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Museo Metropolitano de Nueva York
El Museo Metropolitano de Nueva York (Met) acoge, estos días y hasta mediados de febrero, la primera exposición de su historia de obras de artistas alemanes realizadas en la década de los años 20. Concretamente, son autorretratos y retratos de personajes de los primeros años de la República de Weimar (1919-1933), de la corriente pictórica realista conocida como 'Nuevo Objetivismo', dentro de la rama del 'Verismo'.
Artistas como Max Beckmann, Otto Dix o George Grosz muestran, con sus obras, la Alemania posterior a la I Guerra Mundial. Un país en reconstrucción, de sociedad frágil, en el que la inflación, la crisis económica y el recuerdo de una época anterior mejor marcaban el día a día en la calle. Este entorno negativo provocó, sin embargo, un florecimiento de la ciencia, el arte y la cultura. Fueron unos "dorados años veinte" que se extendieron hasta el declive de la República.
De las obras que se pueden ver en esta exposición, en la que dominan los tonos grises y oscuros, se desprende que los artistas se movían por ambientes decadentes, casi tétricos, a veces corrompidos. Así, en "El Salón I", de Otto Dix, vemos a cuatro prostitutas viejas esperando clientes en unas poses esperpénticas. Asimismo, "Margot" (Rudolf Schlichter, 1924), es una prostituta bastante desaliñada que está haciendo la calle en una pose en la que denota estar de vuelta de todo, aunque con cierto aire de recuerdo de otros tiempos.
También hay sitio, en esta muestra, para la crítica. Por ejemplo, a la nueva sociedad de la posguerra, la sociedad de clases. "Día gris" (George Grosz, 1921) retrata a un obrero sin cara ni identidad, un militar olvidado y un trabajador liberal en primer plano que seguramente ha obtenido beneficios de la reconstrucción del país. Detalles, como un paquete de cigarros Camel junto a Sonja, una mujer desesperanzada, también desvelan una crítica oculta a la influencia norteamericana.
No faltan, cómo no, los autorretratos de los propios artistas, como el surrealista Max Beckmann con un vaso de champán (1919), un realista George Grosz junto a un poste publicitario, o un Christian Schad con una extraña camisa transparente acompañado por una prostituta en pose muy sugerente. En resumen, una exposición fiel a la época que refleja, e indispensable para conocer de cerca la Alemania de estos años convulsos.
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Gary Hill
Fundació Joan March, Palma
La producción artística de imágenes videográficas ha llegado en la actualidad a un punto de saturación máxima: instalaciones multimedia; perfomances en diferido; vídeo bajo cualquier excusa encubierta…, pero todo eso no es nuevo, viene de lejos.
Dos exposiciones que tienen lugar de forma simultánea vienen a oxigenar el panorama para recordarnos el pasado más inmediato del arte contemporáneo y situarnos en los orígenes de la utilización de la televisión y el vídeo como soporte y lenguaje artístico, repasando de esta manera la historia reciente de la vídeocreación.
"Television contains sound, television contains space, television contains image…" reza una de las obras de Gary Hill, algo tan ficticio y redundante como la recreación de la realidad que está pasando en tiempo real, mientras el propio artista nos habla desde un aparato de televisión.
"Imatges de Llum" nos muestra una serie de obras de la primera de etapa, a finales de los 70, de Gary Hill. Son construcciones imagen/sonido básicamente estáticas, sencillas y unidireccionales, aunque muy efectivas. En algunas de ellas la relación palabra/imagen electrónica es directa. El artista explora fenómenos de ámbito lingüístico y una supuesta correspondencia material en el ámbito de lo electrónico. Hill sería hoy como los juegos del Commodore 64 sin desmerecer al lado de la nueva Play Station, y su obra se encuentra recogida como 'pionera' en los principales cuerpos teóricos que hacen referencia a la creación videográfica.
"Primera generación. Arte e imagen en movimiento. 1963 -1986", es la exposición que propone el MNCARS con acertado tono didáctico. Como bien indica su nombre, recoge la aportación de una primera generación de vídeo artistas internacionales. La mayoría de obras forman parte del fondo de la colección del propio museo.
La muestra se abre y también culmina con obra de Paik, junto a la de Vostell. Se puede intuir que el recorrido por esos prehistóricos caminos del vídeo y la televisión no es cronológico. Se trazan los senderos primigenios y las direcciones que abrieron, marcaron y siguieron artistas como Bruce Nauman, Ana Mendieta o Bill Viola, entre otros muchos dentro del campo del arte de género o la inclusión del cuerpo, el lenguaje textual y la palabra junto a la obra de vídeo o formando parte de ella. Una necesaria mirada hacia atrás para poder seguir mirando hacia adelante.
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Aki Kaurismaki
En las próximas semanas llegarán a nuestra cartelera dos películas que acapararon la atención de la crítica en la última edición del festival de cine de Cannes. Por un lado, la decepcionante "Marie Antoinette", de Sofia Coppola, mientras que, en el mejor de los casos, las salas más alternativas de nuestra ciudad estrenarán de una manera más discreta "Laitakaupungin valot", la última película del director Aki Kaurismaki.
Y es con esta película con la que el director da por terminada su "Trilogía de los perdedores". En ella ha abordado distintos puntos de vista de la realidad de la sociedad finlandesa. La primera película de esta serie, "Drifting clouds" (1996) se centró en el problema del desempleo, mientras que en el año 2002 "The man without past" abordó el problema de la carencia de hogar.
En "Laitakaupungin valot", que está inspirada en "Luces de Ciudad" de Chaplin, lleva casi hasta el surrealismo -como de costumbre en toda su obra- la visión del problema de la soledad y del hundimiento personal.
Kaurismaki sigue fiel a su estética y estilo narrativo, recurriendo al exceso de austeridad interpretativa en todos sus personajes, con reacciones casi surrealistas. Utiliza una fotografía espléndida de Timo Salminen, su operador desde hace 25 años, que retrata perfectamente la intensidad de los colores y el uso de la luz sobre los decorados. En ellos combina, por enésima vez, el 'kitch' a medio camino de la estética 'rocabilly' americana de los años 50 con el modernismo soviético.
El director se recrea con constantes guiños irónicos: despista el teléfono móvil del protagonista, un modelo de hace casi una década, puesto que Finlandia es una de las principales productoras mundiales de este tipo de teléfonos; la mayoría de los personajes no paran de fumar en todas las localizaciones en plena ley antitabaco.
El guión es bastante directo, un empleado de una empresa de seguridad, totalmente anónimo y aislado de la sociedad, conoce a una joven atractiva que pretende conseguir sus claves de acceso para robar en un centro comercial. Nuestro protagonista, que es totalmente consciente de la situación, permite la traición y presenta una lealtad a la joven que le llevará a la cárcel y después a lo más bajo de la sociedad. Aún así, siempre quedara un pequeño espacio para la esperanza de alcanzar una situación mejor.
Aki Kaurismaki sigue siendo personal y polémico. Después de que su largometraje haya sido nominado como mejor película en el festival de Cannes y en el European Film Awards, ha desechado representar a Finlandia dentro de las nominaciones para los Oscar Awards en señal de rechazo a la política del gobierno de George Bush.
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Single
Elefant Records
Es necesario, antes de hablar de este disco, tener una leve idea de la trayectoria de los dos miembros que componen Single. Es el esperado proyecto de Teresa Iturrioz junto a Ibon Errazkin, ayudante en la composición, grabación y producción. Podríamos describir a este grupo como la evolución del sonido y de las bases de sus dos anteriores carreras musicales: Aventuras de Kirlian -cuando apenas eran unos jóvenes sin apenas formación musical- y durante la década de los 90 como Le Mans -banda "de culto" que compartía por igual su devoción por Vainica Doble, la Motown y el catalogo de Cherry Red-.
Nueve años después de la separación de los precursores del Donosti Pop -etiqueta de la que siempre renegaron-, vuelve a reunirse la parte más activa/creativa del grupo: las composiciones de Teresa, junto con los arreglos de Ibon, crean un collage multicolor y utilizan de una manera totalmente diferente la técnica del sampler y de la experimentación.
La construcción de las canciones sigue básicamente los estándares de la música pop. Sin embargo, al mismo tiempo, las canciones están influenciadas, indistintamente y de manera desenfadada, por un sinfín de estilos diversos, desde el 'R&B' al 'hip-hop', del 'easy listening' al reggae, del country al soul.
El resultado son canciones clásicas realizadas sobre ritmos quebrados, atonalidades y disonancias que suenan un tanto extrañas pero que son capaces de ofrecer un sonido original, innovador y a la par homogéneo, donde hay cabida por igual para una intro raggamuffin del mc japonés Rootseeker o una adaptación folk de un clásico del dúo flamenco Lole y Manuel.
Si la nostalgia predominaba en las canciones grabadas bajo el nombre de Le mans, en el caso de Single las grabaciones suenan mucho más desenfadadas, directas, cordiales y positivas, canciones como "Quiero estar contigo", "Llévame a dormir" o "Costilla de Adán". Debemos aprender la lección: lo más importante de esta vida, es sencillamente vivirla. Sólo falta esperar a ver cómo envejece este trabajo, de momento podemos garantizar que aparecerá entre las listas de lo más destacado del año.
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Gustave Moreau
Instituto de Cultura Fundación MAPFRE. Madrid
La obra de Gustave Moreau (París 1826-1898) fue una de las precursoras del 'simbolismo', un estilo heterogéneo definido por Jean Moréas en "Un manifeste littéraire". De entre las muchas virtudes de este estilo cabe destacar la entrega de sus valedores a una suerte de sinestesia, mediante la que pretendían encontrar las correspondencias entre el mundo sensible y el mundo espiritual.
Moreau a menudo se ganó los cumplidos de los literatos de su época, no en cambio los de la crítica pictórica, que lo disminuyó a la categoría de pintor anacrónico. Su pintura ha despertado tantas pasiones como rechazos, para algunos ha sido uno de los paradigmas de la modernidad. Basando esta afirmación en el interés del pintor por el proceso pictórico, Moreau se servía de infinidad de estudios a la hora de desarrollar un tema. En ocasiones se ha querido ver en sus esbozos a uno de los puntales de los inicios de la abstracción, como lo fue en el caso de la exposición "Aux Origines de l'Abstraction" del Museé d'Orsay.
La exposición "Sueños de Oriente", que se ha llevado a cabo gracias a la colaboración del Musée National Gustave Moreau de París, se centra en la mirada de Moreau en torno a Oriente, presentando más de 150 objetos entre los que se pueden encontrar dibujos, pasteles, acuarelas, y pinturas. Así como varios documentos personales, aunque se echa en falta la presencia de obras mayores.
Sirva como introducción a la obra preciosista y minuciosa de este pintor. Trabajaba las composiciones durante periodos de tiempo excepcionales, todo ello, siempre, en favor de alcanzar la adecuada dicción de su pintura. Este es un hecho que contrasta a menudo con la urgencia de la vanguardia que en aquel momento encabezaba el movimiento impresionista.
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exibart.tv
La plataforma Exibart es uno de los proyectos de difusión cultural más amplios y ambiciosos de Italia, y, como sus creadores sostienen, el único proyecto multiplataforma del panorama cultural del país. Muestra evidente de esta afirmación es el nuevo servicio que ha incorporado el proyecto dirigido por Massimiliano Tonelli, Exibart TV, una manera más de conocer las exposiciones de arte recién inauguradas o las vídeo creaciones de los artistas.
La tercera edición de la feria KunStart de Bolzano, la exposición de la Fundación Sandretto de Torino -que muestra arte de China, Japón y Corea-, son algunos de los vídeos, de entre tres y cinco minutos, que pueden verse en Exibart TV. A pesar de la modestia de los recursos -este canal por Internet no puede compararse, por ejemplo, a la también recientemente creada Current TV de Al Gore, con un gran despliegue de medios-. Se muestran vídeos de una calidad aceptable, inteligibles, que consiguen que el usuario se entere en pocos minutos del contenido de la muestra, y con un trabajo de montaje acorde con el ritmo de la exposición.
En cuanto a las vídeo creaciones, aún no se han incluido muchas en la web, aunque podemos destacar las piezas de Marco di Noia, "Il Cortile alle 17.30" (2005), una excelente creación sobre la naturaleza en un patio o "Mia nonna è un violino", de Benedetto Piazza (2004) -con un gran trabajo en la iluminación-. En cambio, "War TM" (2003), de Michele Aquila y "Bananarossa" (2004), de Paolo Zucca, aunque más sencillos, transmiten mensajes de crítica en poco más de un minuto.
Exibart nació en Internet en 1996, pero ha sido su edición en papel, surgida en 2002, la que ha multiplicado la difusión de esta plataforma para el arte italiano, desde las artes visuales hasta el cómic pasando por arquitectura, diseño, música electrónica, teatro, net art, nuevos espacios expositivos… y cuenta, además, con otros servicios de difusión, aparte del papel: un newsletter, radio avisos de móvil, podcasting. Realmente vale la pena la visita a esta multiplataforma para los que gustan de estar informados de todo lo que ocurre en temas de arte.
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13 Newsletter · fundado en
Enero de 2004
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