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Hokusai & Hiroshige
Hasta el 7 de diciembre
Ateneum Art Museum, Kaivokatu 2, Helsinki
El Ateneum Art Museum celebra su 120 aniversario con una exposición que recoge una selección de xilografías realizadas por dos de los maestros más importantes del la era Edo japonesa, Hokusai e Hiroshige. Son los padres de la cultura gráfica japonesa como la podemos conocer hoy en día. Todos estos grabados proceden de la colección de Yasusaburo Hara y se exponen fuera de Japón por primera vez.
Antes de adentrarnos en esta exposición es imprescindible conocer las dos únicas vías que unían las ciudades de Kyoto con Edo -la actual Tokio-. Estas dos carreteras recibían el nombre de Tokaido y Kisokaido. El trabajo de Hiroshige presentado consta de dos series diferenciadas: "Los cincuenta y tres paisajes de Tokaido" y "Las sesenta y nueve estaciones de Kisokaido".
En ambas series destacan la importancia del diseño, composición, vestimenta tradicional y la arquitectura, así como el contraste entre los paisajes, la presencia de la naturaleza, las diferentes estaciones del año y las tonalidades a medida que los paisajes se van acercando al bullicio de la ciudad de Edo. Una de las salas de exposición está reservada para la serie de Hiroshige "Cien famosas Reproducciones de la ciudad de Edo".
Hokusai, por su parte, está presente en la muestra a través de su famosa serie de "Treinta y seis reproducciones del Monte Sagrado Fuji", aunque es mucho más conocido para todos nosotros por el primer grabado de esta misma colección: "La gran ola de Kanagawa". Este artista acogió por primera vez el termino "manga" como definición de su estilo de trabajo y técnicas empleadas, como el estudio de la profundidad de sus dibujos -influenciado por las obras europeas- o la manera de encuadrar a los personajes presentes en un plano. Son recursos que más tarde serían utilizados por los cineastas japoneses -Ozu en particular- para crear un estilo de encuadre definido como "puramente nipón". Más tarde, la influencia de su trazo en los impresionistas centroeuropeos y dentro del Art Noveau será más que notable.
El agua es omnipresente en la mayor parte de las obras. Las escenas cotidianas que se muestran en estos paisajes reflejan la vida diaria de sociedad de la época. Las tintas aplicadas sobre la madera son limitadas, tan solo emplea cuatro colores, pero el alto nivel de la técnica hace que las gradaciones y variaciones lleguen a conseguir contrastes casi inverosímiles.
La fragilidad de las obras y su alta sensibilidad ante la luz obliga a que la mayoría de estas solo se puedan exponer durante escasas horas a lo largo del día.
La última sala de la exposición presenta las herramientas y la elaboración tradicional de las xilografías. Uno de los pocos maestros cortadores de nuestro tiempo, Shoichi Kitamura dará una demostración en un taller de madera creado en expreso como parte de esta exposición.
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Julius von Bismarck
Fulgurator es la herramienta resultante de un estudio realizado sobre la intervención fotográfica en lugares públicos. Se trata de un dispositivo que sirve para intervenir en las fotografías cuando se están realizando. El fotógrafo no es consciente de esta operación en el momento de la acción, ya que solo detectará la intervención de Fulgurator en la foto a posteriori.
El mecanismo de este instrumento es sencillo. Se activa al detectar un flash, ya que recibe un incremento inusual de la luz ambiental y reacciona proyectando una imagen sobre el objeto retratado exactamente en el mismo momento en que está siendo fotografiado. La intervención dura tan solo unos milisegundos, lo cual hace que el ojo humano no se percate. La imagen proyectada puede tener todo tipo de mensajes, desde firmas grafitti, la fecha y hora del momento de la acción -en concepto de firma de autenticidad-, o textos que indican que este objeto está protegido por derechos de imagen.
Técnicamente, el Fulgurator funciona como una cámara a la inversa. En lugar de captar luz y reproducirla sobre una película sensible, la cámara está conectada a un flash que proyecta una imagen a través de la lente que incide sobre el objeto. El Fulgurator está en proceso de recibir la patente y es uno de los muchos proyectos que se han presentado en el CYBERARTS 08 celebrado recientemente en Viena.
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Centre Pompidou, París
Del 15 de octubre al 26 de enero de 2009
Hubo un tiempo y unas personas en la historia que ya soñaron el mundo, tal vez no tal y como es ahora, pero sí de una manera bastante aproximada. La fascinación por el salto de las sociedades casi medievales a las industriales, sobre todo en los primeros años del siglo XX, también copó la creatividad y el imaginario de algunos autores y artistas.
"Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia". En este extracto del Manifiesto del Futurismo (publicado en el diario francés Le Figaro en 1909), Filippo Tommaso, expone el canon de belleza para las bases de lo que sería una nueva corriente artística, literaria y poética. La oda a la velocidad, la técnica, la agresividad y la modernidad, entre otros, sería el eje vertebrador de muchas obras de principios del siglo pasado.
El Centre Pompidou de la capital francesa ha organizado una exposición para "reconsiderar el lugar y el estatus del Futurismo, fuente fundamental de la modernidad". A través de más de 200 obras y documentos nos ofrece una perspectiva de esta corriente como influencia sobre el Cubismo.
Muchos nombres ilustran esta nueva forma de ver el mundo: las coloridas, brillantes y redondeadas formas de Robert Delaunay -creador, además, del orfismo, una modalidad particular del cubismo-; después de varios años de experimentación, Marcel Duchamp se unió a las revoluciones artísticas y con su obra "Sonata" -una visión abstracta de cuatro mujeres tocando instrumentos- inauguró su nueva etapa. También hay obras de dos de los creadores del Cubismo, Georges Braque y Pablo Picasso.
Aparte de los máximos exponentes franceses, otros artistas europeos se acercaron al Futurismo y están presentes en la muestra del Pompidou: el ruso Kasimir Malévitch, que realizó su primera exposición junto a Wassily Kandinsky y Mikhail Larionov, e inició una etapa de creación que procedía del Impresionismo; el italiano Ardengo Soffici reflejó en su literatura las bases del Futurismo, mientras que el pintor checo Frantiek Kupka, con sus retratos cada vez más abstractos también se unió a la corriente.
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Miqui Puig
Tras casi veinte años en el circuito mediático estamos viviendo una nueva época de esplendor de este incansable de la Barcelona Nord. Miqui Puig esta totalmente volcado en contar -en este, su noveno disco-, sus historias a ritmo de "northern soul" con una clara y selecta mirada pop. Y es que Miqui funciona como un artista global: es el disckjockey que realiza sesiones inolvidables, el periodista de actualidad especializado en tendencias, el showman -entendiendo el formato británico del programa- que participa formando y castigando a concursantes que desean llegar a la fama musical en una cadena nacional.
Pero de alguna manera, su pasión es la música, tanto delante del micro como detrás de los controles. Abarca absolutamente todos los espectros musicales, y aún mejor, los plasma en sus composiciones. La discografía de Puig es pieza obligada en la historia de la música post-movida.
"Impar" refleja al Miqui más enérgico que hemos conocido. Creyente del "northern soul", de las guitarras distorsionadas, de la intensidad, de dejarse la piel en los estribillos. Y lo hace como nunca: positivamente y sin abandonar la ironía, los guiños personales y los homenajes escondidos a media canción. Más reservado que en otras épocas, pero a la vez realizando un canto a la militancia y la camadería.
Abarca desde el selecto pop y el puro estilo nórdico -"Domingo diesel", "El sirviente", "Polvos de Talco", "Verde Tenis"- hasta una inmersión en nuevos registros más ruidosos y etéreos que salda con éxito -"Miqui contra el mundo", "UEFA" -. Demuestra lo raro que es encontrar un disco -y más nacional- en el que todas las canciones son singles en potencia. "Impar" es un punto de inflexión en la carrera musical de Miqui, aún así, podemos asegurar que lo mejor está aún por venir. Como dicen sus admirados Facto Delafé: "Esto no se para".
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Ryszard Kapuscinski
Editorial Anagrama, Barcelona
Aún cuesta ser conscientes de que el grandísimo periodista y escritor Ryszard Kapuscinski (Polonia, 1932-2007), ya no está entre nosotros. No sólo sus artículos y libros sirven como ejemplo de periodismo comprometido en las facultades de Ciencias de la Comunicación. Con su obra contribuyó a recordar la existencia de los grandes olvidados del mundo occidental -a través, por ejemplo, de la obra sobre África, "Ébano"- y a dar a conocer a personajes como el Ayatollah Jomeini o el emperador Haile Selassie con sus míticas novelas "El Sha" y "El Emperador".
La editorial Anagrama ha editado, este mes de septiembre, la novela de testimonios "La jungla polaca". Kapuscinski la escribió en 1962, entre viaje y viaje como corresponsal a África para la Agencia de Prensa Polaca (PAP). Parece ser que el periodista escribió una noticia sobre lo que acababa de ver en el Congo -lucha, desmoronamiento, derrota, acabó llamando, según el Ministerio de Asuntos Exteriores, "anarquía" a la "revolución"-, por lo que fue cesado temporalmente en su trabajo en el continente africano.
Como buen comunicador, también encontró historias que narrar en su propio país. Ryszard emprendió un viaje a través de los pueblos más remotos de Polonia, donde la pobreza era predominante. Se encontró con un hilo conductor, las penurias pasadas durante y después de la II Guerra Mundial: aldeas devastadas y reconstruidas, familias desplazadas, pocos varones para demasiadas mujeres. Esta frase plasma lo que se encontró en su viaje a la esencia del ser humano: "La guerra demuestra que el hombre en cuanto ser pensante ha fracasado, se ha defraudado a sí mismo, ha sufrido una derrota".
Además, es muy fácil para el lector adentrarse en la recopilación de historias de "La jungla polaca". Kapuscinski narra las historias en primera persona, al estilo de un autor omnisciente, pero hace partícipe al lector de tal manera, que transmite parte de las sensaciones que él debió recibir durante las entrevistas. El carisma de este autor traspasa las hojas y las letras. Resulta sorprendente la complicidad que estableció con todos los testimonios, y cómo consiguió extraer respuestas de las que, probablemente, ni ellos mismos se habían percatado.
En un momento, en la actualidad española, en el que está resurgiendo la necesidad de recordar lo que muchos han querido que se entierre -más conocido como la memoria histórica-, este es un ejemplo muy recomendable de cómo se puede preservar la intrahistoria y, en suma, los pensamientos y sentimientos de los que han sufrido en silencio la injusticia de la guerra.
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Espai Quatre. Casal Solleric. Palma
Hasta el 9 de Noviembre
Resulta cuanto menos curioso echar un vistazo a cualquier libro que trate sobre las actitudes artísticas en las décadas de los sesenta y los setenta. De inmediato se descubre una evidencia, aquellas actitudes, en su mayoría, fueron asimiladas y convertidas en mercancía.
Entendido que todo aquel que no comulgue con las reglas de los poderes culturales tiene que aprender a negarse a poner precio a su obra, a no venderla, omo me comentó un reconocido artista, es un tema que ahora no toca. Recuerdo que mientras se me negaba la entrada al incómodo debate, imaginé a Beuys, firmando su propia sombra.
Y es precisamente de sombras -en este caso las de la cultura oficial- de lo que nos habla la propuesta que Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) ha presentado en el Espai Quatre del Casal Solleric con el nombre de Territio -palabra que denominaba la sesión introductoria a la que eran sometidos los perseguidos por la Santa Inquisición-. Dicha sesión consistía en mostrar las herramientas con las que el acusado iba a ser torturado, a no ser que éste decidiera confesar. Era habitual que el acusado optara por la confesión.
Formalmente, Territio consiste en la disposición de una serie de representaciones de las herramientas con las que habitualmente trabajan los artistas. Con ellas se pretende poner en entredicho la cultura oficial y promover el compromiso del artista con su obra. Y es que, en palabras del artista, mediante esos objetos, el artista crea mitos que no son humanos, y conduce a percepciones que no son adecuadas.
Territio ahonda en los aspectos más oscuros de la cultura, concretamente, en la maquinaria que la sustenta. Valcárcel Medina, es una de esas personas necesarias para, como se dice llanamente, poner las cosas en su sitio. Si uno ya no sabe a qué santo arrimarse, ante las ganas de escándalo y la falta de criterio que habitualmente pueblan el mundo del arte, lo mejor es acercarse a una biblioteca y dar un repaso a la obra de este artista, exponente por excelencia de arte conceptual español.
Ha sido reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2007 por la coherencia y rigor que ha mantenido a lo largo de su trayectoria. Isidoro Valcárcel Medina, al que se suele hacer referencia por su capacidad de decir "no" y por desarrollar proyectos que dejan al aire las estructuras del poder cultural. Sirva como ejemplo uno de sus conocidos proyectos: allá por el 96, como condición para exponer en el Reina Sofía, le pidió a José Guirao, directivo de la famosa institución, los presupuestos destinados a las últimas exposiciones del Museo, ante la negativa de Guirao, Valcárcel Medina llegó hasta el Defensor del Pueblo, que le dio la razón.
Más tarde, se realizó una exposición con todos los documentos, fruto del contencioso. Este hecho, tan representativo de la actitud del artista, es tan solo uno en una carrera en la que el autor de Territio ha optado por la inflexibilidad ante los tormentos que en ocasiones provoca la cultura oficialmente oficializada.
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Zombie Zombie
Versatile 2008
Canta Damon Albarn con The Black Ghosts un estribillo muy significativo con el que me identifico bastante a nivel personal: "Repetition Kills You". Sin embargo Zombie Zombie dan la vuelta al enunciado para convertirlo en santo y seña de su primer álbum. Y me gusta.
El dúo francés formado por Etienne Jaumet -theremin, space echo RE201, piano de juguete, ARPprodGX, Roland SH101, Prophet 600, 808 Roland- y CosmicNeman -batería, percusiones, grabador de cassettes, delay analógico Ibanez UE305, piano de juguete y gritos- hace de la repetición, el bucle, la progresión y del "loop" el vehículo adecuado para plasmar los sueños de zombies, las pesadillas nocturnas, el terror años 50 y la ciencia ficción espacial. Parece un batiburrillo, pero en su cajón desastre cabe de todo, y todo está en su sitio.
Múltiples referencias reconocen en su Myspace: un 30 por ciento de los padres de la repetición metronómica y los synthes analógicos caseros Silver Apples, un 30 por ciento de krautrock del bueno con la mirada puesta en Can y Neu, un 20 por ciento de John Cage, un 10 por ciento de John Carpenter y el resto se lo reparten la experimentación del ex Spacemen 3 Sonic Boom, la polirritmia tribal africana y los sonidos exprimidos que patentó Leon Theremin. Eso sí, en formato canción.
En estos tiempos donde el pop instantáneo, mimético, de digestión simple y sin calado manda en las listas del indie, proyectos tan personales y disparatados como Zombie Zombie piden paso a gritos a base de progresiones infinitas, efectos vaporosos y atmósferas telúricas que ilustran un ideario ajeno a las corrientes imperantes. Personalidad y riesgo.
Como unos Suicide ceñidos al concepto creativo de Ratatat, estrujan los temas rozando el space disco y la psicodelia, buscando referentes en el cine de vampiros, actualizando el legado que Vangelis y "Blade Runner"dejaron en los 80 y proyectando un sentimiento de terror y extrañeza hacia lo desconocido. "La cosa", como muestra uno de sus vídeos, es más que un referente en su ideario musical.
Parece que temas como "Driving this road until death sets you free" o "A land for renegades" sean una constante, y también frenética, huida metronómica de todas las pesadillas analógicas basadas en el retrofuturismo y la amenaza exterior. Post escapismo de los descreídos. Todo esto puede parecer un galimatías. Lo mejor es poner el disco, empezar el viaje y dejarse ir. O mejor dicho, huir.
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Entrevista a Miqui Puig
Es un personaje tremendamente trabajador, como si viviera tres vidas a la vez. Puede estar ejerciendo de DJ en la otra punta del país y a la mañana siguiente participar en un programa de televisión nacional, de camino al aeropuerto contestar mails y realizar guiones para sus colaboraciones en los programas de radio en los que participa.
¿Televisión o músico?
Miqui Puig. Como debemos inventar términos que queden cultos, un día me inventé aquello de "Soy un músico que vive de la música y de sus alrededores". La música es mi puta vida y la tele es la puta con la que disfruto. Me encanta el medio y sus posibilidades, aunque a veces no nos dejen manosearla como quisiéramos. Llegado a este punto, estimado lector, ponga música o televisión según se desee, las dos suelen estar en manos de indocumentados.
Pero también existen otras muchas facetas tuyas que no son tan conocidas, tus colaboraciones en radio, prensa (a veces), blogs, producciones...
Creo que una vez alguien dijo que servidor padecía "bulimia cultural", lo que me parece raro es que cada vez que se me presenta deban salir a relucir estas cosas. Supongo que debe ser que la media musical de este país suele vivir mirándose su ombligo perenne, del que no salen. He leído a varios ídolos del "mainstream" vanagloriándose de no leer libros. También es verdad que su intelecto apenas les debe dar para leer las etiquetas de la cerveza. Los dos que lo dijeron: Melendi y Pau Donés. Hago radio porque me encanta, aunque apenas pagan, hago producciones a grupos noveles de manera gratuita, esperando que algún día saquen un hit y sea su descubridor, pero sobretodo hago siempre cosas interesantes.
Te veo entre dos aguas, por un lado parece que salir tanto por televisión debería abrirte las puertas de las radiofórmulas de par en par, por otro lado no acabas de ser tan alternativo...
Es la gran dicotomía de mi vida, pero parece que instalado aquí no acaba de irme mal. Me siento cómodo haciendo lo que me viene en gana a cada momento, y alternativo sí que lo soy desde que llevo dos discos pagados de mi propio bolsillo. Eso sí que es independencia. En el mainstream apenas se discurre y los verdaderos alternativos nunca han pisado un festival sufragado por marcas comerciales orientadas a la juventud. ¡Que ya tengo cuarenta! ¡Viva el mainstream!
Tampoco tienes vínculos con grupos que cantan en catalán.
Con la música catalana de los 90 sólo tenía el espacio-tiempo. Con los de ahora tengo devoción y referentes, muchos de ellos pasaron por mis programas de radio cuando apenas tenían maquetas y ahora están en boca de todos, les adoro y les tengo devoción, soy fan.
Ni con el baile ni el pop, cosa que te hace un estilo más personal y auténtico.
Amo por igual el house, el shoegazzing o el northern, pero sólo soy un blanquito del norte de Barcelona que ama la música y que escribe canciones de tono melancólico patriótico, o algo así. Me halaga lo del "estilo personal".
¿Crees que puede haber una relación amor/odio entre tú y el nuevo oyente?
Al contrario, el nuevo oyente no tiene que pagar el peaje de descubrir música a través de las revistas musicales, llegas a un Myspace, escuchas y si te gusta la canción allí te quedas. Eso sí que es democrático, apenas existe prejuicio, es más puro, para que luego salten chispas al escuchar verdades como puños o mentiras provocadas por rencillas pasadas y bastante mala leche.
En cambio con la gente que conecta contigo, tiene una especie de complicidad la que había con la gente que escuchaba los Smiths en los 80.
¡Caray! Qué responsabilidad, yo sólo hago canciones para no pagar a los psiquiatras, sólo escupo bilis para no envenenarme, pero la verdad, aquella noche después de cuatro años sin pisar Barcelona para tocar, y oír a todo el mundo entonando las canciones que algún día uno había ideado en algún rincón que ahora no recordaba, producían un efecto increíble en la mente de uno.
Tu disco es como una de esas series de culto. Es difícil empezar a seguirla desde la tercera temporada, debería ser desde la primera, pero en tu caso, con una carrera tan larga, es difícil.
Por eso el año que viene queremos sacar la integral de Los Sencillos para que todo el mundo pueda hacer un repaso y ver cómo evolucionan los personajes. Ya dije que mi biografía consistiría en poner una canción tras otra y ver lo que me pasaba en cada momento.
Porque Miqui, o gusta mucho o no gusta nada, no existe termino medio.
Eso dicen. A mí también me ocurre con algunos, debe ser innato en el género humano.
Vuelve a ser un disco muy en primera persona, como en el estribillo de "Verde Tenis" ("Por eso soy así"). En "Vincent Montana Ge" te sales con el homenaje.
Siempre es más dramático y tentador que el cantante se deje la piel en el estribillo, y más si habla de cosas que le pueden pasar a uno. La verdad es que escribir así me resulta cómodo y creo que engancha al oyente.
Te quejas mucho en tu disco... "Miqui contra el mundo", "El sirviente","Londres", ¿qué es lo que te ha hecho dar este toque de rabia?
Siempre digo que nos quejamos poco, que hace falta comunicar a los demás, al mundo en general, lo que no marcha bien o lo que nos disgusta. Esta vez sí que sea, tal vez, una queja llena de cinismo y para reírse incluso del emisario.
¿Es difícil hacer una canción de baile (aunque sea triste)?
Creo que los Pet Shop Boys nos enseñaron el camino, ellos han sido mis maestros, maldigan el maestro o al aprendiz, como gusten más.
El northern soul no triunfara en España, ¿verdad? Si tu disco lo cantara una cantante yonqui londinense, ¿la cosa seria diferente?
Puede que no, puede que sólo sea un espejismo esto del tono soul que han pillado las cosas. También aparecerá alguno que diga que me he subido al carro, ¿verdad? Sólo mirándonos a los ojos sabemos quiénes son los nuestros y que así sea.
¿Qué relación existe entre el northern soul y los hooligans?
Mi hooliganismo es el de la camaradería y la militancia. En el northern, el country o el jazz ocurre otro tanto, lo llaman pasión o algo así, apoyar a tu equipo a pesar de las adversidades.
En algunos casos las guitarras son muy agresivas...
La guitarra eléctrica es una de las maneras menos violentas de liberar adrenalina, rabia o bilis, la estética del rock no tendría sentido sin ellas....
"El sirviente", "Serio y bien plantado", me suenan al mejor pop de los Cardigans, es un sonido muy europeo. Insisto en las producciones de Tore Johanson.
Mis asignaturas pendientes son trabajar con Tore y con Norman Cook, dos de mis referentes a la hora de pensar en términos de producción.
Y es que en España el nivel musical todavía no esta a la altura del resto de Europa...
Pero lo lograremos, no tengo ningún tipo de duda. Ahora, sólo hace una falta una buena criba a todos los niveles, periodísticos, radios, producciones, festivales y grupos.
Estamos en una fase de anarquía musical, debido a Internet.
No... existe anarquía en Internet debido al socorrido timo del insulto anónimo que tanto suelen utilizar los mediocres. Como todo en la vida, sólo depende de ti escoger con lo que te timan. En mi caso suelen ser páginas repletas de discos maravillosos en vinilo que comprar.
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