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Tate Gallery. Londres
La Tate Gallery ofrece, hasta junio, la posibilidad de conocer a dos pioneros del Modernismo, el alemán Josef Albers (1888-1976) y el húngaro Moholy-Nagy (1895-1946). Son más de 200 trabajos, que van desde las pinturas y las esculturas móviles hasta la fotografía, cine, muebles y diseño gráfico. Es la primera muestra de abstracción modernista que recoge la Tate de las últimas dos décadas.
Las carreras de estos dos creadores se unieron durante cinco años, mientras enseñaban en la Bauhaus. Allí intercambiaron las preocupaciones de su visión creativa; a saber, experimentación, la subversión de los límites tradicionales entre el arte de primera línea y el arte aplicado, y una creencia utópica en el arte como instrumento para el cambio social.
En la Tate se muestra una retrospectiva que empieza con las obras de principios de la década de los 20, cuando Albers y Moholy desarrollan, cada uno por su camino, un riguroso lenguaje abstracto. Sin embargo, la parte más importante de la exposición se centra en los años dorados de la Bauhaus, cuando ambos artistas se movieron libremente entre medios y disciplinas.
Sus caminos se separaron cuando emigraron a EEUU, en los años 30. Como profesores de gran influencia, estos dos artistas se convirtieron en abanderados de la incorporación de las ideas del Modernismo europeo al Modernismo del Nuevo Mundo.
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Círculo de Bellas Artes de Madrid
En lo que promete ser la convocatoria más importante del año en materia de poesía contemporánea, 24 de los mejores poetas españoles vivos se darán cita en el Círculo de Bellas Artes en un ciclo coordinado por el incansable Jordi Doce. El programa comienza el 15 de febrero, a las ocho de la tarde, con una lectura conjunta del poeta madrileño Diego Jesús Jiménez (1942) y del barcelonés Eduardo Moga (1962).
Siguiendo este esquema, los doce recitales tendrán siempre como protagonistas a un poeta veterano y a uno de los que en la actualidad conforman la generación más activa, la que marca las líneas generales de hacia dónde va la poesía española. En todos los casos se trata de poetas de gran prestigio: además de los dos mencionados hay que añadir a los jóvenes Vicente Valero, José Luis Rey, Mariano Peyrou, Julieta Valero, Guadalupe Grande y Jorge Riechmann, entre otros. La representación geográfica y de corrientes es completísima.
El coordinador del ciclo, Jordi Doce (Gijón, 1967), es poeta, crítico, ensayista y traductor de Paul Auster, Thomas de Quincey, William Blake, T. S. Eliot, Charles Tomlinson y Ted Hughes, entre otros. Colabora en 'Cuadernos Hispanoamericanos', 'Clarín' y 'Solaria', entre otras revistas, y ha sido subdirector editorial de 'Letras Libres'.
Ha publicado los poemarios 'La anatomía del miedo' -Premio Antonio González de Lama; León, 1994-; 'Diálogo en la sombra' (Gijón, 1997); 'Lección de permanencia' (Valencia, 2000); 'Otras lunas' (Barcelona, 2002) y 'Gran angular' (Barcelona, 2005), así como el libro en prosa 'Bestiario del nómada' (Madrid, 2001). Son recientes su recopilación 'Hormigas blancas' (Notas 1992-2003) (Madrid, 2005) y su ensayo 'Imán y desafío'.
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V2, 2006
La dulce Isobel Campbell hace pareja con Mark Lanegan, un polo opuesto en todos los sentidos a la candorosa ex Belle & Sebastian. Y como suele pasar cuando se combinan dos antagonistas, el resultado es bueno. De hecho, precioso. La combinación del blues tumbado a base de bourbon de Lanegan con ese aire tan pop de Campbell recuerda a algunos de los mejores dúos de la historia del rock: Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, sin ir más lejos.
En general, el disco está mucho más cerca del blues y del country de lo que se podría esperar de las composiciones de Campbell. De hecho, casi todos los temas son suyos. Lanegan sólo compuso 'Revolver', pero el resto de temas encaja perfectamente gracias a los juegos a dos voces y a la producción, donde también se juega a dos aguas con elementos ariscos y orquestaciones agradables.
En gran medida, el disco se sostiene por el clásico juego de La Bella y La Bestia, pero también gracias a un repertorio que está a la altura de dos personajes de culto dentro del rock y del pop. El resultado es tan sugerente, que temas como 'Honey Child What Can I Do?' o 'The False Husband' podrían pasar por versiones de clásicos de toda la vida. Sí lo es el cover de Hank Williams que se marcan y que ha servido como sencillo de presentación del disco 'Ramblin' Man'.
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Mogwai
Con la publicación de 'Mr. Beast', Mogwai sitúan su anterior 'Happy Songs For Happy People' en la categoría de los patinazos sin trascendencia. Han vuelto sobre sus propios pasos para recuperar su discurso donde lo dejaron con 'Rock Action', recuperan la intensidad, la fuerza. Y basta con los cuatro minutos de 'Auto Rock', la primera canción del disco, para darse cuenta de que uno vuelve a enfrentarse a los verdaderos Mogwai, un crescendo sin final sobre una simple figura de piano que vuelve a suscitarte la sensación de que la música de los escoceses es una bomba de relojería a punto de explotarte en las manos.
El segundo golpe va directo a la mandíbula con 'Glasgow Mega-Snake', un tema que está tres peldaños por encima en agresividad de cualquier cosa que hayan hecho en años. La sensación general es que Mogwai recuperan la fuerza de 'Young Team' sin abandonar el depurado y oscuro lirismo de anteriores discos -'Travel is Dangerous' es un buen ejemplo de ello-. Vuelve el grupo de rock que redefinió el post.
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Jun Ichikawa
Un año después de su estreno, llega a las pantallas europeas la última película del director japonés Jun Ichikawa, basada en un cuento de Haruki Murakami que fue publicado por la revista 'New Yorker' el 15 de abril de 2002.
El estilo de Murakami es tremendamente personal y describe con una extrema delicadeza los síntomas de la sociedad moderna: soledad, misterio, abandono, desesperación, amor, desilusión o incertidumbre. En 'Tony Takitani' afronta el tema de la soledad. El protagonista convive dentro de la sociedad nipona sin llegar a adaptarse a ella, con una personalidad forjada por los difíciles años de su niñez. Era huérfano de madre y su padre, músico de jazz, siempre estaba ausente. Esto le encierra en un entorno individual y le lleva a aislarle del resto de la sociedad. Sólo se enfrenta a su soledad cuando conoce a Eiko, una joven con la que se casa y que al poco tiempo se suicida. Eiko era una fashion victim, víctima de su fascinación por la ropa de alta costura.
Jun Ichikawa, en esta película consigue plasmar en imágenes el estilo de las obras de Murakami a través distintos recursos visuales. Una fotografía ligeramente descolorida que transmite un estilo y entorno minimalistas; leves travellings horizontales de cámara que potencian la sensación de espacio y profundidad; el paso del tiempo dentro de un mismo plano; la decoración diáfana de las viviendas; la utilización de paisajes abiertos; la presencia de un narrador que cuenta con una voz cansada y en primera persona la acción, y la banda sonora de Ryuichi Sakamoto, convertido para la ocasión en un Satie nipón. Con todos estos recursos, el director explora dentro los sentimientos del espectador.
Paralelamente a la entrada de 'Tony Takitani' en el circuito de salas europeo, el próximo mes de mayo, la pequeña editorial alternativa Cloverfield Press editará el cuento, dentro de una serie de ediciones limitadas dedicadas a relatos cortos de escritores inéditos, que irán acompañados de ilustraciones de nuevos artistas emergentes.
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Akademie der Künste. Berlín
La decimonovena edición del Transmediale, el festival de arte y cultura digital de Berlín, finalizó hace escasos días, sin embargo, hasta el mes de marzo puede visitarse, en la Akademie der Künste la exposición 'Smile Machines'. Son 30 trabajos, históricos y contemporáneos, que tratan de arte, humor, tecnología, comunicación y relaciones humanas.
Del artista alemán residente en EEUU, Christian Möller, encontramos la vídeo instalación 'Cheese'. Son seis actrices que tratan de sonreír a una cámara durante una hora y media. Si su gesto es poco sincero, suena un pitido para que lo corrijan. Algunos lo interpretan como una "contribución cínica" a la crítica de los medios, pero también puede tratarse de una crítica a la hipocresía humana.
Las relaciones humanas son el tema de los vídeos de Eva Meyer-Keller. En 'Death is Certain' reproduce todo tipo de torturas en cerezas. Según la artista, cuando tratas a esta fruta como a una persona, acaba humanizándose, sangra de igual manera. Una metáfora sobre la brutalidad del ser humano.
No podemos dejar de recomendar los trabajos del artista coreano, recientemente fallecido, Nam June Paik -'The Thinker'-; de Les Levine -' I Am an Artist'-, un reflejo irónico del concepto de artista, o la contribución del español Antoni Muntadas, 'Slogans', una crítica a la manipulación de los medios de comunicación. Muchos de los trabajos pueden visitarse en las páginas web de los artistas.
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Galería Hauser & Wirth, Londres
La galería Hauser & Wirth acoge estos días la que tal vez sea la exposición más interesante del invierno londinense, 'Warhol's World: Photography & Television'. Es una recopilación de 300 fotografías inéditas realizadas por Andy Warhol durante la década de los ochenta. La mayor parte de estas fotos fueron realizadas con cámaras de bolsillo y en película de blanco y negro.
Esta exposición, más que una muestra de alta calidad fotográfica, centra la atención en el propio Warhol y su entorno de vida. Retrata innumerables personajes: amigos y conocidos de la noche neoyorquina entre los que podemos destacar Jean Michel Basquiat, Deborah Harry, Grace Jones, Paloma Picasso o Bianca Jaegger, además de un innumerable elenco de personajes que merodeaban por su estudio creativo, el famoso "Factory".
La selección deja atrás la faceta de artista y de diseñador gráfico de Warhol y muestra su faceta de periodista, documentalista y hasta editor. "Mi idea de una buena foto es centrarme sobre un personaje famoso realizando algo que no sea propio de un famoso".
Andy Warhol impulsó desde sus creaciones, convertido en un artista multidisciplinar, el ensalzamiento del fenómeno mass media. Podemos decir que fue el inventor del concepto fama como lo conocemos hoy en día, a través de la revista 'Interview' o de los shows televisivos 'Fashion' o 'Andy's fifteen minutes', en el que presentaba a un personaje y le dedicaba esos quince minutos de fama. Algunos de sus programas se emiten dentro de esta exposición, que a finales de marzo regresará a la galería Zwirner & Wirth de Nueva York.
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Gagosian Gallery, Berlin
En el seno de las actividades de la cuarta Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín, organizada en colaboración por las sociedades Berlin Biennale für Zeitgenössische Kunst y Kunst-Werke Berlin, la Gagosian Gallery abrió sus puertas en septiembre de 2005 y mantiene un ritmo casi mensual de inauguraciones. Hasta el 11 de marzo acoge una muestra colectiva comisariada por Olaf Metzel (Berlín, 1952; artista, profesor y rector de la Akademie der Bildenden Künste de Múnich). Su título, Young Bavarian Art -YBA-, juega irónicamente con la marca de los Young British Artists de los noventa. Los artistas presentes en YBA son principalmente jóvenes en la treintena, radicados en Múnich e interesados principalmente en la escultura y, en particular, en el arte objetual.
La forma en que cada uno entiende esa relación entre objeto y arte varía. Martin Wöhrl hace del mismo espacio de la galería una pieza de arte, solándolo de diversos colores y texturas al modo minimalista en 'Parquet' (2004); Stefan Wischnewski reduce el espacio ideal a escala utilizando el tejido, las hechuras y el tamaño de un simbólico guante como cubierta de tipo vanguardista para maquetas arquitectónicas tipo: un estadio, una sala de conciertos, un teatro de la ópera, una pista de patinaje.
El 'Modell-Reaktor' (2005) de Michael Sailstorfer combina la música con la física. Conecta un bloque de cemento a un altavoz, de forma que las vibraciones del suelo puedan transmitirse e incorporarse a la pista acústica que se reproduce. Nick Bötticher alude a la publicidad con cierta ironía con su 'Name-Ring' (2006), un artefacto con la forma del puño americano en cuyo borde aparece en relieve el nombre de una pasta de dientes.
Una de las piezas más interesantes la firma Alexander Laner, que fabrica y pone en marcha un 'Plattenspieler' ('Tocadiscos', 2005) a base de un motor de seis cilindros, cuestionando la oportunidad del despliegue tecnológico cuando el estruendo de la máquina al funcionar se superpone a la melodía de Chopin que reproduce. Completan la nómina Benjamin Bergmann, Beate Engl, Christian Engelmann, Andrea Faciu, Florian Morlat, Michael Schrattenthaler y Marco Schuler. Con esta exposición, Gagosian Gallery se ratifica en la primera línea de la oferta europea de arte.
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Planeta-De Agostini, 2005
Puede que visto ahora, 'V de Vendetta', todo un clásico del cómic, resulte algo inocente. El primer número de la colección fue publicado en 1982. La situación está ambientada en 1997 y la mayoría de los acontecimientos descritos en la historia no han sucedido, al menos literalmente. Pero eso no le resta ni ápice de fuerza a la historia: la guerra nuclear ha arrasado con todo y casi todo, y después ha venido el caos. Un nuevo fascismo ha nacido para traer la paz, la inopia y la mentira y para erradicar la libertad.
El héroe, si es que se le puede llamar así, es V, un personaje histriónico y misterioso que va por ahí disfrazado de Guy Fawkes -el líder del Complot de la Pólvora, cuya fallida traición se celebra en Inglaterra cada 5 de noviembre quemando muñecos de trapo que le representan- y decidido a vengarse de aquellos que decidieron tratarlo como a escoria. Su camino se cruza con el de Evey, una adolescente a la que rescata de las manos de la policía y que perdió a toda su familia después de que encerraran a su padre por cuestiones políticas.
En general, 'V de Vendetta' habla del autoritarismo y de la libertad, de la justicia. Y lo hace en términos poco manidos. Básicamente, porque V no es mucho mejor que sus enemigos y, de hecho, en algunos momentos parece cualquier cosa menos cuerdo. Moore acierta a dibujar un paisaje pesimista, casi convencido de que la humanidad prefiere ser dominada, dejando de lado las moralejas fáciles gracias a la ambigüedad moral de su héroe. Todo un clásico dentro de la obra de un guionista que le cambió la cara al cómic de los ochenta, especialmente a los tebeos de superhéroes, gracias a series como la insuperable 'Watchmen' y 'La Cosa del Pantano'.
La versión cinematográfica de 'V de Vendetta', que ha motivado la presente edición del cómic, se estrena el próximo mes de marzo. La dirigen los hermanos Wachowski (Matrix), que cuentan con Natalie Portman, Stephen Rea y Hugo Weaving en los papeles principales. Los cómics de Alan Moore ya han sido trasladados a la pantalla anteriormente con 'La Liga de los Hombres Extraordinarios' y 'From Hell'. En cuanto a su obra más conocida, 'Watchmen', también está en fase de preproducción.
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Plataforma Platoniq
El self-service de la música. Internet al alcance de todos. Plataforma para autores de música independiente. Son algunas de las características del Burn Station, una unidad-tostador móvil de cuatro ordenadores en red, que sus creadores ubican en cualquier lugar a petición expresa: el CCCB de Barcelona, las calles y gasolineras de Madrid o el Artrónica de Bogotá. Cualquier persona que pase y lleve un CD puede copiarse los contenidos -libres de derechos de autor- de su base de datos, ya sea música o reportajes radiofónicos de temática social. También pueden añadir nuevos contenidos si son los autores.
La Plataforma Platoniq es la creadora del Burn Station. Ellos idearon este sistema F2F -Face to Face- basado en un software para el sistema operativo GNU/Linux y un servidor local. Los contenidos, 20 GB de canciones y programas de net radios, los envían directamente los sellos y productores, o los añaden los propios miembros de Platoniq, que cuentan con un programa de radio -Hard Disko, en ScannerFM-. En este espacio, que puede bajarse en www.scannerfm.com, difunden lo último de la escena independiente electrónica experimental.
Precisamente el Burn Station ganó un segundo premio en el concurso de proyectos del Transmediale de Berlín, y Platoniq aprovechó para hacer una presentación pública en el Club Transmediale, con las actuaciones de Evol, pato y Disrupt. Pero la verdadera alma de la unidad-tostador es convertir el hecho de copiar en un acto social, a pesar de que sea un sistema más lento que el intercambio virtual, para conseguir que la cultura electrónica pase a formar parte de la cultura popular y conseguir normalizar el contacto con las nuevas tecnologías.
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UVA
El último proyecto del colectivo londinense UVA (United Visual Artist) se centra en el interés y en la belleza de los errores digitales en la generación de imágenes. El equipo produce por primera vez un vídeo clip tridimensional para el grupo francés Colder combinando tres disciplinas: la dirección de arte, la producción de diseño y la ingeniería de software. Este ejercicio visual se puede calificar de vídeo escultura digital, ya que el proceso consiste en la deconstrucción de imágenes grabadas a través de una cámara tridimensional que capta volúmenes y rasgos, que son procesados por un ordenador que genera nuevas imágenes a partir del renderizado de texturas y tomando como referencia los volúmenes tridimensionales captados.
Este concepto de deconstrucción/regeneración gráfica forma parte del trabajo habitual del colectivo UVA. Este vídeo es, sin duda, una evolución de su instalación 'Mirror', presentada en 2002 en la Kemistry Gallery de la capital inglesa, donde, a través de diversas cámaras fotográficas, se generaban imágenes tridimensionales del propio espectador, proyectándolas en tiempo real en el espacio con cañones de luz o punteros láser. En este caso, el espectador podía interactuar con la imagen generada de si mismo mediante el movimiento: la computadora proyectaba una imagen decodificada que contenía errores y distorsiones inesperados de renderización de la propia imagen del espectador.
Visitando su página web, podemos ver muestras de sus trabajos sobre iluminación y el proceso de la imagen. Algunos de los más célebres pueden ser sus instalaciones visuales en los macroconciertos de U2, Massive Attack, la MTV o las showcases para la firma italiana de alta costura Prada.
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