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Exposición itinerante
El colectivo FORMAVISION, presenta REMASTERED, una exposición comisionada a partir del impulso creativo de los cincuenta artistas visuales escogidos entre los más representativos de todo el planeta. El objetivo es crear una nueva reinterpretación de las obras de los grandes maestros de la historia de la pintura y recontextualizar sus obras dentro del marco de la cultura contemporánea.
EL proyecto REMASTERED presenta pinturas catalogadas de icono dentro de la creación occidental, el periodo de las obras adaptadas comprenden desde la edad media hasta la primera mitad del siglo veinte. Cada pintura ha sido asignada a específicos artistas que han adaptado sus estilos gráficos personales y de este modo, realizar sus propias interpretaciones de las obras, conservando la temática, el contenido y el legado original del artista. La lista de artistas es extensa, la mayoría de ellos están más próximos al diseño experimental o a técnicas más robustas como el graffiti que al diseño grafico en si: el colectivo FAILE, Stephane Manel, Rie Takeuchi, Akari Inoguchi, SundayVision, Steve Marcus, Wkinteract, Bast y un largo etcétera.
La marca Diesel patrocina la exposición, que comienza en San Francisco y ya ha anunciado próximas presentaciones en ciudades como Nueva York, Tokio, Paris, Berlín y Londres. En la pagina web, podemos hacernos con algunas reproducciones de estas obras, todas ellas acompañan un certificado de autenticidad y de edición limitada, firmadas por los artistas.
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Galaxia Gutenberg
Releer a Ambrose Bierce no es nada superfluo, y menos después de tantos años de literatura seria y trascendente, cosa lógica después de todo, atendiendo al tremendismo del siglo XX que recién acabamos de concluir. En estos tiempos de literaturas metafísicas e insuperables, las raras notas de humor de los contemporáneos apenas dan para llenar el vaso y, así las cosas, es de agradecer un proyecto como este, en el que se nos ofrece por vez primera la versión completa del diccionario demoníaco que Bierce escribiera a lo largo de toda su madurez, desde bien entrada la segunda mitad del XIX, cuando trabajó para diversos periódicos y revistas de la costa este norte-americana, hasta que, en 1913, después de cederle su propia tumba a la última de sus hijas, desapareciera en tierras mexicanas para no regresar.
Cínico e irónico, Bierce ofrece en su diccionario, cuyo orden definitivo y actual dejó prácticamente atado justo antes de desaparecer, diversas acepciones semánticas que con toda probabilidad el mismísimo diablo de la época hubiera firmado con satisfacción. Fugarse: “Cambiar los peligros e inconvenientes de una residencia fija por la seguridad y las comodidades de viajar”, escribe, y parece vaticinar de un plumazo las letras adormecidas de Paul Bowles.
Si bien es cierto que la realidad convierte algunas de las definiciones de Bierce en poco menos que anecdóticas, más teniendo en cuenta que el diablo probablemente se escondió, asustado, en algún agujero nada más intuir cómo iban las cosas por nuestra edad moderna, también es cierto que otras muchas acepciones conservan un grado de actualidad sorprendente, si no insultante. Al fin y al cabo, las cosas ínfimas y rutinarias de nuestra existencia no han cambiado tanto desde entonces, ni probablemente lo hagan en el futuro, siempre tranquilizador, también según el propio Bierce.Gato: “Autómata blando e indestructible suministrado por la naturaleza para patearlo cuando no van bien las cosas en el círculo doméstico”.
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PSAPP
La mitad más inquieta del duo inglés Isan, (es decir, Robin Saville) a través de su pequeño sello Arable presenta un nuevo proyecto bajo el nombre de PSAPP. Y es la primera vez que este sello lo hace en formato largo, ya que hasta la fecha unicamente se habia dedicado a editar canciones en formato vinilo de pequeños proyectos o grupos paralelos vinculados a la sombra de Isan. Canciones de pequeño formato a mitad camino entre la electronica más vanguardista y las melodias tradicionales, compuestas con instrumentos de juguete o utilizando las más avanzadas herramientas de sampleo, consiguiendo ligeras melodias, canciones con no demasiado peso (liriacamente hablando) pero enormemente encantadoras, y esta es en parte la clave de su atractivo: el acercamiento al oyente evita parecer artificial.
Un disco altamente intimista, pero a la vez reflexivo: "solo nos tenemos a nosotros, a nosotros mismos para culparnos". Canciones que tratan sobre la decepción, la ansiedad, la soledad, sin llegar a sonar el disco severo: referentes próximos tan cercanos como puedan ser Portishead o las simpáticas Cocorosie.
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Hirokazu Kore-eda
Hirokazu Kore-Eda se enfrenta a un hecho real (cuatro hermanos abandonados que sobreviven al cargo del mayor de ellos) para construir una película poética, dramática, desgarradora y nada sentimental sobre la pérdida y el amor. Kore-Eda rodó a lo largo de todo un año, para permitir que los jóvenes actores crecieran, y dejó un gran margen a la improvisación. El gran descubrimiento no es sólo la naturalidad de los intérpretes, sino la gran capacidad de conmover de una historia sin sobresaltos que retrata la vida diaria de una familia monoparental que se oculta del mundo.
Sólo el hijo mayor de 12 años puede salir de la casa para que el propietario de la misma no se entere de la existencia de los más pequeños, pero las progresivas ausencias de la madre, que un día termina por desaparecer totalmente, le dejan al cuidado de sus hermanos, tarea que asume con amor y dedicación pero que parece abocada al fracaso. Rodada en la opulenta Tokio, sorprende el microcosmos en el que viven unos niños obligados a encontrar por sí mismos la manera de sobrevivir. El director elude la búsqueda de responsabilidades -ni la sociedad ni la madre son presentados como culpables- y se centra en la historia de amor que mantiene unidos a los cuatro hermanos. Una película que no deja indiferente. Hirokazu Kore-Eda se enfrenta a un hecho real (cuatro hermanos abandonados que sobreviven al cargo del mayor de ellos) para construir una película poética, dramática, desgarradora y nada sentimental sobre la pérdida y el amor.
Kore-Eda rodó a lo largo de todo un año, para permitir que los jóvenes actores crecieran, y dejó un gran margen a la improvisación. El gran descubrimiento no es sólo la naturalidad de los intérpretes, sino la gran capacidad de conmover de una historia sin sobresaltos que retrata la vida diaria de una familia monoparental que se oculta del mundo. Sólo el hijo mayor de 12 años puede salir de la casa para que el propietario de la misma no se entere de la existencia de los más pequeños, pero las progresivas ausencias de la madre, que un día termina por desaparecer totalmente, le dejan al cuidado de sus hermanos, tarea que asume con amor y dedicación pero que parece abocada al fracaso. Rodada en la opulenta Tokio, sorprende el microcosmos en el que viven unos niños obligados a encontrar por sí mismos la manera de sobrevivir.
El director elude la búsqueda de responsabilidades -ni la sociedad ni la madre son presentados como culpables- y se centra en la historia de amor que mantiene unidos a los cuatro hermanos. Una película que no deja indiferente.
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Brooklyn Museum Of Modern Art, N.Y
Esta exposición presenta más de noventa obras del artista americano Jean Michel Basquiat, considerado como el principal precursor del resurgimiento de la pintura americana en la década de los ochenta. Por primera vez se reúnen setenta lienzos y cerca de veinte trabajos sobre papel, algunos nunca presentados antes en los Estados Unidos, esta exposición ya ha sido catalogada como una de las más interesantes retrospectivas de la década. Jean Michel Basquiat nació y creció en Brooklyn, en una familia Haitiana. A los veinte años, obtuvo un gran prestigio como poeta, pintor (básicamente por sus grafittis en el lower manhattan) y como músico (junto a Vincent Gallo). Sus exposiciones en el SOHO concentraban una gran repercusión mediatica y sus obras eran inmediatamente adquiridas por los marchantes de NY incluso antes de llegar a exponerse: había nacido un mito.
Basquiat con una carrera de menos de una década, se convirtió en una figura crucial en la historia del arte moderno. Su lenguaje visual es comparado a el de otros grandes artistas como Picasso, Matisse o los expresionistas alemanes. Inspirado en el arte africano, sus obras están dotadas de un fuerte, directo y altamente expresivo lenguaje visual, en ellas podemos admirar la originalidad del uso del color, la profundidad emocional de sus dibujos junto a factores tan importantes en su obra como la integración de textos, palabras convertidas en marcas publicitarias y de una compleja iconografía que convierte personas en mitos, junto al desarrollo de temas estrechamente unidos con la cultura afro-caribeña. La exposición esta organizada cronológicamente para ofrecer una mejor visión de la obra del artista.
Al concluir su paso en el Brooklyn Museum, esta retrospectiva viajara a Los Ángeles y a Houston.
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Ed. Catedra
Alegre coincidencia la edición de este extenso libro dedicado a Yasujiro Ozu, ya que este cineasta japonés será el protagonista de nuestro cinesofá de junio y en el que podremos rastrear el influjo de este director tanto en la obra del americano Jim Jarmusch (cinesofá- febrero) como en la del finlandés Aki Kaurimaski (cinesofá- mayo). Ozu, pese a su creciente prestigio y a la admiración que su legado despierta entre quienes a él se acercan, continúa siendo el más desconocido de los grandes cineastas. El presente trabajo examina, por primera vez, toda la filmografía conservada de este artista irrepetible, y lo hace evitando las interpretaciones místicas que a menudo se han hecho de su obra, así como del excesivo formalismo con el que se han analizado con frecuencia sus películas y mostrando únicamente el cine de Ozu como una manifestación cultural de su época. Nos encontramos ante una obra que hace justicia a una de las figuras más importantes del cine de todos los tiempos y a una de las obras más apreciadas en Occidente, donde no se duda en situarla junto a la de los directores más importantes de todos los tiempos.
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Ed. Taurus Madrid, 2005
La búsqueda del mítico punto cero barthesiano es el hilo conductor de los seis capítulos contenidos en este confuso libro, confusión que ya es advertida implícitamente por su autor desde su primera línea: "Este libro es un centauro. O mejor, es lo que habría resultado de un cruce de un centauro con un hipogrifo, rescatado luego en semicarpo." (p.7). Digamos que esta es más o menos la tónica del libro en el que una confusa erudición se mezcla con una recurrente metáfora extraída del mundo de la economía y que es conocida como Teoría de la elección racional y cuya única ambición es la de intentar comprender cómo y por qué se comporta el hombre el modo en que lo hace. Pero se distingue de ellas por la parvedad de hipótesis y la índole sistemática de sus análisis.(p.12). Parece, por su parte, que el análisis es aplicable tanto al estudio de la metáfora (Cáp. 1. La metáfora), como a los desarrollos que se suceden en la pintura y en la literatura durante el siglo XIX (Cáp.4. Signo y contexto), lo que genera una suerte de reduccionismo tal que se nos hace difícil no identificarlo rápidamente, por mucho rodeos que el autor dé para llegar a él a través de un lenguaje que, en ciertos momentos, roza lo campechano en frases como la que sigue: pero que deben entenderse éstas [las conclusiones] como lo que modestamente son: pretextos que el escritor alega para tomar resuello. O para tenderse a la bartola, mientras sobre el libro inacabado, dulcemente, con el desorden del tiempo, crecen las malvas y la avena loca(pp. 7-8).
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Ed. Funambulista
Segunda edición de una de las pocas obras que todavía no habían sido traducidas al castellano de uno de los padres de la novela moderna, el americano nacionalizado inglés Henry James (1843-1916). Se trata de una nouvelle escrita en 1880 en la que el autor relata el reencuentro de un militar con su pasado al regresar a la ciudad de Florencia, , ciudad en la cual estuvo a punto de cometer el mayor error de su vida al conocer a la que hubiese podido ser su mujer y, horror, su perdición. Esta rememoración se produce también al conocer, accidentalmente, a un joven que mantiene una relación sentimental con la hija de la mujer de la que estuvo enamorado nuestro hombre de cincuenta años en su juventud y que intentará por todos los medios que el joven en cuestión se salve tal y como el hizo. Esta trama le sirve a James para desarrollar temas como el del doble o el de la repetición del destino, pero también, y según Max Lacruz, autor del prólogo, bien le podría haber servido al autor anglo-americano para llevar a cabo una velada apología de la soltería, idea que no deja de ser, cuando menos, sugerente.
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Ed. Alpha-Decay
Manet ostenta, junto a Cezanne, y según los especialistas, el dudoso honor de haber hecho que la pintura entrase en la Modernidad, esto es, que se alejase de los moldes academicistas en busca de su libertad y autonomía. Pero, yendo más allá, esto es, siguiendo la conferencia que Michel Foucault dio sobre Manet en Túnez en 1971 - y que ahora ve por primera vez la luz en lengua castellana de la mano de Roser Vilagrassa-, podemos ver en Manet y en su obra, no sólo al precursor del Impresionismo, sino también al precursor de toda la pintura del siglo XX, abstracción incluida. Esta es la tesis que Foucault presenta en su conferencia y que se basa en la recuperación que Manet leva a cabo de las dimensiones espaciales y reales del soporte pictórico, del lienzo, de su bidimensionalidad, incluida la posibilidad del observador a ver lo que hay detrás del mismo cuadro tal y como ocurre con el cuadro El ferrocarril (pp.34-36). De esta manera, se daría la paradoja según la cual, el padre de la modernidad pictórica habría llegado a ella ignorando por completo todos y cada uno de los hallazgos técnicos (inaceptable hablar de progresos) llevados a cabo por los pintores del quattrocento al reconocer en ellos únicamente como mayor objetivo, muy logrado por otra parte, el de haber conseguido que el espectador olvidase que estaba ante un cuadro y que éste era la creación de un pintor. Siguiendo esta tesis, Foucault, analiza una docena de obras de Manet de manera somera, pero explícita (no olvidemos que se trata de una conferencia) en los que no invita a reflexionar sobre la grandeza de la obra su compatriota.
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3er Aniversario
Quién lo iba aventurar en sus inicios, uno de los espacios más rompedores y hedonistas de la escena artística palmesana celebra su fiesta de tercer aniversario. Dentro de su programación de exposiciones se presenta Col·lectiva Collage, una muestra interrnacional alrededor de una técnica nacida en plena eclosión de las vanguradias históricas y que hoy goza de consideración y autonomía en el informe territorio del arte contemporáneo. Collagistas de diferentes ciudades del mundo exhibirán sus ultimos trabajos y nos sugerirán porque no se consideran ni pintores ni fotógrafos. En el patio podremos disfrutar de proyecciones y visuales acompañadas de una selección de los mejores diyeis no profesionales que pinchan en la isla . Y como novedad para este año, anunciar que La Fàbrica y sus espirituosos miembros toman la plaza vecina Sta Eulàlia, en el corazón de la ciudad vieja, estableciendo un par de barras de bar, puestos de pinchos y aperitivos, mesas para catálogos y merchadising y lo más importante, un escenario donde un par de grupos de pop-rock indie (nombres a confirmar) animarán a amantes de las artes, a vecinos y a todo aquel que se quiera apuntar a una de las primeras citas de un verano muy deseado.
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13 Newsletter · fundado en
Enero de 2004
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