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Centro cultural Sa Nostra, Palma
Es curioso ver en Mallorca un festival que, año tras año, ya no sólo sobreviva, sino que tenga una total aceptación entre el público, que goce de personalidad y carácter, o que incluso llegado al caso consiga crecer con plena salud. La oferta del festival Centremàtic se basa exclusivamente en apoyar propuestas musicales arriesgadas y, por qué no, consideradas artísticamente de vanguardia. Y eso es lo que le hace destacar por encima de otras iniciativas: la frescura, innovación, selección y riesgo -o no- fuera de los estándares. En este tercer año, el festival presenta una serie de conciertos que tendrán lugar los próximos tres meses bajo el nombre de Centremàtic de Butxaca. Traerán al Centro Cultural Sa Nostra algunas de las propuestas más innovadoras, experimentales y atrevidas que circulan en el panorama internacional. Centremàtic ha tocado el cielo, a partir de aquí, todo lo que resta son estrellas.
El 30 de enero, Nick Currie (Momus) abrirá esta serie de conciertos. Uno de los mayores exponentes del pop independiente inglés desde su lado más alternativo y 'outsider', siempre balanceándose entre la genialidad y la locura. Su carrera en solitario es tan amplia y extraña como su personalidad: los inicios ingleses, los éxitos en el mercado japonés, la invención de la folkotrónica, la creación de su sello Analogue Barroque; su época de reinterpretación de la música barroca y la época actual, en la que se ha convertido en un turista perpetuo. Armado de su laptop, pasa por un periodo de experimentación influenciado por la filosofía y la música country. Quedan avisados: es imprescindible conocer toda su trayectoria y ser fan acérrimo para poder disfrutar plenamente de sus directos... todo un genio.
El 13 de marzo será el turno de Mapstation, el proyecto personal del alemán Stefan Schneider, desde Düsseldorf, este conocido ex miembro de grupos como Kreider o To Rococcó Rot, ofrece una sesión centrada en el manejo de sintetizadores analógicos y la creación de oscilaciones, distorsiones y sonidos indescriptibles. Tomando como referencia la espontaneidad y el caos de la vida real, Schneider deja que sus máquinas tomen al azar la mayoría de las decisiones respecto a la composición musical.
Para acabar este primer ciclo Centremàtic de Butxaca, la noche del 10 de abril contaremos con una sesión de deconstrucción sonora digital a cargo del proyecto Música Charlista, que realizarán improvisaciones free-jazzísticas entre los laptops de Alex Under y Damián Schwartz, dos que los nombres más respetados de la música techno realizada en España.
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Akademie der Künste. Berlín
Algunos lo consideran como uno de los mejores festivales de arte y cultura digital de Europa. El Transmediale, que tiene lugar en la época más fría del año en Berlín, nació hace casi 20 años como un festival de vídeo arte, y desde entonces ha ido ampliando su programa con conferencias, exposiciones, performances y todo tipo de representaciones artísticas, fundamentalmente experimentales, dentro y fuera del propio festival.
En esta edición de 2007 intervienen unos 160 participantes de diferentes países, pero sobre todo abundan artistas alemanes, japoneses y de Europa del Este, aunque también acudirán de Estados Unidos, los países escandinavos, Reino Unido, o México, entre otros.
Escogidos al azar: el compositor francés Pierre Bastien inició su carrera colaborando en la Orquesta Bel Canto de Pascal Comelade, al mismo tiempo que comenzó a construir instrumentos a partir de automatismos de piezas de mecano activadas por electromotores. Su último trabajo es Pop (2005), elegantes melodías que muestran su simpatía por la música pop, cercanas a la música electrónica y creadas a partir de los instrumentos que él mismo ha fabricado.
Una de las pocas propuestas españolas que se presentarán en el Transmediale, es la de la Fiambrera Obrera, un colectivo activista madrileño que dará a conocer "Bordergame", un juego 'open-source' que ofrece la posibilidad a jóvenes de todo el mundo de introducir imágenes del entorno en el que viven con el objetivo de hacer un análisis crítico y descubrir los diversos conflictos sociales. Por el momento, los miembros de la Fiambrera han realizado tres versiones, Lavapiés, Figueres y Rifgames.
Yuen Yan Ting y Jan Vorwerk ofrecerán otra de las iniciativas basadas en la crítica, "The Great Firewall of China". Se trata de una producción fílmica sobre una web que permite navegar por la red desde la perspectiva de un usuario chino. El gobierno de esta República Popular bloquea el acceso a numerosas páginas, como las que tratan la democracia o la sexualidad, a pesar de los esfuerzos de empresas como Google, que pretenden establecer acuerdos con el ejecutivo chino para traducir webs y abrirse definitivamente a la red.
De entre las conferencias que se impartirán, destacar la mesa redonda "Whatever happened to Tactical Media?", una discusión sobre si las herramientas 'online' para compartir archivos pueden ofrecer nuevas identidades culturales y provocar el diálogo y la crítica. Esto es sólo una pincelada de todo lo que ofrece el Transmediale, una cita que este año no se escapa.
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Florian Henckel von Donnersmack
Una de las cintas con más opciones para ganar el Óscar en la presente edición en la categoría de habla no inglesa es la que presenta el novel director Florian Henckel von Donnersmack con su primer filme. Cansado de realizar cortometrajes, Florian abandonó la escuela de cine de Munich en 2001 dejando la carrera inacabada y empezó a trabajar por su cuenta en el proyecto "Das leben der anderen". Irónicamente, el año pasado, cuando la película finalizó y empezó a obtener grandes críticas y los primeros premios en festivales, recibió el diploma de graduación de la escuela como premio por su trabajo realizado.
La película está ambientada en Berlín Este, cinco años antes de la caída del muro. La Stasi (servicio secreto de información de la parte comunista) mantiene un duro control sobre los ciudadanos intentando mantener el poder del partido único. Fuerza a la gente, a través de un duro sistema de vigilancia, a esconder las opiniones personales y eliminar cualquier tipo de pensamiento alejado del Partido. Cualquier intento de expresión no permitida será considerado un acto delictivo. Uno de los agentes más brillantes de la Stasi, Gerd Wiesler, recibe una orden directa del ministro de Cultura, la misión de vigilancia e investigación de una pareja sospechosa: el autor teatral Greog Dreyman y su compañera, la actriz Christa-Maria Sieland.
El agente, con su férrea inmersión en la vida de la pareja, va descubriendo un nuevo mundo hasta ahora inalcanzable para un fiel militante del partido: la literatura, la cultura, el pensamiento, la libre expresión, el amor... hecho que le lleva a replantearse su propia existencia.
La película parte de una producción bastante modesta, lo que en algunos momentos denota una justa ambientación, pero lejos de mermar la película, refuerza la interpretación de los personajes, que a través del desarrollo de la historia y con una muy buena iluminación, consigue reflejar el ambiente gris que se vivía en la parte democrática a finales de la década de los ochenta.
Alemania esta viviendo un momento de esplendor dentro del panorama del cine mundial, tras la proyección internacional obtenidoa por el éxito de "Goodbye Lenin", están apareciendo un interesante número de directores noveles. El hecho de tener a Florian Heckel, ganador del premio a la Mejor Película de cine europeo y nominado a premios tan importantes como los Globos de Oro o los Óscar, lo demuestra.
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Herman Düne
Su anterior álbum, "Not On Top", ya mostraba a una banda en una nueva dirección: un grupo que afinaba su 'cumbayá' de baja fidelidad para dotarlo de un sentido bastante particular de lo que supone hacer folk en el siglo XXI. Porque Herman Düne, pese a ser un grupo formado por tres hermanos vegetarianos medio suecos, medio suizos, son un grupo de folk al más puro estilo americano, capaz de colgarse cualquier epílogo a la espalda, desde urbano a bucólico.
Este álbum, "Giant", es su quinto trabajo, siempre que no tengamos en cuenta las innumerables maquetas en formato cdr que suelen vender en sus conciertos, -dicen que cuentan con más de 400 canciones en su repertorio-. Este disco supone un punto de inflexión en la banda. André (guitarra rítmica y compositor) deja la banda para dedicarse a la creación de un nuevo proyecto en solitario. El resto del grupo cuenta por primera vez con la supervisión de un productor para la grabación del disco y de un sello internacional que apoyará su campaña a nivel mundial. Se les viene encima la profesionalización obligada, ya que se esmeran más que nunca en los arreglos, especialmente en las partes vocales -para lo que han contado con el acompañamiento de las voces femeninas The Woo Woos-.
Como grupo influenciado por el llamado estilo 'antifolk' poseen una habitual sensibilidad y genio para componer estas canciones y convertirlas en humildes y divertidas gemas pop, conservando siempre un ligero toque de crudeza abrasiva y carga política a medio camino entre el lo-fi universitario y la tradición folk americana. David-Ivar y Nerman Herman Düne han realizado uno de los discos del año.
Una delicia desde la inicial "I Wish That I Could See You Soon" a "Mrs. Bigger", sin dejar de recordar a personajes tan dispares como Paul Simon, Ottis Redding, Tim Harding o el omnipresente Jonathan Ritchman. Con éste último comparten ese espíritu de cronistas 'outsiders'. Toman sus propias experiencias como eje de un álbum fascinante, por lo cercano y disfrutable, y combinan historias de viajes, amores lejanos, agridulces retratos y un particular sentido del humor en la mejor tradición de los trovadores contemporáneos. Todo ello sin abandonar el espíritu 'hippy' y humano del que Herman Düne ha hecho su manera de vivir. "Giant" como obra, es un pequeño gigante, definitivamente.
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Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC)
Alberto Caeiro fue uno de los heterónimos con los que Fernando Pessoa gestó su espléndida obra. Uno de los versos de esta voz sincera y profundamente pragmática, revelaba lo siguiente: "El mundo no se hizo para pensar en él, (pensar es estar enfermo de los ojos), sino para mirar hacia él y estar de acuerdo…". Estas palabras describen muy bien la actitud estética de Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937). Fotógrafo que llega a Barcelona en 1976, dejando atrás el ambiente cada vez más violento que se respiraba en su Argentina natal. Por aquel entonces la fotografía no gozaba de la enorme difusión de la que disfruta en nuestros días. Al contrario, tan sólo se accedía a ella a través de contados espacios especializados.
Para muchos, la aparición de Humberto Rivas significó todo un acontecimiento. Hay que recordar que es en aquel momento de transición política en el que entró en crisis el grupo aglutinado alrededor de la revista Nueva Lente, publicación vanguardista creada por Pablo Pérez Minguez y Carlos Serrano en julio de 1971.
Desde su llegada a Barcelona se empieza a relacionar con los protagonistas de la escena fotográfica catalana. Fotógrafos como Xavier Miserachs, Joan Fontcuberta, Pere Formiguera, Manel Esclusa, entre otros miembros de la generación de los años 70, le convierten en su referente. Su propuesta fotográfica nace fundamentalmente de la admiración por las obras de Sander, Stieglitz y Atget. Rivas promueve un respeto absoluto por la representación pura y directa de la realidad, siempre entendiéndola como un elemento a enriquecer a través de la imagen. Ahí queda su declaración de sentirse voluntariamente incapaz de ser objetivo ante un paisaje o un retrato.
Las imágenes que crea Humberto Rivas son de una desnudez imponente, carentes de cualquier banalidad que pueda distraer la mirada de lo que se nos desvela. Son el fruto de una lucha, como a él le gusta relatar el hecho fotográfico, entre el sujeto que va a ser retratado y el fotógrafo. La fotografía gana siempre que el fotógrafo logra extraer lo esencial de aquello que tiene frente al objetivo, sabiendo en todo momento que es precisamente el tiempo quien acaba devorando a sus hijos.
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The Photographer's Gallery. Londres/ Huis Marseille. Amsterdam
Un proyecto auténtico, impecable, personal y humano. Es como se puede calificar el trabajo fotográfico que Bert Teunissen (Ruurlo, Holanda, 1959) ha estado realizando en los últimos diez años. Una selección de unas 200 instantáneas de los habitantes de los hogares más humildes de ocho países europeos y Japón. Precisamente estos días se exponen simultáneamente en la galería The Photographer, de Londres y en la galería Huis Marseille de Ámsterdam.
"Paisajes domésticos" comenzó hace diez años en el sur de Bordeaux (Francia), que es también el lugar donde finalizó hace escasos días -el mismo 30 de diciembre-. Teunissen quería inmortalizar el interior de hogares parecidos al suyo, es decir, casas que datan del siglo XIX, pre-llegada de la luz eléctrica y con una atmósfera modesta. De hecho, la gran mayoría de fotografías tienen en común la sobriedad, las cocinas a carbón, las mesas desnudas, los mayores solitarios, los armarios setenteros, las chimeneas, el desorden propio de quien posee escasos muebles.
Es realmente sorprendente que hogares de Holanda, Francia, Portugal, Bélgica, Alemania, Reino Unido, España, Italia y Japón puedan ser tan parecidos. Es obvio que en los países del sur el fotógrafo no ha tenido muchas dificultades para encontrar casas muy humildes. A saber: la Galicia profunda de los agricultores cuyas casas ni siquiera tienen baldosas en el suelo; Portugal, país del que Teunissen explica fue muy bien recibido o una Italia del sur profunda, austera, dominada por la religión y la tradición. Sin embargo, más al norte y en Japón también existe la humildad, quizás con algo más de recursos.
Pero lo que más llama la atención de este trabajo es la fuerza de las fotografías, en las que resaltan las miradas sosegadas y amigables de los retratados, el color de los interiores, la luz natural y el realismo de las imágenes. Ciertamente, se puede palpar que Teunissen "sorprendía" literalmente a los habitantes de esos pueblecitos. Acompañado de un traductor, explicaba en qué consistía su proyecto y tal cual iban vestidos y peinados posaban para él en el salón, la cocina o en el dormitorio. El desorden que, la mayoría de las veces reina en la habitación, transmite ese "efecto sorpresa".
No cabe duda de que el trabajo de Bert Teunissen es una "encuesta sociológica" de campo más que interesante y que además encierra el toque artístico que sólo la mano del fotógrafo es capaz de imprimir.
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Museum Ludwig, Colonia, Alemania
A finales de mes concluirá la exposición "Samurai's tree invariant" del mexicano Gabriel Orozco, y con ella la segunda edición del premio BlueOrange. Estos premios bianuales han sido creados por la Cooperativa de Bancos Alemanes y se han convertido en uno de los más prestigiosos y mejor pagados en todo el mundo, con una dotación actual de 77.000 euros. Una parte de este premio, 7.000 euros, debe ser cedida a un artista emergente elegido por el ganador como apoyo a los artistas jóvenes, y este año, Orozco ha elegido a Emmanuel Van der Meulen (1972, París) como beneficiario del premio.
"Samurai's tree invariant" consta de una selección de 672 impresiones digitales desarrolladas teniendo en cuenta el espacio que abarca la exposición en el museo Ludwig. La obra parte como una adaptación tridimensional de una versión primigenia generada a través de una animación digital. Las imágenes llenan por completo las paredes de la sala principal del museo en una superficie de 16x18 metros sobre una altura de 9 metros.
Ninguna de las 672 hojas impresas se parece a la otra. Todas muestran los mismos sujetos geométricos pintados de colores amarillos, rojos y azules, pero con diferentes distribuciones. En su conjunto, los círculos parecen "imágenes instantáneas del movimiento del caballo" en el tablero de ajedrez. Orozco profundiza más: "Esta obra tiene que ver con la idea de tomar decisiones, con la idea del crecimiento de un árbol, del mismo modo, la ley del samurai para sobrevivir en la guerra dice que debes esperar 30 días antes de tomar una decisión importante y luego seguirla sin cambiarla". Los desarrollos visuales estimulan el concepto de fractalidad, dando así un nuevo paso dentro de la obra de Orozco siempre influenciada por la simetría y el juego.
De igual manera Orozco presenta, hasta el 25 de Febrero y en el Museo del Palacio de Bellas Artes de México, una exposición multidisciplinar con 140 de sus obras. Sus trabajos en escultura, fotografía o instalaciones se basan en la selección de materiales precarios y elementos básicos de la naturaleza (llantas, piedras, ladrillos, ramas, etc.) para modificarlos, recontextualizarlos y reutilizarlos como nueva expresión hacia lo sublime, a pesar de que Orozco sea un defensor de la idea de que la "monumentalidad" de una obra no debe estar ligada al tamaño de la misma.
Durante sus casi 30 años de carrera, algunas de sus obras, más que la reflexión, han levantado la polémica -la "Caja de zapatos vacía" en la Bienal de Venecia, El "Esqueleto de ballena" en la White Cube de Londres, entre otras-. Gracias a algunas de ellas, está llamado convertirse en uno de los artistas contemporáneos más influyentes de la década.
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