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CaixaForum, Madrid
Hasta el 31 de agosto
Algunos lo han definido como "el estilo Mucha". El Art Nouveau fue el movimiento artístico que se desarrolló entre finales del siglo XIX y principios del XX. Caracterizado por su intención de ruptura con el arte reinante e inspirado en la naturaleza, se conoció por el término 'Art Nouveau' en Francia y Bélgica, 'Modern Style' en Inglaterra o 'Modernismo' en España.
El checo Alphonse Mucha fue uno de sus más grandes representantes en toda Europa. Nació en Ivančice, en Moravia del Sur, en 1860. Desde pequeño demostró su gran talento por el dibujo, su madre le colgaba del cuello una cinta con un lápiz para que dibujara mientras gateaba. Después de ser rechazado en la Academia de Bellas Artes de Praga, se trasladó a Austria, donde encontró grandes referentes, como el pintor de grandes acontecimientos históricos Hans Makart, y comenzó a introducirse en el mundo de la pintura artística por diferentes ciudades europeas, como Munich o París.
El CaixaForum de Madrid acoge una amplia y magnífica retrospectiva de Mucha, que, acertadamente, agrupa su rica producción en los ejes sobre los que giró su obra. Uno de los más importantes fue el teatro, ámbito en el que estuvo muy ligado a su musa, la actriz Sarah Bernhardt y al Théâtre de la Renaissance. Diseñó multitud de carteles, elementos del decorado e incluso vestuario. En la muestra de Madrid encontramos fantásticos retratos épicos de obras como Medea, Gismonda, La Dama de las Camelias o Hamlet.
En la parte denominada 'Belleza', observamos uno de los elementos centrales de la obra de Mucha, la figura femenina. El artista era un amante de la belleza, de las ondulantes melenas, de la majestuosidad. Representó a la mujer como símbolo de fertilidad incluyendo en sus dibujos elementos de la naturaleza además de detallistas ornamentos. Las obras de 'Misterio' encierran la voluntad del checo por comprender al ser humano y la realidad. Así, hallamos representadas las cuatro estaciones, o paneles decorativos dedicados a las piedras preciosas, las flores o los momentos del día, simbolizados por mujeres. 'Modernidad' repasa el uso del arte de Mucha en el campo comercial, publicitario y el de las artes aplicadas.
El estilo de Mucha, de líneas bien definidas y nítidas, una composición perfecta y una estética entre moderna y épica, nació de su concienzudo y esmerado trabajo. La exposición incluye los detallados estudios que realizaba previamente a la obra final, o el uso de la fotografía como apoyo para realizar sus obras. Sin duda, podrían llenarse páginas de la magnífica obra del checo, pero recomendamos, a los que tengan la oportunidad, que acudan a ver el trabajo de un artista que revolucionó una época.
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Casal Solleric, Palma
Hasta el 7 de septiembre
Palma Photo 08 cuenta con una propuesta de lujo: la retrospectiva dedicada a Richard Kalvar (Nueva York, 1944). Es la primera retrospectiva que se dedica en España al fotógrafo neoyorquino, y está compuesta por 89 imágenes realizadas en Europa, Asia y América, se trata de una colección de instantáneas que con frecuencia se ha asimilado a la 'street photography'.
Aunque el propio autor aclara no sentirse cómodo bajo una etiqueta tan restrictiva, lo cierto es que las fotografías de Kalvar tienen en común su gestación exterior, a pie de calle. Son fotografías que nacen de una muy peculiar mirada sobre lo cotidiano, una mirada que tiene en el encuadre a su mejor aliado a la hora de transmitir aquello que el fotógrafo detecta. El trabajo de Kalvar es el de un auténtico prestidigitador de la composición.
Otra de las razones por la que resulta indispensable la visita a la planta noble del Casal Solleric, es poder disfrutar de la calidad de las copias que componen la retrospectiva. Un positivado en el que se puede oler una labor que ya es artesanía pura. Con la llegada y difusión de los nuevos soportes fotográficos, a veces uno añora plantarse delante de una copia sobre papel baritado de gelatina bromuro y descubrir la profundidad tonal que tanto persiguen los nuevos soportes fotográficos.
Resulta curioso ver cómo en ocasiones el avance de un medio se mide por la reproducción de las calidades de su antedecesor y no por los caminos que abre a la hora de dar continuidad al propio medio. En definitiva, y para terminar, la muestra dedicada a la obra de Richard Kalvar resulta ser la guinda de un Palma Photo 08 que esperemos que se establezca como verdadero elemento de difusión de la fotografía.
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Helmut Newton Foundation, Berlín
Hasta el 16 de Noviembre
Como todos deberíamos saber, el termino "paparazzo" proviene de la película "La Dolce Vita" de Federico Fellini. En ella el papel del fotógrafo estaba inspirado en una persona real, Tazio Secchioli, que más tarde acabó siendo fotógrafo de montaje del director. Desde 1960, Secchioli y varios compañeros de profesión dieron una nueva dimensión a la fotografía periodística: la búsqueda del momento más (in)oportuno para retratar a famosos y estrellas.
Desde la Cote d'Azur a la Via Veneto de Roma, esperaban interminables horas e incluso días cargados con cámaras con lentes de largo alcance, para conseguir la imagen más comprometida posible de la celebridad en cuestión. Helmut Newton sentía una profunda admiración por este tipo de fotografía, siempre contrastaba sus montajes fotográficos -que aunque perfectos su preparación, duraba horas-, con la inmediatez de este tipo de fotoperiodismo.
Si bien la fotografía digital actual permite obtener un momento preciso -un modelo de gama alta como el D3 de Nikon puede realizar hasta 10 fotos de gran calidad por segundo-, las cámaras fotográficas de los años 60 dejaban en manos de la pericia del paparazzo la capacidad de captar "el instante".
La exposición que presenta La Fundación Helmut Newton de Berlín rinde un gran homenaje a nombres como Salomon, Weegee, Galella, Quinn, Angeli, Secchiaroli o Pigozzi a través de 350 fotografías en blanco y negro a los personajes más famosos entre las décadas de los 60 y 70, mostrando la evolución dentro del fenómeno de la prensa sensacionalista. Así, Alain Delon, el príncipe Carlos, Mick Jagger, Marlon Brando, Al Pacino, Sophia Loren o Grace Kelly fueron retratados en fiestas, por la calle, en alejadas playas sin noticia que haber sido fotografiados. Un recomendable recorrido por los inicios del ojo más indiscreto.
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Joan Hernández Pijuan
Museu d'Art Espanyol Contemporani, Palma
Hasta el 18 de octubre
Visitar la amplia retrospectiva dedicada a la obra sobre papel de Joan Hernández Pijuan (Barcelona, 1931-2005) es, más que recorrer una trayectoria artística de varias décadas y atender a las 169 obras que se presentan, darse cuenta de una cosa muy sencilla: el papel también pinta. No se trata de hacer proselitismo de ninguna religión oriental, aunque es cierto que lo dicho tiene un poso cercano a los 'koan zen'. Para entenderlo más fácilmente, la obra sobre papel de Pijuan, al igual que la que realizó sobre tela, es ante todo la constatación de un trabajo de atención a la calidad de los materiales con los que el artista trabajó durante toda su vida.
La exposición nos acerca a los Iris de pascua que el pintor pintaba cada año en la época de Pascua desde 1988. También a las 130 obras que muestran la trayectoria general del artista. La pintura de Hernández Pijuan es de una elegancia deslumbrante. La sencillez con la que aborda los temas no está exenta de la profundidad y de la reflexión con la que trabajó a lo largo de su carrera. Preocupado por el espacio y sus representaciones, fascinado por el fulgor blanco de la luz. A Hernández Pijuan le gustaba citar una película, 'Smoke', de Wayne Wang, a la hora de hacer entender su obra a ese sector de la crítica que en ocasiones lo tachó de repetitivo.
En el film hay una escena en la que uno de los personajes le descubre a otro su ritual particular. Hace años que fotografía la misma esquina de Brooklyn, a la misma hora, día tras día. Es una escena magnífica con la que el pintor se sintió identificado. La luz cambia las cosas, es el mismo lugar, el mismo que siempre está dejando de ser. La luz que lo hace visible varía y de esta variación es de la que se alimentó la obra del pintor.
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Varios artistas
Museo Contemporáneo, Baltimore
Hasta el 24 de agosto
Negocios que se salen de lo normal y que poseen, además, un componente artístico. Es la propuesta de la nueva exposición del Museo Contemporáneo de Baltimore. Seis artistas-emprendedores que han canalizado en un negocio conceptos de innovación y creación con sus inquietudes artísticas. Quizás algunos sean más lucrativos que otros, pero lo cierto es que "Cottage Industry" es la perfecta muestra de cómo se pueden combinar los intereses comerciales y artísticos en distintos campos, que van desde la arquitectura hasta la horticultura.
El arquitecto, jardinero, educador y artista Fritz Haeg presenta "Edible States" (propiedades comestibles), una obra que podría considerarse literalmente orgánica, ya que consiste en contar cómo se hace y cuida un jardín a través de vídeos, fotografías e historias. Para la ocasión, Haeg ha creado un pequeño huerto en Maryland (Baltimore), compuesto por plantas de guisantes, cebollas, perejil, ciruelas, tomates, espinacas, fresas, manzanas, etc. Un buen grupo de voluntarios ha contribuido a establecer el jardín, financiado por una empresa del lugar.
"The City Reliquary Museum" es mucho más que un museo, es un lugar al que pueden acudir los ciudadanos, los recién llegados o cualquiera que pase por Brooklyn. Con sus exposiciones dedicadas a Nueva York, esta organización ayuda a conocer las raíces de la ciudad, su historia y carácter. Este peculiar museo pretende, además, contribuir a la unión de todos los neoyorquinos, de origen o adopción, con eventos públicos como el Día de la Bicicleta Fetiche o la Noche de los Coleccionistas.
Estos son sólo dos ejemplos de los trabajos presentados en "Cottage Industry", pero todos tienen un hilo conductor, compatibilizar el arte con las necesidades de la vida. Todos los creadores/emprendedores han conseguido aplicar sus inquietudes artísticas, estética y su función social a actividades que muchas veces no consiguen mantenerles pero sí cubren su necesidad de comunicar.
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Kurt Vile
Gulcher, 2008
Durante el pasada edición de 2008 del South by South West -festival 'trendy' que se celebra durante el mes de marzo, en Austin (Texas, EEUU)- aparecieron sobre los escenarios de los 'showcases' de la ciudad tejana la mayoría de las propuestas musicales que formarán el elenco de lo más destacado del año. Todas las novedades llamadas a ser los grandes descubrimientos de los próximos meses.
Una de las mejores cosas que tiene este festival, desde mi punto de vista, es que por lo menos da la sensación de que todos los artistas son tratados por igual. De cualquier manera, algunas de las opciones más frescas son las que siempre llaman la atención de los A&R's.
El caso de Kurt Vile daría para escribir muchas líneas. Desde Filadelfia, este indeterminado músico recrea su música añorando a los australianos The Church, a la vez que realiza innumerables incursiones en el 'space-folk' de Flying Saucer Attack. Tizna sus canciones con bases 'psyco-folkies' que unen ese camino imposible existente entre la cacharrería electrónica de Stephin Merrit -Magnetic Fields- y las producciones atmosféricas de Jason Pierce -Spiritualized-.
¿Y acaso se puede pedir más? Obviamente, Kurt funciona como un entrañable artesano, de forma individualista. Trabaja con sus cajas de ritmos y efectos comprados en rastros y casas de empeño encrudeciendo sus canciones y aprovechando las oscilaciones que genera el 'home-recording' y las frecuencias de baja fidelidad. Todo un genio.
Desde hace cinco años, se autoedita grabaciones en CD-R que vende al final de sus conciertos. A través de ellas consiguió una edición mínimamente seria en 2006 con el sello Juicy Starz. Finalmente, este es su disco de debut -editado en febrero, llega ahora a Europa-, continúa con el home-recording y se presenta irónicamente como un auténtico 'hitmaker' al estilo Beck. Viene a ser el disco que deberían haber grabado los Spiritualized tras su largo descanso creativo.
Y es que tanto en su música como en la vida real, Kurt no ha dejado de oscilar entre el esplendor y la desolación. Esperemos que ahora encuentre una frecuencia portadora que le lleve al lugar que merece, es decir, a lo más alto.
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Daedelus
Ninja Tune
"The portrait of an artist as a young man". No se me ocurre mejor imagen para traer a colación el virtuosismo y la heterodoxia musical de Alfred Darlington, aka Daedelus, que la del mismísimo Oscar Wilde. Sobre todo después de ver su disfraz en el último Sonar.
Allí presentó con sus juguetitos -básicamente el 128- un disco a ratos regular y a ratos estremecedor. Con algunos temas menores pero con joyitas que, como él mismo dice, remiten al hardcore de los años 1992 y 1993 y a una etapa personal más emocional que temporal.
Tras nueve discos en innumerables sellos de electrónica avanzada, hip hop experimental e IDM de la costa Oeste, el versátil Daedelus se marca un homenaje pop a sus referentes de adolescencia. En este cajón desastre caben 'oldies' como Ice Cube, Dee Lite, Mantronik y hasta los Chemical Brothers, coetáneos como Dj Shadow, Luke Vibert o Fat Boy Slim, o estilos como el 'breakcore' o el 'gabba' teñidos de psicodelia en la onda de Panda Bear o Animal Collective. ¡Qué cacao!
En "Ninja Tune", el respetado sello madre de la sampladelia europea, disfruta con este artilugio pop donde ponen voces Michael Jonson en el hit más bailable del disco "Make It So", propio de Cut Copy o Mylo y donde conviven el gusto turntablinista de paisanos como Girl Talk (salvando las distancias) y Tour Tet.
El otro single potencial con un toque muy 'old school' es "Fair Weather Friends", pinchable entre Au Revoir Simone y The Go! Team. También destacan el patchwork de aires latinos con pianos salseros de "Get Off Your Hihats", una invitación al baile en toda regla que deja al Guincho por los suelos.
Otra de sus filias es el hip hop 'mainstream'. Desde Timbaland y Justin hasta el Miami brass. Parece que muchos temas -"Touchtone", "My Beau" y "You are the One"- están concebidos bajo esa premisa. Dentro de poco le veo produciendo para la crème de la crème temas con más calado y menos artificio.
Un disco divertido y sin dobleces que dará mucho juego en tantas maletas de DJ's como estilos musicales puedes contar con los dedos de las manos. Y seguro que te quedas corto.
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Shojiro Nishimi, Futoshi Higashide, Hiroshi Morioka, Yasuhiro Aoki, Toshiyuki Kubooka y Jong-Sik Nam
DC Universe
A la espera de la nueva película "The Dark Knight", la Warner Bros., a través de su filial dedicada a los superhéroes, DC Universe, acaba de lanzar un DVD que contiene una antología de seis cortos de animación donde se mezclan por primera vez las historias del hombre murciélago con la estética manga de los más prestigiosos estudios nipones.
Este DVD -ya que se comercializará directamente en este formato sin pasar por las salas de proyecciones- pertenece a una serie de historias actualizadas centradas en superhéroes, tras "Superman: Doomsday" y la mediocre "Justice League: The new frontier", se han anunciado sucesivos títulos sobre Batman y Superwoman.
Para la creación de los guiones de los cortometrajes han recurrido a los más prestigiosos guionistas americanos especializados en cómic, como Josh Olson, David Goyner, Brian Azzarello, Greg Rucka, Jordan Goldberg y Alan Burnett, que han ofrecido diversas visiones sobre Batman: la narración desde el punto de vista de un ciudadano de Gotham City, la creación del sistema anti-balas de su traje, la historia de dos detectives de la policía, la aparición de algunos de los villanos más extremos, la mentalización y la superación del hombre murciélago ante el dolor e incluso su lucha por mantener las constantes vitales -recordemos que este superhéroe no posee ningún superpoder especial, es un hombre de carne y hueso-.
La vulnerabilidad de Batman es la peculiaridad que le hace más interesante que otros superhéroes. Batman sangra; motivo más que suficiente para que los grandes estudios japoneses de anime disfruten llevándolo a situaciones extremas constantemente. Ya no solo el dolor físico, sino la guerra interna que constantemente presenta. Su carácter oscuro navega entre el odio y la necesidad de mantener el orden en una sociedad totalmente devastada.
La mezcla de estilos gráficos en las historias se debe a los diferentes estilos mangakas que sirven de sello a los estudios de animación. La participación de Madhouse, Studio 4°C -creadores de la película "The Animatrix"-, Production I.G. y Satoshi Kon dan una visión muy japonizada de la ciudad y los suburbios de Gotham. Una delicatessen altamente recomendable, tanto para los aficionados al anime como para los fans de los superhéroes clásicos.
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