre
El mes pasado hablamos en el 13 del nacimiento del Futurismo en París. Parece que a ambos lados del Atlántico se está intentando recuperar el reflejo de la sociedad de las primeras décadas del siglo XX plasmado en la obra de artistas abstractos, porque el Museo Metropolitano de Nueva York, el MET, nos presenta la obra de trece artistas británicos que estuvieron influenciados por el Futurismo y el Cubismo. De ahí surgió el Vorticismo, el primer movimiento de arte abstracto británico y que no llegó a durar ni tres años.
Los artistas inmersos en la nueva manera de crear reflejaron los nuevos tiempos en su obra, peculiaridades como la velocidad, las máquinas de las fábricas, el metro, las artes. Sin embargo, muchos de ellos también tuvieron que combatir en el frente durante la I Guerra Mundial, y por ello vemos pinturas de soldados dibujados con trazo rectilíneo marchando hacia el frente o casas bombardeadas, del artista Christopher Nevinson, que también expresó el horror del combate y la destrucción con técnicas realistas.
La exposición del MET reúne las primeras muestras del trabajo gráfico de estos artistas basado en el vitalismo y el dinamismo de la vida moderna. Desde los grabados de inspiración industrial de Edward Wadsworth hasta las linoleografías sobre las modernas estaciones de metro londinenses de Cyril Power.
Precisamente, no parece que haya pasado el tiempo para los trabajos de Power. Son una especie de instantánea de los tiempos actuales. La obra "Whence & Whither? (The Cascade)", muestra un río de gente anónima sin cara descendiendo las escaleras mecánicas del metro. Las líneas curvas en diagonal imprimen sensación de velocidad en esta imagen del automatismo que, hoy en mayor grado, posee la sociedad. En la bellísima "The Tube Train", contrasta la cálida atmósfera de los rojos, amarillos y naranjas con las diagonales y el contenido de la imagen, un atestado vagón con gente leyendo su diario en silencio.
Otros autores contemporáneos a Power, como Flight, Sybil Andrews y Lill Tschudi, que también trabajaron las linoleografías en color, están presentes en la exposición. Escenas de vivos colores y líneas curvas de las modernas formas de ocio -una merienda en el campo, un enorme teatro, las tradicionales carreras de caballos inglesas-, escenas urbanas -chicos colgando carteles, un autobús de dos pisos atravesando una gran avenida-.
Estas obras se intercalan con experimentaciones abstractas, más propias del Futurismo del continente, como las del artista francés que trabajó en Reino Unido, Henri Gaudier-Brzeska o Edward Wadsworth. Obras en blanco y negro o sepia que juegan con las líneas rectas, curvas y las formas sólidas. Una particular forma de ver los nuevos tiempos.
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Santiago Picatoste
Latin Collector Art Gallery, Nueva York
Hasta el 20 de diciembre
Apreciamos un giro radical dentro de la obra del mallorquín Santiago Picatoste. La visión ecológica de sus primeras obras ha ido dando paso a un proceso de erosión y de enfrentamiento -como el que distinguimos en su etapa de "flores/arañas"- que ha derivado en una confrontación entre el sentido ecologista y la saturación del consumismo de la sociedad capitalista.
Siempre visto desde una posición positiva, optimista y participativa: la belleza del pop-art, el expresionismo, la fuerza de los trazos y la existencia de cierta simbología personal generan una serie de vínculos que hacen que seamos participes de esta "abstracción redefinida" tan presente en la obra de Picatoste.
Esta visión positiva es la que hace tan atractiva su obra. Sus cuadros poseen muchísima fuerza expresiva, pero el control del espacio, la estética pop, el ansia por comunicar propia del diseño gráfico, la esencia de las técnicas del grafitti, la potenciación de contrastes y la iconografía expresionista, hacen que la obra -lejos de ser agresiva- genere un diálogo abierto entre la pieza y el público.
Sus obras indican que Santiago esta preparado (o mejor dicho, está ansioso) por iniciar su nueva etapa. Su traslado a Nueva York después de sus más de siete años en Madrid viene precedido por esta exposición individual en la Latin Collector Gallery. Con ella intuimos una necesidad por mostrar sus nuevas propuestas, el nuevo mundo descubierto y que está listo para enseñar, de transmitir el nuevo lenguaje simbólico que está gestando -siluetas femeninas, coches desguazados, sujetos sin cabeza-, la expectación ante una nueva experiencia urbana dentro de la ciudad más enriquecedora posible, Nueva York.
De ningún modo, Picatoste olvida su relación con Mallorca, a mediados del próximo mes la galería Xavier Fiol de Palma presentará algunos de sus nuevos trabajos bajo el título de "Wonder Wall".
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Bronx Museum of the Arts
Basta mirar un poco las paredes de tu barrio para ver que el street art es un vehículo de expresión tanto o más importante que los cuadros y esculturas almacenados en algunos museos. Sus obras están vivas y viven conectadas a la realidad de manera permanente. Incluso al mercado del arte, y sino que le pregunten a Bansky, sea quien sea.
Lydia Yee, comisaria de la exposición y curtida en la Barbican Art Gallery de Londres, mira al primerizo street art de los 50 como lazo de conexión con las vanguardias artísticas de hoy. No estamos hablando del hip hop ni de las fotos de las primeras block parties de los 80 donde bailaban break dance en las canchas de basket mientras los sound systems competían por ganarse a la gente.
Hablamos de vionarios, jóvenes, intuitivos y rompedores varios haciendo fotografía urbana, performances, videos o acciones efímeras con materiales encontrados por la calle. Totum revolutum precedente del actual DIY (do it yourself - hazlo tu mismo) donde cabían Yoko Ono o Robert Frank, el colectivo Fluxus o el fotografo Lee Friedlander. Todos buscando nuevas formas de aproximación espontánea al público que allanarían el camino a la No Wave neoyorquina y al provocador grupo Coum Transmissions liderado por el Throbbing Gristle Genesis P. Orridge.
Riesgo y creatividad palpables en obras como las fotografías de Vito Acconci recogidas en 'Following Piece' donde durante un mes el artista persigue casualmente por la calle a alguien diferente cada día hasta que entra a un espacio privado. Y otras muy digeridas por las revistas de tendencias o los facehunters de hoy como las fotos de cultura y moda urbanas de Jamel Shabazz.
Que serían las revistas para jóvenes con dinero o las ferias tipo Bread n Butter sin estos chicos. Miedo da de sólo pensarlo.
Me voy a la calle a ver si me inspiro.
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José Luís Martín Montesinos.
Editorial Campgràfic, Valencia
Ante los nuevos cambios en los formatos de comunicación causados por la era digital y las nuevas necesidades que conlleva, la editorial valenciana Campgráfic basa su trabajo editorial en la divulgación de textos del pensamiento tipográfico que son reconocidos como clásicos. Aspiran a ser un instrumento que aporte nuevas visiones y estudios sobre la escritura o su representación gráfica.
La edición de un libro dedicado a Ricard Giralt Miracle, no viene sólo dada por el interés de su obra, sino por ser considerado, posiblemente, como el primer profesional del "diseño gráfico" en el sentido actual del término.
El estudio de la obra de Giralt Miracle viene precedido de un repaso al contexto histórico de la tipografía, necesario para entender la evolución profesional y el entorno de trabajo de este diseñador. Se formó en la editorial Seix Barral y profundizó en sus creaciones personales dentro del "Instituto de Arte Gráfico Filograf".
Después adquirió experiencia en cartelismo e imagen corporativa, realizó ediciones para PEN y Aymà -bajo pseudónimo-, al final de la época en que el grafismo estaba en manos de los pintores para pasar a ser dominio de los diseñadores. Esta obra también trata sus trabajos editoriales y su relación con los artistas contemporáneos con los que colaboró -Miró, Brossa- tanto pertenecientes a la vanguardia catalana de la generación de Dau al Set (Tàpies, Cuixart, Tarrats, Ponç, etc.), como con el Grupo de Cuenca (Zobel, Torner, Rueda, Saura, Sempere, etc.).
Siempre influido por los miembros de la Bauhaus, centró su obra en el experimentalismo, ofreciendo obras cercanas al arte de vanguardia, más allá de la estética noucentista o de la influencia Art Decó.
De cualquier modo, su gran pasión siempre fue la creación de tipografías, ya que le ofrecía la posibilidad de unir la voluntad comunicativa con la calidad artística. Joan Brossa definía a Giralt Miracle como el "jardiner d'abecedaris".
La obra de este diseñador se ha dilatado durante más de 60 años estando presente en las publicaciones más relevantes sobre diseño gráfico de Europa, América y Japón, y reconocida internacionalmente con la concesión del Graphic Design Exccellence Award de Icograda en 1989 y, en España con el Premio Nacional de Diseño de 1990.
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Alex Gibney
Nada mejor para los inciertos aires de cambio que vivimos que recuperar la contradictoria pero brillante figura del creador del 'periodismo Gonzo'. Hunter S. Thompson fue figura determinante en la aproximación frontal a la realidad de los USA como punta de iceberg del movimiento contracultural de los 60 a los 80.
Alex Gibney, después de poner el dedo en la yaga del sistema capitalista neo liberal con dos documentales de hondo calado como 'Enron: the Smartest Guys on Earth' y 'Taxi to the Dark Side', cierra la supuesta trilogía narrando con abundante material gráfico de archivo la apasionante carrera vital del creador de 'Miedo y Asco en Las Vegas'.
Visceral, bipolar, idealista, vicioso, alcohólico, arriesgado, amante de las armas, provocador y ferviente defensor del sueño americano en su forma más pura no pudo aguantar un mundo decadente dirigido por la oscura mano de Bush. Thompson puso fin a su vida en 2005 con tres tiros cuando más le necesitaba un periodismo barato lastrado por una falsa objetividad pro gubernamental.
El extenso documental, narrado por Johny Depp, retrata con técnicas nada realistas sus comienzos: el año vivido con los Hells Angels, su entrada en el magazine Rolling Stone, su implicación en las elecciones norteamericanas del 72 (donde Nixon se salió con la suya) como corresponsal con ojo crítico, su filia pro hippie, su defensa de los derechos civiles, su campaña para Sheriff de Aspen, su viaje a Las Vegas en busca del sueño americano, su cagada al no asistir al combate de Muhammed Ali en Zaire, y así hasta sus continuas infidelidades y su desorden familiar constante.
Todo un personaje que hizo de su peremne desazón su seña de identidad creativa y que le ayudó a fracturar los límites impuestos por las enquistadas trampas del reverso oscuro del sueño americano. La cantidad de testimonios que trufan el film hacen pensar que más allá de sus excesos fue un escritor honesto y brillante que dejó huella en la vida pública de los USA y que hoy en día es reverenciado y copiado a discreción, desde la revista Vice hasta los docushows televisivos tipo Callejeros.
Ágil, entretenido y completista caleidoscopio de una figura crucial del periodismo moderno. Que no se os olvide leer entrelineas, allí está la verdad.
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