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Galería Loft. Barcelona
Las fotos de Li Wei no dejan a nadie indiferente. Y quien haya residido en una gran ciudad, sobre todo con dificultades, sabe por qué. Las fotos del artista chino Li Wei (Hubei, 1970), aparte de despertar una gran curiosidad sobre la técnica que emplea, recrean los sentimientos habituales de la persona que llega a una gran urbe -como la ciudad de Beijing, contexto de la mayoría de las fotos-, y las situaciones desafortunadas que pueden suceder: no encontrar trabajo o estar expuesto continuamente al despido; soledad; pasar desapercibido entre el resto de la gente…
No en vano, Li Wei ha experimentado estos sentimientos cuando, con 20 años, se desplazó a vivir a Beijing para trabajar como pintor y realizar una multitud de pequeños trabajos, y también desarrollar su arte. Se encontró con una ciudad que despertaba tras largos años de comunismo. Fría, ingrata, ya que era imposible mantener un mismo trabajo o salir fácilmente adelante. Aún así, Li consiguió crear y aprovechar la paulatina apertura del gobierno chino a las nuevas manifestaciones artísticas.
La galería Loft Barcelona acoge, hasta finales de enero, la primera exposición del artista chino en España. Es una selección de fotografías que pertenecen a las series "Li Wei falls to…the earth, the car, etc.". Li inició el trabajo en 2002, que consiste en fotos del propio artista en las posiciones más inverosímiles, con la cabeza introducida en la tierra, en el agua o en un coche, con el cuerpo totalmente erguido y otras imágenes en las que vemos a Li en posición horizontal, suspendido en el aire o sujeto por un pie.
Así, en Loft Barcelona podemos encontrar "Ahead" (Hong Kong, 2006), foto en la que un ejecutivo occidental a bordo de un BMW lanza a un Li en ropa interior lejos de él, tal vez representando el modelo de trabajador de "usar y tirar" que debió encontrarse el artista en sus primeros años en Beijing. "Freedegree over 25th store" es una de sus obras más vertiginosas. En esta foto, un extraño tira a Li a propósito desde la azotea de un rascacielos. De nuevo, se ahonda en el sentimiento de despego, de la volatilidad de la vida y de la soledad que se puede llegar a sentir en el seno de una gran ciudad si no tienes en quién apoyarte.
Loft Barcelona forma parte de Espace Cultural Ample, un espacio ubicado en pleno centro de Barcelona que exhibe, sobre todo, obras de artistas contemporáneos chinos y europeos. Trabaja con la fotografía, la performance, la pintura y la escultura, desarrollando discursos estéticos y conceptuales que engloban nuevas visiones de la tradición perdida, el proceso de modernización, y la búsqueda de la propia identidad.
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Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles
Con tan solo una veintena de años, Emory Douglas fue ministro de Cultura del partido de los Panteras Negras. Los 'Black Panther' fueron uno de los grupos activistas más radicales que existieron en EEUU en el siglo pasado. Creado en 1966 -un año después del asesinato de Malcolm X- por Bobby Seale y Huey P. Newton en Oakland, California, sus objetivos eran, principalmente, acabar con la opresión ejercida sobre la comunidad negra, conseguir viviendas dignas, educación y pleno empleo.
Emory Douglas, antes de ser titular de Cultura, empezó a combatir las lacras que padecían los suyos a través de su arte. A finales de los 60 y principios de los 70 creó multitud de pósters y otros materiales de contenido político y reivindicativo. Era una manera más de concienciar a la comunidad negra, hacer una llamada a la resistencia y al cambio. Se trataba de un arte trabajado, fruto de la crítica y de las técnicas que aprendió en el City College de San Francisco. Aquí fue, además, el lugar en el que entró a formar parte de la segunda Unión de Estudiantes Negros que existía en EEUU.
Junto con sus compañeros, desarrolló un estilo muy particular y característico que puede observarse en la selección de 150 obras que ofrece el MOCA de Los Ángeles. Pósters en los que vemos a activistas de los Panteras Negras en poses desafiantes; madres que explican a sus hijos que han matado a su padre por la única razón de ser negro; caricaturas de los dirigentes estadounidenses, que predican su "discurso blanco" mientras la comunidad negra sufre hambre, paro y represión.
Según Douglas, era indispensable realizar estos dibujos en pósters, 'flyers' y periódicos, ya que, dado el elevado grado de analfabetismo, era la única manera de que llegara el mensaje. Así, el artista realizaba figuras de marcados bordes y sobrios colores con los que buscaba un fuerte impacto visual.
"Freedom", por ejemplo, es un póster en el que vemos a un Pantera Negra sosteniendo un fusil, con unas esposas rotas, símbolo de que a través del movimiento ha conseguido la libertad. Con obras así, Douglas intentaba combatir los bulos existentes en torno a los activistas negros, que eran tratados como simples delincuentes y criminales y eran perseguidos incluso por el FBI, hasta su disolución en 1980.
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Dominique a
Desde la aparición de su ultimo álbum de estudio, "L'horizon" editado en marzo de 2006, el músico francés Dominique Ané ha aprovechado su año y medio sabático para dar una nueva visión a su carrera musical. Si anteriormente tendía a presentar sus canciones en formato mínimo -es decir, utilizando tan solo guitarra, voz y efectos disparados en directo, como en el DVD "En solo aux bouffes du nord"-, durante los dos últimos años ha incorporado nuevos elementos a su banda de directo, formada por instrumentos clásicos como el oboe, la tuba o el violonchelo, que conviven tranquilamente con las distorsiones, samplers y baterías programadas.
Tras una primera gira "a modo de prueba" realizada en primavera del año pasado donde anunciaban este nuevo sonido, el proyecto se ha consolidado definitivamente. El resultado recibe el nombre de "Sur nos forces motrices" y aporta una nueva visión musical a algunos de sus conocidos éxitos. La actuación en directo gana muchísimos matices sonoros, la banda se presenta mucho más sólida que una formación de rock clásica y las canciones conservan la intensidad y la inmediatez original.
En la grabación se recuperan canciones de sus primeros discos y quedan fuera las más conocidas o las más recientes, adaptando "casi para discotecas" la primigenia "Le Courage des Oiseaux". 'Revisionan' la canción fetiche de los coleccionistas, "L'amour", completando instrumentalmente "La Mémoire Neuve", adaptado el aire rockero a "Tout Será Comme Avant" o recuperando el estilo de su amigo Yann Tiersen en "Le Commerce de l'Eau".
Al mismo tiempo, se anuncia para navidades una caja preparada para el mercado coleccionista que contiene 16 canciones grabadas durante diferentes fases de la vida musical de Dominique. "Les pons cardinaux" esta dividida en 4 cds, cada uno acompañado de una serie de dibujos realizados por el artista: Est (1981-1991), Ouest (1992-1995), Nord (2001-2004) y Sud (2005-2006).
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Anton Corbijn
En este caso, recomendaremos tan solo a regañadientes la primera película del fotógrafo holandés Anton Corbijn, llamada a ser la película europea del año tras ganar en la edición actual del festival de Cannes y obtener cinco premios en los British Independent Film Awards. A nuestro criterio, queda reducida a una especie de justificación de los hechos ocurridos en los últimos días de la vida de Ian Curtis -cantante de Joy Division-, según la visión de Debbie Woodruff -su viuda, a la vez coproductora de la película-, donde se nos muestra al protagonista como una estrella del rock que supuestamente (sic.) "nunca quiso serlo".
Y es que la película en sí, a pesar de remarcar que es una adaptación del libro "Touching from the distance", escrito por Deborah Woodruff, queda reducida a la definición de "un 'biopic' que narra simplemente la vida de Ian Curtis, no la de su grupo Joy Division o de la escena punk de Manchester", a nuestro modo de ver, no goza de la intensidad fílmica necesaria para aguantar este argumento durante hora y media. Al contrario que su predecesora "24 Hour Party People", del director Michael Winterbottom, que en la media hora inicial consigue introducirnos de manera mucho más efectiva y creíble en la vida de Ian y a la vez en la historia de la mítica banda mancuniana.
El film presenta a un Ian Curtis como un personaje totalmente esquivo y bipolar, trabajador de una oficina de empleo que en sus ratos libres se dedica a componer canciones o escribir poemas. Desea tener una banda de rock y un contrato discográfico, pero con pereza y miedo escénico. Es el perfecto padre de familia, seducido por una fan, exhausto de su carrera musical en el momento de empezar una gira americana con la que obtendrá -la realice o no- la fama mundial… toda la presión intenta justificar que este joven de 23 años acabe optando por el suicidio como única salida.
A pesar de la buena fotografía presente en el film -rodada sobre película de color, revelada en blanco y negro para obtener mayor contraste-, la ambientación y producción desmerece la película. La mayoría de planos ambientan un pseudo-Manchester desolado -no entendemos que dificultad a estas alturas puede presentar la utilización de extras para simplemente ambientar las localizaciones-, donde incluso el director, en algunos casos, prefiere recurrir al desenfoque para disimular las carencias de las localizaciones. Quizás, si la intención era homenajear al fallecido Curtis veinticinco años después, habría bastado con pararse en el documental "Under Review" realizado a modo de ejercicio recopilatorio de material de la banda por Christian Davies en 2006.
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Lluís Juncosa
Una de las líneas principales de actuación del Museo de Mallorca es la de dar a conocer el pasado, presente y futuro de la cultura en Mallorca. "Revòlvers-tenrum i membres fantasmes" es el título de la exposición del dibujante Lluís Juncosa (Palma, 1959) que estos días ha tenido lugar.
La exposición formada por proyecciones, dibujos, cuadernos y la ampliación digital de un trabajo realizado para el Priorat Centre d'Art se divide en dos espacios, el primero acoge la obra "si jo som plegs tu ets santa cecilia". Se trata de la proyección de un montaje audiovisual realizado por Jaume Caldentey a partir de los dibujos de Juncosa, la música corre a cargo de Pedro Servera, también conocido como Neuronameboide, pseudónimo que esconde a este artista sonoro.
El segundo espacio alberga varios trabajos, en concreto cuatro series de dibujos: "La cosa més calenta del món o els 777 errors", "Les nines", "Mouches/mosques" y "Le privilege du souris". La selección de las obras que forman la exposición es del propio artista, que ha dejado de lado la responsabilidad de dirigir al espectador para ofrecerle un recorrido libre a través de una obra que se ve abocada a la libre interpretación, expresando, eso sí, la capacidad de salirse de sus propios límites como en su momento hicieran Artaud o Michaux, en un ejercicio de intensidad gráfica nada común.
Las obras de Juncosa han sido expuestas tanto en la isla de Mallorca como en Barcelona. También ha expuesto en Estados Unidos, donde participó en la muestra colectiva 'Multiple World, and international survery of artist's book', ('The Atlanta College of Art Gallery'). También, ha colaborado con varias revistas y es autor de varias publicaciones como MUZAC (hoja de literatura ambiental, 1984); ACèFAL (caja con serigrafías, 1985); SPIRIT & MATTER (carpeta de serigrafías, 1986) e IN EXTREMIS (dibujos, con texto de Damià Alodio, 10.000 Humanos ediciones, 1989), entre otras.
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