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Casal Solleric, Palma
La Fundación Telefónica presenta en el Casal Solleric su Colección de Fotografía Contemporánea, que reúne 43 obras correspondientes a 34 destacados creadores del panorama artístico internacional. Con esta muestra, el público podrá contemplar las adquisiciones realizadas hasta el momento para esta colección que se encuentra en proceso de constitución y que recoge la transición fotográfica del documento al relato artístico y la fotografía creativa. En este sentido, en esta primera fase la Colección refleja el cambio de paradigma que se produce en la cultura visual, especialmente en las últimas décadas.
El eje principal de esta Colección es ese punto de inflexión en el que la fotografía, en el umbral del siglo XXI, comienza a adquirir conciencia de su capacidad expresiva y del valor de su actividad de representación, subvirtiendo los propios códigos y lenguajes que este medio emplea.
Constituida a partir de algunos de los nombres emblemáticos de las artes visuales, la Colección incluye planteamientos radicales y conceptuales, esteticistas y narrativos, documentales y sociales, en un conjunto que refleja la variedad y el eclecticismo de un momento creativo de una riqueza y abundancia poco frecuentes. Los artistas que forman parte de la colección de utilizan la fotografía como medio de expresión y experimentación. Sus imágenes nos hablan sobre lo que puede ser hoy la experiencia artística en el contexto de la cultura contemporánea.
Desde la fotografía analógica hasta la digitalizada, las nuevas tecnologías aplicadas al arte están presentes al igual que ejemplos decisivos de la relación formal de la fotografía con la documentación de preformativa o social. Géneros diversos anclados en las raíces de la historia del arte, como son el retrato, el paisaje o la fotografía arquitectónica conforman un conjunto que abarca las temáticas características del arte actual, desde la recuperación de la memoria histórica, a la denuncia social, la crítica de los procesos artísticos o a la utilización del cuerpo como plataforma de comunicación plástica.
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MACBA, Barcelona
"...Comenzamos a rodar la película en verano y volvimos a rodar en invierno. Trabajamos en lugares donde la guerra es parte de la vida cotidiana, donde el estado de guerra no es ninguna sorpresa, sino que es un hecho en sí mismo. Concretamente, nos situamos en la frontera entre Tadjikistan y Afganistan. A veces pasábamos días enteros en una espera tensa; otros, nos encontrábamos en medio de la batalla, atacando o escapando. Pero siempre había víctimas, siempre había familiares y amigos separados, y el sentimiento de agonía y abandono era continuo. Basándome en la idea que tengo de Rusia, mi país natal, lo entiendo como una tierra que se encuentra en guerra permanentemente y sus habitantes siempre están a punto para luchar. Nuestros héroes nacionales son personas que han participado en guerras, y no personas que han hecho cosas excepcionales realizando un trabajo sedentario y tranquilo. A penas puedo imaginarme otra Rusia, sin las conmociones de la guerra".
Hasta finales de septiembre, el MACBA presenta completa por primera vez la trilogía "The Military" del cineasta ruso Alexander Sokurov. (Podorvikha, Siberia, 1951) Discípulo directo de Andrei Tarkovsky, es una de las voces más esenciales, líricas y trascendentes del cine mundial.
Alexander Sokurov interpreta el tema de la vida militar como una cuestión existencial desde hace mucho tiempo, y el servicio fronterizo, tanto terrestre como marítimo, como una metáfora de la conducta humana. En Confession, Sokurov usa la cámara para convertir a gente real -oficiales de la marina- en personajes, y muestra el aislamiento, la falta de libertad, la sumisión y la monotonía de su rutina diaria.
Para los diálogos, Sokurov se vale de las reflexiones cargadas de preocupación del personaje principal, el comandante , el buque, sobre su destino y su profesión, y el joven capitán figura como el alter ego del autor. Como en Spiritual Voices, esta crónica no se asemeja a ninguno de los formatos de televisión estándares, sino que más bien se trata de un género literario tradicional, un diario lírico.
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Seix Barral
Con la publicación en 1996 de este diccionario de autores infames Roberto Bolaño (Santiago de Chile, 1953 - Barcelona, 2003) llamó por primera vez la atención de la crítica, que unánimemente alabó su originalidad y brillante inventiva. Hoy en día está considerado uno de los autores más importantes, renovadores e influyentes, y su obra, uno de los grandes logros de la literatura en lengua española de los últimos tiempos.
La literatura nazi en América es una obra de ficción, escrita a imitación de los manuales y diccionarios de literatura. Se compone de reseñas dedicadas a la vida y obra de los autores que constituyen la historia de la literatura nazi en todo el continente americano. Se trata de autores inexistentes de una literatura inexistente, pero que, a causa de la destreza del autor al recrear la jerga de este tipo de manuales y diccionarios y la excelente parodia de la historia real de la literatura iberoamericana, resultan perfectamente creíbles.
Las biografías y las obras de estos autores ficticios abundan en referencias culturales, políticas e históricas reales. Los poetas y novelistas inventados, que configuran una especie de realidad virtual o de mundo paralelo al verídico, viajan de América a Europa, viven hechos reconocibles para el lector, entran en contacto con artistas, obras y movimientos. De ahí que, a través de unas biografías y unas obras inventadas, aparezca un contexto real.
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Anagrama
El original y siempre trasgresor escritor Alessandro Baricco (Turín, 1958) decide con su nueva obra, realizar una revisión (mejor dicho: una reinterpretación actualizada) de la "Ilíada" de Homero. En este caso obvia el peso de la poesía griega, convirtiéndolo en prosa a través del uso de 21 voces distintas, que relatan la acción desde la primera persona, desde distintos puntos de vista (no olvidemos: troyanos y aqueos) y recurriendo un lenguaje moderno, dando un nuevo ritmo a la obra -característica personal en los libros de Baricco -, basándose en una autorizada versión italiana de Maria Grazia Ciani, se ha creado este relato con la intención de dotarlo de mayor expresividad (cuenta en el prologo que el escritor veía necesaria una adaptación especialmente pensada para poder realizar lecturas públicas).
Otro de los aspectos a destacar es la supresión de todas las acciones realizadas por los Dioses, ya que el autor considera innecesario la aparición de estos en esta versión actualizada. Baricco se permite la licencia de añadir pequeños pasajes a modo de puente que más que acompañar al texto, aumentan el sentido poético de la acción.
En sus obras las fronteras de la novela son trasgredidas por sistema, los elementos literarios se entrecruzan de maneras inesperadas, lo oral se mezcla con lo escrito, la palabra se solapa con la imagen y viceversa, y los aspectos clásicos del argumento, como la importancia de contar una buena historia, adquieren un renovado protagonismo. Los mejores estudiosos de Homero aconsejan que leamos las epopeyas homéricas en voz alta, porque no se trata de textos como El Quijote cervantino, escrito para ser leído en silencio. Baricco, pues, reestructuró la obra con el propósito de devolverle su condición oral, que la tradición filológica le había quitado en parte. Y lo que consigue es dejarnos un texto que puede escucharse o leerse con placer.
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Ed. Candaya
Avelino Hernández murió en Selva (Mallorca), el 22 de julio de 2003, dejando tras de sí una ingente labor liberaría de más de 30 títulos, pero una vez leído esta especie de testamento, más personal que literario, uno se puede hacer a la idea de cómo llevó a cabo coherentemente tanto con su periplo vital como su obra literario. Todas las claves del universo de Avelino, permítanme la confianza sus verdaderos conocidos, se recogen y se muestran en esta última cena, por parafrasear su título. Ya hay pistas desde la cita de Epicuro que abre el libro y que Avelino comparte y firma: "De los bienes que la sabiduría procura para felicidad de una vida, el mayor con mucho es la adquisición de la amistad." Pero este leit motiv lo encontraremos a lo largo de Mientras cenan con nosotros los amigos, en cada personajes que se evocan (Abraham, Pedro Mangada el Capitán Vidal, Jos, Edurne, Juan y su gato, el viejo forastero, el alemán de Goslar, Xosé Vieria Pires, los Wallace , pero también de manera explicita en boca de Marta, más bien en sus palabras escritas a César Cayo, pero recogidas del libro que éste le acaba de regalar: "NO recuerdo cuándo, exactamente, llegamos a la conclusión de que la obra de arte que verdaderamente vale la pena firmar en última instancia es la vida propia de cada uno." (p.159) Una vida, me gustaría añadir, capaz de subsumir una obra artística que sea reflejo de la misma y no al reves.
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Claustro de Santo Domingo, Pollensa
Parece mentira, pero por una vez en la vida tenemos la sensación que en esta isla estamos "al día" en lo que se refiere a la actualidad musical. Después del éxito obtenido en sus dos anteriores visitas a España en un periodo no superior a cinco meses, Anthony and the johnsons realizan una extensa gira que pasará por Pollensa el próximo martes 19. Ya se ha convertido en una referencia para los oídos "más selectos": según el sello discográfico, en seis meses su trabajo "I'm a bird now" ha vendido más copias que Yann Tiersen en 10 años. Para todos aquellos que no tengan la oportunidad de asistir a sus conciertos, recomendamos el uso las redes P2P para que se hagan con una idea de algunos conciertos emitidos por emisoras de radio a lo largo de esta gira.
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Deschler Berlin Gallery
Berlin acoge la muestra de unos de los más importantes representantes de la fotografía tratada como un objeto tridimensional, el neoyorkino Tony Conway.
El punto de partida de sus trabajos tridimensionales son instantáneas a personas que son manipuladas digitalmente e impresas sobre poliéster transparente y combinadas con dibujos de grafito y colores acrílicos sobre las hojas de plexiglás translúcido, por medio del uso de varias capas unidas a un marco de acero inoxidable. El resultado es una sucesión de cambios de tonalidades que generan imágenes borrosas creando un efecto espectral. Aunque cada una de esas capas lleva su propia información pictórica independientemente, es al interactuar unas sobre las otras cuando generan este efecto que les da un carácter tridimensional y pictórico, el resultado de la unión de fotografía, pintura y escultura.
En esta última serie de trabajos de estructura multicapa, Tony Conway fija como principal tema "el tránsito", los desplazamientos entre los puntos de origen y de destino, en los cuales la información recibida es simplemente insustancial y desechada, en más de una ocasión, llegamos a nuestro punto de destino sin saber como hemos llegado hasta allí, utilizando nuestra propia inercia, como si se tratase de un sueño.
Las tonalidades adquiridas dan a sus obras la sensación de congelación o de ralentización del movimiento, mientras que los objetos, las personas o figuras pasan a condensarse, a convertirse simplemente en formas. Las tonalidades adquiridas dan la sensación de estar plasmando recuerdos, imágenes borrosas, sensaciones más cercanas a un sueño que a la propia realidad definida. Las capas translucidas superpuestas generan nuevas imágenes no completamente definidas, algo así como un efecto pictórico mental.
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Benbecula records
Christ, un nombre fácil de recordar, es un músico de Edimburgo que despliega atmósferas cálidas y melódicas, ritmos con atisbos al dub y sonidos retorcidos y orgánicos, todo ello con énfasis en el uso de los sintetizadores analógicos. Esto último deriva de su interés e influencias por la música de los '80, la eclosión de programas juveniles sicodélicos en la televisión en Inglaterra y la utilización por parte de los grupos de instrumentos analógicos.
Se comenta que Christ ha colaborado con los escoceses Boards Of Canada, lo cual ciertamente ha ejercido una influencia en la música de este irlandés. Su sello Benbecula acaba de editar "Metamorphic Reproduction Miracle". Un disco basado en una mezcla de oscuridad, sonidos claustrofóbicos y estructuras melódicas alegres. Que expone nuevas características y enfoques en cada escucha, recurriendo a los sonidos creados únicamente por verdaderos sintetizadores de los años 70, que - según el autor - potencian la presencia del rango de frecuencias hasta llegar al infinito, aplicando capas de ultrasonidos por encima o debajo del rango de percepción auditiva, generando interferencias o resonancias armónicas a través de la gama que sí se puede oír.
Estos rangos desaparecen cuando se trabaja con samplers o programas digitales, ya que aplican filtros para aislar (y así poder mejorar la compresión, entre otras cosas) las frecuencias que están fuera del espectro sonoro humano. En definitiva, un disco, como el nombre del mismo indica, rico en matices, siempre que se adquiera la versión analógica ( es decir: vinilo) del mismo.
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Zach Feuer Galery (LFL)
Acaban las oportunidades de ver la última propuesta del poliédrico músico escocés Nick Curie a.k.a. Momus: la galería Zach Feuer (antes conocida bajo el nombre de LFL) del barrio de Chelsea en la ciudad de los rascacielos, presentará a partir del día 21 de este mes algunas de las últimas obras de Geert Goiris. Curiosamente está generando una gran expectación en todo el mundo el material de este joven fotógrafo belga, con sus trabajos en gran formato que muestran paisajes desolados y abandonados, territorios perdidos, plasmando el silencio otoñal de su serie de trabajos panorámicos nórdicos, retratando campos quemados por el frío, que remiten a la lucha entre la naturaleza y el afán del hombre por controlarla.
Esto es lo que él define como "realismo traumático", en sus fotografías presenta la belleza natural en un grado extremo (sus cielos nublados y nieblas evocan tristeza), en algunos casos esta belleza esta a punto de llegar a la putrefacción ("rinoceronte entre la niebla", donde a través de un animal presenta la soledad de la condición humana), la erosión o incluso en imágenes que recurren al deshielo.
En sus obras siempre hay espacio para presentar la pequeña y frágil aportación humana (precarias construcciones, pequeñas casas amenazadas por las transformaciones geológicas del entorno en el que se encuentran...), capturando el paisaje como una ruina, las fotografías de Goiris están a medio camino entre el sentido histórico y único del pasado y la belleza de lo nuevo emergente, del cambio. Sus imágenes delatan siempre una extraña belleza basada en los contrastes entre el mensaje principal y el entorno.
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Sebastián Lifshitz
Recién estrenada esta película hosca del director Sebastián Lifshitz cuenta la historia de Stephanie, una prostituta transexual que maneja su comercio en discotecas parisinas, parques y cuartos de hotel. Junto a ella sus dos amantes: un muchacho árabe, Hamel y un exsoldado ruso (inmigrante ilegal), Mikhail. Indecisiones, cambios en la vida, situaciones al limite: mientras Stephanie y su madre retoman una relación olvidada y zanjada en el pasado, Mikhail tiene que afrontar sus problemas con su pasado en Rusia, y Hamel debe asumir la falta de aceptación de su entorno, un suburbio parisino donde no es aceptada su sexualidad. Sorprendentemente, Stephanie cansada de la ciudad, decide abandonar todo y marchar junto a sus dos amantes a una pequeña villa al norte de Francia, al cuidado de su madre a punto de morir.
Una película que habla de las barreras existentes tanto sexualmente, personalmente como hasta en el punto de vista lingüístico (los problemas de comunicación entre los miembros de este triángulo). La estructura de la película también presenta un vaivén de continuas dificultades: recuerdos de la niñez de Stephanie marcados por la muerte de su hermana a quien ella adoraba, las escenas de contenido sexual, el encuentro con un amor de la infancia (ahora casado y con hijos), el futuro incierto de los protagonistas - incluso la falta de futuro-, la vida en la marginación...
Una película cruda, no más digerible por la aparición de Antony Hegarty (Anthony and the johnsons) abriendo la película, interpretando "i fell in love with a dead boy" en una sala llena de transexuales elegantemente vestidos. Ni igualmente por la mención a la fotografía de Godard Agnés (en el numero del mes pasado ya hablábamos de su trabajo en "vendredi soir") que vuelve a capturar con elocuencia sombría, las fachadas suburbanas que se derrumban en la Francia del Norte y los planos cercanos de los cuerpos entrelazados de los actores. Quedamos a la espera del impacto mediático.
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Ed. Candaya
Pocos -inevitable en Palma- fuimos los que pudimos disfrutar de la presentación del exuberante -por su dilatada gestación- y magnifico -por su calidad- libro de Carlos Vitale el pasado 17 de Junio en la librería Literanta de Palma de Mallorca. También un lujo en la presentación de libro y autor a manos de Perfecto Cuadrado profesor de estética Literaria de la UIB y seguro apoyo en todas y cada una de las empresas literarias de calidad que se han dado hasta la fecha en Baleares. Los responsables de la editorial Candaya -capitaneados por Olga y Paco-, la nueva editorial de referencia para los nuevos y antiguos degustadores de delicias literarias, se han atrevido, afortunadamente, a reunificar -para Vitale un libro es un organismo que va creciendo- poemas editados con anterioridad por el autor, incluido el tomito homónimo que publicara Plaza y Janes en el año 2000. La selección del título no es azarosa ya que responde al deseo del autor de ofrecer su labor poética como un todo vivo - a la manera de Walt Withman-, pero que también responde a la necesidad de ampliar -métricamente- ciertos poemas de su anterior Unidad de lugar. Ni que decir tiene que dicha amplificación supera las expectativas, pero también las complementa con un regalo para todos aquellos que no nunca han asistido a las presentaciones de Carlos Vitale: la voz del mismo poeta. Es así por la acertada y valiente decisión de Candaya de incorporar un CD con la voz del poeta mimando sus poemas. Podría pensar el lector que tras lo dicho anteriormente, esta edición de la poesía de Vitales sería la última -debido a su posible condición de entelequia en relación con su obra, pero sabemos que, afortunadamente, no lo será. Esperamos, como él, sin impaciencia.
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Xiu Xiu
Deseos antropófagos inspirados en las pinturas negras de Goya, vidas sexuales arruinadas contempladas a través del cadáver de un felino, odas al desamor... El oscuro y abigarrado mundo de Xiu Xiu vuelve a asomarse por estas latitudes de la mano de "La Foret", una colección de once temas oscuros, intensos y expresivos. Más soliviantado y lóbrego que "Fabolous Muscle", su predecesor, el tercer trabajo de esta melancólica formación ha conseguido conservar hálitos de pop y ritmos pegadizos en medio de un laberinto de atmósferas ruidosas y reverberantes. Incómodos golpes de percusión, teclados catedralicios o convulsiones entre clarinetes se mezclan con la desgarrada voz de Jaime para ofrecer una nueva dosis de dolientes acordes nacidos de una muy particular visión de las relaciones humanas. Tomando su nombre de un estremecedor drama cinematográfico ambientado en plena Revolución Cultural China, Xiu Xiu despliega de nuevo todo su eclecticismo para seguir la tradición iniciada con "A knife Play" y "A Promise" y para constituir un nuevo rompecabezas para los amantes de la taxonomía. Indagar en un universo tan complejo como sugerente es el objetivo del último álbum de este grupo norteamericano cercano a las coordenadas musicales de Joy Division, Suicide, Arvo Part o los Swans y a los ejes literarios de Dennos Cooper.
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Taschen
Pocas veces un libro sobre arte se presta a una edición de las dimensiones físicas -y de calidad, obviamente- a las que responde esta edición de la colección de antigüedades de uno de los dilettantes y connaiusseurs más importantes del arte del siglo XVIII, siglo dilettante por excelencia. Se trata de una de las colecciones más importantes de arte de la antigüedad y, para ser más consciente de s magnificencia, la presente edición se limita a dar una serie de pinceladas sobre la vida sir William Hamilton ( diplomático, vulcanólogo, , conspirador, entre otras cosas) y la parte de su experiencia vital que nos interesas ( aunque sepa a poco) y que se centra en su estancia en Nápoles, ciudad en la que da comienzo su interés y pasión por las obras de la antigüedad etrusca, griega y romana, sobre todo las hasta ese momento poco apreciadas urnas y vasijas etruscas, y que a la postre le darían la fama. Las 19 páginas introductorias a tres columnas, a idioma por columna, van acompañadas por cuadros e imágenes de la época, entre las que me gustaría destacar el maravilloso cuadro de sir Joshua Reynolds (p. 22) titulado Hamilton with members of the Society of Dilettanti. El resto del libro se ocupa única y exclusivamente de las obras recopiladas por Hamilton y que se dejan ver como si de una visita al museo se tratase. Un excelente paseo por dos obras maravillosas: la de Hamilton y la de Taschen.
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Miranda July
Me and You and Everyone We Know son muchas historias de amor sin edulcorante. La poética y penetrante observación de la asfixia que produce la incomunicación en un mundo en el que conviven más teléfonos móviles que personas constituye el principal motor de la opera prima de Miranda July, directora, guionista y actriz de la película. Una sucesión de fragmentos ha sido el recurso escogido por esta promesa del nuevo cine independiente norteamericano para relatar el drama de la artista solitaria, del vendedor de zapatos soltero y padre de dos hijos, del taxista, del oficinista, del adolescente…Lo mundano se vuelve de esta forma trascendente y todo un mosaico de personajes cotidianos que aún compartiendo un mismo hábitat son incapaces de establecer relaciones entre ellos se convierte en el protagonista del guión. Sólo algunos instantes conectan a estos personajes con sus vecinos mientras que el surrealismo domina la escena. El ansia -tantas veces frustrada- por encontrar a esa persona capaz de revolucionar sentimientos y transformar el mundo interior, ha sido el impulsor de este film que ha conseguido hacerse con premios como La Cámara de Oro del Festival de Cannes.
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