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Porter Gallery. National Portrait Gallery
La Porter es una de las tres galerías que se encarga del programa de exposiciones temporales de la National Portrait Gallery (NPG), que alberga a su vez la mayor colección de retratos del mundo, incluyendo a personajes celebres británicos que han hecho historia desde la edad media hasta la actualidad.
'Icons and Idols' se constituye básicamente de retratos contemporáneos, centrándose en obras realizadas dentro de los últimos 25 años. Son aproximadamente unos 130 los retratos comisariados, que comprenden desde el Príncipe Carlos a David Beckham. Algunos están realizados sobre lienzo, otros en esculturas y un gran número de ellos a través de fotografía. Esta exposición, desde su reciente apertura, ya ha atraído un gran interés público, consiguiendo realizar una doble tarea: interesar al visitante por la historia británica y a la vez generar un interés por la evolución de las técnicas de retrato.
Y es que las obras expuestas no tan solo son elegidas por la condición del personaje a retratar, sino que se valora más la técnica utilizada, el estudio de cómo ha sido formulada la imagen, el realismo y la interacción entre la obra y el visitante. Esta exposición mezcla trabajos de la colección del museo junto con una nueva serie realizada por artistas y fotógrafos contemporáneos.
Acompañando a esta exposición y conmemorando el 150 aniversario de la NPG, se ha editado 'The portrait now', un libro donde se presentan 90 de los considerados mejores retratos del mundo, incluyendo trabajos recientes de artistas aclamados internacionalmente. En este libro destaca la súplica por la continuación de la representación de la cara humana, en una era en la que las nuevas técnicas están altamente informatizadas y producen nuevos progresos y lenguajes; una era en la que el retrato se está desvirtuando a través de una nueva reinvención de la imagen procesada. Cada retrato está acompañado de un texto y una biografía del artista, entre los que destacan Julian Opie, Darvish Fakhr, Tracey Emin, Jenny Saville, Zwelethu Mthethwa, o los fotógrafos Juergen Teller, Wollfgang Tillmans o Bettina von Zwehl, entre otros.
El retrato fotográfico ya esta totalmente aceptado dentro del mundo del arte y en la mayoría de las veces presenta la parte más sincera y emotiva de la gente que nos rodea.
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The New Yorker. Marzo 2006
La revista The New Yorker ha incluido, en su último número, un relato corto del escritor Erri de Luca (Nápoles, 1950). 'La zanja' nos acerca a los pensamientos de un obrero italiano que durante dos semanas tiene que cavar una zanja en una calle de París en búsqueda de una tubería de aguas residuales. Se halla bajo las órdenes de un jefe malhumorado y déspota al que no le importa que sus empleados arriesguen sus vidas en la obra.
Desde luego, este es un hecho cotidiano en cualquier ciudad. Aparecen zanjas por doquier; y junto a ellas a veces pensamos "¿Otra vez abren la calle?". Tras el pico y en las profundidades trabaja una persona que, como el protagonista, quizás se plantee el sentido de su trabajo.
De Luca, que fue albañil, obrero de la Fiat, camionero y mozo de almacén a lo largo de 20 años, retrata, con un estilo directo y un lenguaje sencillo, la alienación obrera. También aprovecha para denunciar, en primera persona, el riesgo que corren muchos trabajadores en el día a día y la felicidad que sienten cuando han finalizado la tarea; en este caso, encontrar la tubería pestilente: "Quizás llegue a nuestras vidas el día en el que estemos contentos de oler mierda".
Erri de Luca ha sido, hasta hace poco, militante activo de la extrema izquierda italiana; articulista en el diario comunista 'Il Manifesto' y miembro de la organización 'Lotta Continua'. Fue, sin embargo, un teleadicto hasta que decidió sumergirse en la lectura para salvar, aunque fuera, una pequeña parte de su jornada.
Ediciones Siruela el pasado año editó en castellano la obra 'El contrario de uno', una recopilación de 18 cuentos y un poema que se basan en la experiencia vital de este autor comprometido. Es el sexto libro que se publica en nuestro país, después de 'Tres caballos' (Akal, 2002); 'Tú, mío' (Muchnik, 2000) o 'Aquí no, ahora no' (Akal 2000).
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Sibylle Baier
Orange Twin Records
Sibylle Baier grabó 'Colour Green' a principios de los 70 de forma casera. Era costurera, pero también pintora y bailarina. Únicamente acompañada de su guitarra, esperaba a que todo el mundo se durmiera para grabar los temas que ahora publica Orange Twin, una colección de turbadora belleza que se había convertido en el secreto más bien guardado del folk alemán hasta que el hijo de Baier decidió enviar una copia de lo que había grabado su madre a J. Mascis, de Dinosaur Jr.
'Colour Green' es un disco donde los sentimientos se formulan de forma espartana, con una sintaxis simple y repetitiva realzada por una voz luminosa sobre el fondo sepia de la foto general. En temas como 'I Lost Something in the Hill', esa voz se alza hasta el infinito o se escurre entre la nostalgia de 'Remember the Day', el primero de los temas que grabó después de viajar con una amiga a los Alpes. Las canciones de Baier son dulces y tristes y retratan las pequeñas tragedias del día a día con tal simplicidad, que acabas con el alma en un puño.
'Colour Green' fue el único disco que grabó. Decidió reservar su música para sus allegados y dedicarse a la familia, renunciando a todo. Baier podría haber escrito su nombre junto al de Nico o Vashti Bunyan, pero su música sólo circuló a través de cassette hasta llegar a las manos de Mascis, que lo dio a conocer al mundo. Ahora sus grabaciones salen editadas por Orange Twin, otra parada en la ristra de particularidades de este disco: se trata del sello dirigido por Elf Power para recaudar fondos para la preservación de la naturaleza y el desarrollo sostenible.
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'Retinas en Casablanca', Barcelona
Dentro del ciclo organizado por retinas.org llega este curioso estreno, "de un solo día", de una de las películas británicas más interesantes del pasado año, ganadora del Alexander Korda Award de 2005, premio que se otorga a la mejor película británica dentro de los BAFTA y basado en el libro homónimo de Helen Cross.
Ambientada en Yorskhire, 'My Summer of Love' narra la historia de dos adolescentes que pasan juntas un largo y caluroso verano. Mona es una chica dura, de clase baja, cuya mordaz coraza de cara al exterior esconde una inteligencia poco aprovechada y un intenso deseo de llenar el vacío de su vida. Por el contrario, Tamsin está bien educada, es cínica y mimada pero es incapaz de amar.
Se produce un encuentro entre dos mundos completamente distintos, el mundo obrero de Mona frente al mundo marcado por el privilegio en el que vive Tasmin. Al principio, las culturas, caracteres y educaciones opuestas de las protagonistas las llevan a no entenderse. Pero, poco a poco, ante un largo verano, esas diferencias las conducen a una atracción y fascinación mutuas. A esta mezcla explosiva tenemos que añadir el personaje del hermano de Mona, Phil, quien tras un turbulento pasado ha encontrado el amor divino, que espera les salve, a él y a su hermana, de la situación en la que se encuentran.
El director de origen polaco, Pawel Pawlikowski, presenta, en su octavo largometraje -tercero si no contamos las documentales-, una sucesión de metáforas y símbolos, de sensualidad, destacando la importancia de la religión dentro de la trama. Filmada en 35 mm, tiene una fotografía que resalta enormemente la belleza de los paisajes y las costumbres de la sociedad británica. Un guión perfecto y los diálogos llenos de poesía, acompañan a las escenas, llenas de sensualidad. Es una película sublime e impredecible, de alto contenido filosófico y cargada de crítica social.
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Círculo de Bellas Artes. Madrid
Si el 15 de febrero se abría el ciclo 'Poesía española contemporánea' en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con un recital de Diego Jesús Jiménez y Eduardo Moga, este mes se inaugura, en el mismo centro y coordinado igualmente por el poeta, crítico y ensayista Jordi Doce (Gijón, 1967), el ciclo 'Poesía en traducción'. El primer programa prosigue este 15 de marzo con el poeta "veterano" César Antonio Molina (1952) y con el "joven" Vicente Valero (1963), en la sala Valle-Inclán. El segundo se inicia el día 16 en la sala María Zambrano, con la conferencia 'El lugar de la traducción en la poesía española reciente', de Miguel Gallego Roca. El ciclo, de periodicidad mensual a excepción del paréntesis veraniego, incluirá dos conferencias centradas en los aspectos generales de la traducción de poesía contemporánea y ocho lecturas comentadas de traductores acerca de su propio trabajo.
El protagonista de la primera sesión, Miguel Gallego Roca (Granada, 1964), es profesor de literatura española e hispanoamericana en la Universidad de Almería y, entre otros trabajos como teórico e historiador de la traducción literaria, es autor de 'Traducción y literatura'.'Los estudios literarios ante las obras traducidas' (Madrid: Júcar, 1994) y 'Poesía importada'. 'Traducción poética y renovación literaria en España, 1909-1936' (Almería: Universidad, 1996).
En otras sesiones intervendrán traductores de gran solvencia, casi todos ellos también poetas: Jorge Riechmann -sobre su trabajo de traducción de la obra de René Char-, Carlos Jiménez Arribas (W. B. Yeats), Aurelio Major (Basil Bunting), Ángel Campos Pámpano (Fernando Pessoa), Rafael-José Díaz (Philippe Jaccottet), Olvido García Valdés (Anna Ajmátova y Marina Tsvetaieva), Andrés Sánchez Robayna -sobre la experiencia del Taller de Traducción Literaria-, Luis Javier Moreno (Robert Lowell) y el mismo coordinador del ciclo, Jordi Doce, con una panorámica sobre la traducción de poesía.
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Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo
El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), ubicado en Badajoz, reúne, hasta este verano, obras de 26 autores de todo el mundo relacionadas con el arte digital y las nuevas tecnologías, así como 17 propuestas de arquitectura inspiradas en el propio recinto, que replantean el espacio de exposiciones buscando una relación con la ciudad.
Desde Corea del Sur, Young-hae Cheng Heavy Industries nos propone una profunda reflexión musicada sobre el arte, Internet y la cultura dentro de la dictadura de Corea del Norte. Para ello emplea uno de los medios para comunicar más simples y antiguos del mundo: la palabra. Así, la obra 'Artist's Stament No. 45,730,944' es una ocurrente sucesión de palabras que "golpean" al espectador al estilo de otras obras anteriores, como 'Cunnilingus in North Korea' o 'Rain on the sea', siempre a ritmo de jazz.
Otra de las obras curiosas que puede verse en el MEIAC y también relacionada con la palabra es 'La esfera de las relaciones', de Santiago Ortiz, un espacio virtual repleto de palabras, elegidas arbitrariamente, y que pueden conectarse, de modo que se obtienen relaciones de ideas. También representan esa relación entre el arte y las nuevas tecnologías los 'fondos para móviles'. Sorprendentes composiciones de varios artistas creadas bajo el supuesto de servir como fondo de pantalla del teléfono.
Además de las numerosas obras de net art, arte conceptual y bio arte, la muestra del museo de Badajoz también incluye una reflexión sobre el espacio; experimentos arquitectónicos que pretenden "mejorar las prestaciones sociales del museo" y conseguir "una completa integración en la ciudad" del siglo XXI.
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Can Puig, Costa d'en Llorenç, Sóller
Vincular '25 frames/segundo' a un istmo sería incurrir en un grave equívoco. Este tipo de denominaciones aglutinan propuestas que ocasionalmente comparten coincidencias formales o espacio-temporales, cuando las auténticas funciones de estas calificaciones son las de hacer referencia a situaciones comerciales.
El origen de este proyecto radica en una acción fotográfica en la que la cámara captura frames de la televisión compulsivamente. Las fotografías de Paz Alcoverro indagan de esta manera en una imagen que transmite ideología y que abre varias vías. Una de ellas, y quizás la más seductora, es la de mostrar el flujo arrebatador al que sometemos -en mayor o menor grado- nuestras conciencias, troqueladas incesantemente por los ubicuos medios audiovisuales. La imagen fotográfica es el sustrato de estos medios, erigidos actualmente como la forma más eficaz de dominio público.
'25 frames/segundo' es una serie de 25 fotografías pertenecientes a la serie Stealing. Deudora del debate iniciado en la década de los 70, es este periodo el que verá surgir las voces más críticas con el modelo fotográfico imperante, cuyas definiciones de la imagen fotográfica se justifican mediante las cualidades inherentes a ésta. Este es el momento en el que la idea de la fotografía como pura contingencia cobrará más valor. De este modo, nace la necesidad de otorgar a la imagen fotográfica un contexto específico que le asigne el significado del que carece.
Los defensores de esta última postura, heredera de los planteamientos de Barthes y Benjamín, suelen caer en el error de utilizar el medio fotográfico como ilustración poco acertada de una teoría en muchas ocasiones carente de interés. No es este el caso. Acercarse a la propuesta de Paz Alcoverro es abordar una propuesta que vigoriza el discurso fotográfico por su determinación de adentrarse en las raíces de la constitución de la imagen.
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