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Guggenheim Bilbao
Recorrido por la trayectoria de uno de los grandes pioneros del arte norteamericano de la posguerra y, junto con Barnett Newman y Jackson Pollock, uno de los representantes fundamentales del expresionismo abstracto.
Mark Rothko (Marcus Rothkovitz) nació en Dvinsk, Rusia, en 1903. En 1913 emigró con su familia a Estados Unidos donde asistió a la Universidad de Yale gracias a una beca. En 1921 abandonó la universidad sin licenciarse y se trasladó a Nueva York donde estudiaría en la Art Students League hasta 1923. Comenzó a pintar en 1925 y en 1933 tuvo su primera exposición individual. A finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta continuaría refinando su técnica a medida que desarrollaba su estilo maduro por el que es conocido. Al comienzo de su carrera como artista, Rothko exploró diversos estilos y tendencias antes de encontrar su estilo propio. Durante los años veinte y treinta realizó infinidad de obras figurativas tanto sobre papel como sobre lienzo.
Sus obras de el período de los años 40, evidencian la influencia de las teorías de Friedrich Nietzsche y Carl Jung, e incorporan técnicas e imágenes abstractas propias del surrealismo, llegado a EE.UU a través de los europeos emigrados y de artistas americanos formados en Europa. A finales de los años cuarenta Rothko elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso, con sus obras de transición realizadas entre 1946 y 1949 conocidas posteriormente como Multiformas, a su enfoque basado en los colores puros en el espacio.
En su madurez artística, Rothko explora el potencial expresivo de campos rectangulares de colores luminosos que parecen flotar sobre la superficie del lienzo. Durante este tiempo, utiliza un amplio espectro de colores y tonos para crear y transmitir diversos estados de ánimo impregnando su obra "del poder de la música y de la poesía".
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Ed Candaya. Venezuela 2004
Los creadores del portal de literatura hispanoamericana www.sololiteratura.com han decidido afrontar un nuevo reto: la Editorial Candaya.
Los responsables de la nueva editorial creen que la literatura hispanoamericana está viviendo uno de los momentos de mayor vitalidad y creatividad de su historia. Sin embargo, debido a la crisis económica que aqueja a gran parte de los países latinoamericanos y a la proliferación de políticas editoriales regidas casi exclusivamente por criterios de rentabilidad inmediata, son muchas las dificultades a las que deben enfrentarse obras de reconocida calidad para ser publicadas.
Ofrecer un espacio editorial a autores hispanoamericanos que consideramos de gran valor (a los nuevos y a los injustamente olvidados) será el eje de su labor editorial, que quiere estar regida fundamentalmente por tres principios: convencimiento, riesgo y rigor.
La Editorial Candaya tiene tres colecciones: narrativa, poesía y ensayo. Todos los libros irán precedidos de prólogo a cargo de críticos o escritores de prestigio y los libros de la colección de poesía contendrán, además, un CD con la voz del autor leyendo sus propios poemas. Abriendo la colección de narrativa encontramos al venezolano Ednodio Quintero (1947) y su obra Mariana y los comanches (2004), con prólogo de Juan Villoro en el que comenta: El infinito tema del triángulo amoroso encuentra aquí aristas novedosas. Un escritor codicia a una amada doblemente esquiva: como objeto del deseo y personaje narrativo.
El protagonista revisa un manuscrito olvidado, tributario de una poética con la que ya no comulga, acaso más genuina que la que lo ha llevado al éxito. El texto convoca a una mujer real y a una mujer narrativa. ¿Es posible recuperar a una sin sacrificar a la otra? La disyuntiva entre vida y creación determina Mariana y los comanches. ¿La mujer que regresa lo hace en nombre del destino o de la ficción? De manera sugerente, la moneda adivinatoria de Quintero a veces cae en la cara de la realidad, a veces en la de la imaginación. Se trata de una obra ineludible para este verano.
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2.nd rec
"Es interesante a veces encontrar a alguien en tu camino y que juntos consideréis cual es el paso siguiente a dar", con esta afirmación Christopher Stoll aka Nitrada explica el concepto de la génesis de su primer disco. Este músico de la escena electrónica de Hamburgo, ha implicado a diferentes colaboradores de diferentes estilos y geografías ( Escocia, el Norte de Italia y Sicilia) para que reinterpreten sus nuevas canciones. Mandando las versiones primigenias de electrónica pseudo-minimal a los colaboradores vía servicio postal (recordemos la metodología que dio vida al grupo Postal service) deja que cada uno las interprete y desarrolle según su propio estilo: "es como si dejaras tus canciones en manos de otros y luego volvieran a ti transformadas, alteradas, para volver a retomar un nuevo aspecto de la composición, las canciones descubren nuevos caminos", afirma Christopher y que queda patente en el resulato y en el título de disco: We don't know why but we do it. Por lo tanto somos testigos de lo que ha sido un verdadero work in progress en los que la electrónica minimal se ha beneficiado de los sonidos dreampop externos.
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Taka Ishii Gallery Shinkawa, Tokyo, Japón
La Taka Ishii Gallery presenta un nuevo trabajo de Tomoki Imai, fotógrafo japonés Ha articulado sus ultimas creaciones en dos conceptos básicos: la observación y la sensibilidad. Las fotos de esta exposición se han realizado únicamente teniendo en mente estos dos conceptos y aplicando la siguiente metodología: en primer lugar, escuchar con atención el sonido que acompaña la imagen y recapacitar sobre el objeto cerrando los ojos con la intención de descubrir los momentos ocultos y, por último, apercibirse de la presencia de la sutilidad.
De esta manera, parece como si cualquier tema sirviese para la intención última del artista, por lo que ésta aboliría la función representacional y la convertiría en pura sugestión, en palabras del artista "una avenida al entrar en un bosque vista desde mi interior se transformaría en una "una imagen de la resonancia" de esta frase que pasa con mi mente toda la hora."
Las fotografías recientes de Imai mantienen una visión constante con sus últimos trabajos donde los paisajes ausentes de presencia humana están vivos con la atmósfera del momento diario y la aportación pensamiento del propio Imai.
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El cobre. Barcelona 2004
Se traduce por primera vez al castellano una de las obras más importantes de Gary le caméléon, Romain Gary, tildado de camaleón en una de las dos biografías aparecidas recientemente en Francia. Sabemos que este excéntrico escritor, entre otras muchas cosas, tenía un tendencia a cambiar de oficio, pero también de personalidad lo que le permitió convertirse en el único escritor capaz de ganar dos veces el prestigioso Premio Gouncourt, lo cual no tendría mucho valor si una de sus normas no fuera que un mismo autor no puede ser galardonado dos veces. Romain Gary, no solo se volvió a presentar, sino que además lo volvió a ganar bajo al presentarse con el nombre de su primo Emile Ajar y la obra La vida delante de él.
Gary se suicidó en 1980, tras una veintena de novelas, entre las que destaca Lady L. brillante fresco del idealismo anarquista de finales del XIX, descrito retrospectiva, y con un finísimo cinismo, por Lady L. afamada y respetadísima dama francesa afincada en Londres y que ya con 80 años confiesa a su fiel amigo, el Poeta Lauredo, la relación amorosa mantenida con un de los más célebres anarquista -Armand Denis- así como las vicisitudes que la encumbraron como la gran dama en la que se convirtió.
Cabe destacar la síntesis entre la capacidad evocadora de ciertos pasajes y las brillantes observaciones que Lady L hace sobre el anarquismo, la relación de los seres humanos con los objetos, el arte o la arquitectura y del que podemos destacar el siguiente: El fauvismo es el momento anarquista del arte. Por estos, y otros muchos motivos, suponemos que se llevó a cabo la versión cinematográfica de Peter Ustinov, con nada menos que Sofía Loren, Paul Newman y David Niven.
Es una lástima que la película en la actualidad sea casi imposible de conseguirla por lo que hacemos un llamamiento a todos los cinéfilos para que nos indiquen si existe alguna posibilidad de hacerse con una copia. Hasta que llegue el momento, releeremos la novela.
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Siempre quedan lugares exóticos a donde viajar en vacaciones, si además, se puede hacer participando en un proyecto global de reconocimiento de nuestro planeta muchísimo mejor. Confluence es un proyecto que tiene por meta visitar cada una de las intersecciones de grado de número entero de la latitud y de la longitud en el mundo, y tras una serie de procedimientos de autentificación de coordenadas, tomar fotografías en cada localización, una vez realizado este proceso todas las imagenes y datos de la expedición quedan reflejados en su pagina web, donde son ordenados por paises y por fecha de registro (cabe recordar que la distancia aproximada entre un grado "entero" en la superficie terrestre ronda los 79 km). Así que, aunque ya han sido visitadas cerca del 80% de estas intersecciones, quedan aun por visitar y registrar unas 12.925 coordenadas en todo el mundo. Es el momento de armados de GPS, tomar un nuevo rumbo a nuestro destino vacacional.
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Eric Ericson and Johan Pihl
Design for Impact es el primer libro que estudia la composición y el diseño de las safety cards (para que nos entendamos, las tarjetas de seguridad que vienen en los asientos d e los aviones), desde las primeras tarjetas en la década de 1930 hasta el diseño realizado en la actualidad. Al principio de la aviación de transporte no eran necesarias dichas tarjetas debido a la poca afluencia de pasajeros por vuelo, pero a medida que el número de pasajeros fue aumentando se hizo necesario introducir estas cartas explicativas de cómo proceder en caso de accidente. A cada década le corresponde un estilo definido; mientras que en los 50's reinaba el optimismo dentro de la composición grafica, la década de los 70's destaca por el uso de pictogramas y el minimalismo y ya en los 80's los contenidos de las tarjetas se volvieron más precisos y descriptivos. Como era de esperar, el estudio de cada tarjeta nos devuelve el eco de ciertas maneras de hacer y pensar el diseño y cómo este, siempre sin minar la efectividad del producto, permite que algo tan aparentemente banal se reelabore y reintreprete atendiendo a patrones puramente estéticos.
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Enero de 2004
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