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Caixafòrum, Barcelona
La fotógrafa y videoartista holandesa Rineke Dijkstra (Sittard, 1959) es una de las creadoras de la generación de los sesenta con mayor reconocimiento y éxito internacional. Sus fotografías de gran formato se caracterizan por un clasicismo formal, una gran profundidad psicológica, un gran rigor conceptual y una conciencia social que nos remiten a artistas tan diferentes como Diane Arbus y August Sander.
Los retratos de Dijkstra desvelan una singular empatía con sus sujetos. En palabras de la propia artista: "Para mí es esencial entender que todas las personas están solas, no en el sentido de soledad sino en el sentido de que nadie puede comprender íntegramente a otra persona. Quiero despertar simpatía en las personas que he fotografiado". Durante los diez años pasados, Rineke Dijkstra ha alcanzado la fama mundial sobre la escena de arte con su serie de "retrato impresionante".
A principios de los años 1990 comenzó a trabajar sobre retratos, las fotografías austeras frontales de jóvenes sobre las playas de EE. UU, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Gabón y Ucrania. En esta serie, Rineke Dijkstra concentrado durante el momento en el cual una postura comenzó a desarrollarse. La vacilación y la incertidumbre son evidentes en las actitudes de sus sujetos y expresiones y se refieren a la soledad existencial del adolescente. Los fondos, limitados sólo por la opción de cultivo, el ángulo de cámara bastante bajo y el empleo de un destello, clarifican el a menudo culturalmente detalles definidos en los cuadros.
La exposición temporal que podrá verse en CaixaForum consta de unas 70 obras pertenecientes a las series fotográficas "Beach Portraits", "Bull Fighters", "Disco Girls", "Almerissa (Asylum Centre)", "Tiergarten", "Israelian Friends" e "Israelian Soldiers". Asimismo, se exhibirán las videoinstalaciones The Buzzclub y Mystery World. Ésta es la única oportunidad de ver en España la muestra, que se inauguró en la Galerie du Jeu de Paume (París) y se clausurará en el Stedelijk Museum (Amsterdam).
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Houllebecq. Les inrockuptibles
"No hay que temerle a la felicidad: pues no existe"
(Michel Houellebecq)
Desde el 27 de mayo en los principales kioskos de toda Francia existe la posibilidad de hacerse con el número especial realizado por la revista Les Inrockuptibles dedicado integramente al escritor Michel Houllebecq con motivo de la publicación de su nuevo libro "La Possibilité d'une île" el proximo 1 de septiembre.
En este numero especial de 100 páginas, podemos descubrir (eso si, en francés) todas las claves para entender el llamado "universo Houllebecq": entrevistas con sus diferentes editores, varios articulos sobre la repercusión de sus obras en el extranjero, articulos sobre su relación con el cine y la música (recordemos que tiene publicado un disco con poemas suyos para el sello tricatel de Bertrand Burgalat), una recopilación de todas las entrevistas integras realizadas para esta revista, sus crónicas escritas como colaborador durante la decada de los noventa, un reportaje sobre la adaptación al teatro de su obra Plataforma en el ICA de Londres, una biografia completa y detallada junto a un portfolio de ineditos realizado por el escritor para la propia revista. Pero el valor añadido a este número es la publicación adicional de un dvd exclusivo donde se recoge una conversación de hora y media realizada con el escritor en abril de 2005, y la publicación de un cortometraje erótico "La Rivière" de 16 minutos, dirigido por él mismo. En breve, este número especial se podrá conseguir a traves de la pagina web de la revista francesa.
Asñi mismo, pronto aparecera la adaptación al formato cine de su libro "particulas elementales", a principios de noviembre la editorial Alfaguara publicará su nueva novela en España. En este libro Houellebecq enlaza temas filosóficos y reflexiones científicas en una trama agresiva. Con sus cuatro novelas escritas, ha logrado revolucionar el panorama literario de su país, convirtiéndose en portavoz del desconcierto y malestar de estos tiempos.
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MNAC, Palau Nacional, Barcelona
Esta aventura artística duró solo ocho años, pero el colectivo Brücke revolucionó el arte del siglo XX y abrió paso al expresionismo en su país. En Barcelona, con motivo del centenario del la creación del movimiento (de 1905 hasta 1913), se presentan 140 obras que ofrecen una visión completa de esta corriente. El movimiento fue dirigido por arquitectos y estudiantes de arte (de allí la influencia por los paisajes urbanos) Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde o Cuno Amiet, llegando a ser el colectivo alemán mas importante y decisivo en el desarrollo del arte moderno en el siglo XX. El Lenguaje pictórico y la actitud crítica de este colectivo ante las academias tradicionales imperantes generaron este movimiento, que más tarde obtendría el nombre de expresionismo. Este movimiento tambien influyó en la libertad de expresión ante la opresión de la sociedad burguesa y rápidamente fue adoptado por poetas, escritores y compositores.
El expresionismo desarrolla una pura expresión del color y la forma, el objeto del artista no es crear una imagen de los objetos pero si transportar un concepto interior. La realidad visible es transformada y reducida al concepto de lo que es esencial a través de la pincelada rápida, el uso de colores intensos y fuertemente contrastados y el uso de la línea que marca el dibujo. Estas son algunas de las características de estos artistas urbanitas pero fascinados por un ideal de vida primitiva. La suya es una cultura urbana y bohemia, que se traslada en obras intensas con predilección por algunos temas: paisajes, pintores en su estudio y la reiterada presencia del desnudo femenino.
El recorrido por las salas del MNAC lleva al visitante desde los paisajes iniciales de Dresde hasta las obras descriptivas de la ciudad de Berlín, donde el grupo se disuelve. Respecto al estilo, se va desde las telas saturadas de pintura, con colores violentos que empastan el cuadro, hasta la aparición de la pintura al aceite combinada con disolventes. Así mismo esta exposición muestra algunas obras de gente muy relacionada al movimiento aunque no llegaron a formar directamente parte de él, es el caso del noruego Edvard Munch. Llegando a ser la exposición más importante de carácter mundial que se celebra con motivo de este centenario.
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Paidós Estética
En 1969 George Dickie publicó un controvertido libro "Arte y estética" en el que desarrollaba su propia teoría del arte y que denominó teoría institucional del arte. Esta teoría, de corte contextualista, hacía hincapié en dos aspectos fundamentalmente; uno era la noción del objeto artístico como artefacto; el otro, ponía de manifiesto la necesidad de que dicho artefacto únicamente podría alcanzar plenamente el estatus de obra artística una vez que fuera aceptado por una cierta colectividad, el denominado mundo del arte. El debate que se generó en torno a dicha teoría marcó uno de los momentos más apasionantes de la estética contemporánea, debate que aun sigue en vigor ya que en 1997 se publicó por primera vez el libro que ahora comentamos y que aparece ahora traducido al castellano. El círculo del arte trata de recoger las piezas rotas de su teoría y reconstruirla una vez meditada y contrastada con aportaciones de seguidores y detractores, pero sobre todo intenta aclarar los malentendidos, en su gran mayoría semánticos, en los que cayó la teoría institucional del arte derivados de una escritura, la del autor, que mezclaba en exceso los formalismos con el lenguaje más común. Una vez aclarados los malentendidos, Dickei ofrece una segunda versión de su teoría introduciendo cambios muy notables y entre los que destacan la inversión de la importancia de los términos antes mencionados, inversión en la que sale reforzada la importancia del concepto de artefactualidad de la obra de arte.Se trata de un excelente ejemplo de theory in progress.
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Austrohúngaro, 2005
Charlando con Marta, en el festival Primavera Sound (Barcelona) un par de semanas antes de la salida oficial de su disco bajo el titulo de Feria: "Nuestra intención es simplemente la de hacer un disco. No se trataba solamente de grabarlo o cantar unas canciones, o ponerle letras a unas melodías. EL objetivo era inventarse un disco de principio a fin, hacer música a nuestro gusto, intentar crear un género propio, un estilo a nuestra medida". De buenas a primeras "ir a su propio aire" parece algo sencillo o fácil, al alcance de cualquiera, pero el concepto "feria" da que pensar: son el grupo dilettante por excelencia de la escena independiente nacional (con permiso de Astrud): canciones con doble fondo que bajo el sentido irónico del colectivo "austrohúngaro" muestran las preocupaciones por la cotidianidad que les rodea, (porque muchas veces "vivir duele"), títulos como "estamos aquí", "no dígase", "A pero B", "todo lo contrario", "cabeza negra", "me ponen los museos", "no comment", son el reflejo de la sociedad cosmopolita en la que nos ha tocado vivir. Antes conocidas como Les Biscuits Salés, y tras la marcha de Araceli del grupo, han tardado casi cinco años en reunir estas trece canciones, mezclas de estilos diferentes para crear el suyo propio: baladas con protagonistas masculinos ("Alexei Nemov", "Robbie Williams"), recitados entre rap y música de vanguardia, canciones de corte pop y aproximaciones a la música electrónica moderna, siempre aderezadas por las programaciones adicionales del capo del sello austrohungaro, es decir Genis Segarra... puro dilettantismo.
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Claire Denis
Llega al mercado español la película que cierra la posible trilogía de Claire Denis sobre la mística del deseo en las relaciones humanas: la primera, centrándose en la diferencia de clases (Nenette et boni), más tade profundizando en los desequilibrios emocionales, en una relación imposible entre el erotismo, el deseo sexual y el canibalismo (trouble every day), en esta tercera pelicula, decide adaptar la novela de Emmanuèle Bernheim, un estudio sobre la sensualidad ante el anonimato de las grandes ciudades, entre una joven ante un obligado momento de cambio y un extranjero de pasado desconocido.
Vendredi soir transcurre durante un atasco por la huelga del metro en Paris, donde la protagonista (Valerie Lemercier) acaba de romper con su pareja y va a casa de una amiga para pasar la noche y empezar una nueva vida, en el caos del embotellamiento deja subir a su vehiculo a un desconocido (Vincent Lindon) y juntos deciden conducir por una parte de la ciudad donde haya menos tráfico.
La historia es realmente sencilla, a partir de ahí todo lo que se presenta es cine en esencia: la falta de dialogo durante la mayor parte de la película producen estiramientos del silencio, dando una importancia principal a la comunicación gestual y a los detalles minuciosos -comportamientos y reacciones humanas, tics, gestos y poses en los que podemos vernos identificados- que transcurren a lo largo del film, alcanzando una intensidad y una intimidad inesperadas. Para esta película Claire Denis ha intentado evitar los ensayos de las tomas, buscando la mayor intensidad y frescura en cada secuencia, a la vez presenta la ciudad de Paris no como "la ciudad del amor" (la imagen que conocemos) si no como una ciudad tal y como es: fria, hostíl y con unas calles llenas de amenazas y peligros.
Debemos destacar la fotografia realizada por Agnés Godard con planos de París en la oscuridad obteniendo una ciudad casi fantasmal, con intensas secuencias a cámara lenta dentro del atasco de tráfico, con la utilización de planos extremadamente cercanos sin alterar la intimidad existente entre los protagonistas del film. Las películas de Claire Denis estan llamadas a ser obras importantes dentro del nuevo cine contemporáneo frances.
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Ed. Edhasa
Al fin un libro monográfico y ameno sobre el arte y la estética musulmana. Nos encontramos ante un libro dividido en dos partes que se entiende a la perfección y que se preocupa en introducir extensamente el tema que sirve de base al libro. Ya qué que si "El mundo tan bello como es" es un libro de estética musulmana, el geocentrismo del mundo musulmán hace necesaria una introducción a la su religión y a su texto sagrado, el Corán. Por todo ello, una vez que el autor aborda el tema central del libro, la estética musulmana, el lector neófito pero que se ha preocupado de tomar las notas necesarias y de haber confeccionado su propio glosario, está capacitado para entender la importancia de la caligrafía, la palabra y la voz el arte musulmán, el porqué de la distribución de una mezquita o porque los musulmanes se lavan o descalzan a la hora de la oración. Por lo tanto, nos encontramos ante un libro de estética que transciende su campo para servir de excelente introducción a un tema actual pero tratado superficialmente por la gran mayoría de la gente: el Islam.
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Colección Making Of
Deckard, Rachel, Byat, Zhora, Pris Tyrell o Sebastián pasan a un segundo plano en este libro que narra las peripecias reales de una serie de humanos (unos verdaderos androides o extraterrestres) en aras de un proyecto que a medida que se iba avanzando, iba transformándose en una especie de batalla psicológica para demostrar quien era capaz de llevar más al limite sus propias exigencias, intereses y extravagancias. Este libro pasa revista a todos y cada uno de los elementos más importante, y a sus entresijos, que vinieron a conforma, le pese a quien le pese, una de las películas más importante de la historia del cine... Se trata de un análisis exhaustivo de la génesis del guión, sus versiones, los distintos guionistas que participaron en él; de la búsqueda y elección del protagonista (se pensó en Dustin Hoffmann ) y del resto de personajes; en la génesis de la banda sonora y en sus versiones piratas (la oficial se publico unos 10 años después); de los dos finales y la voz en off, de los dos montajes o de la interesante guerra de las camisetas. No falta, evidentemente, la profusión de fotografías que mezclan fotogramas de la película con fotos de los personajes, pero donde se echa en falta fotografías menos vistas y más interesante sobre el rodaje. Se trata de un libro para fans de la otra manera de hacer ciencia ficción tan poco dada a crear videojuegos o manadas de freakis.
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Ed. La Poesía
Tras la consecución del I Premio Café Món, mediante su peculiar incursión en la prosa postpoética, Agustín F. Mallo vuelve a la postpoesía con un nuevo libro editado por una de las editoriales más eclécticas y sugestivas del panorama español. Se trata de un poemario/performance con aire cinéfilo ejecutado legalmente por Fernández Mallo, y digo legalmente porque el frontispicio del libro no es, ni más ni menos, que un acta notarial levanta para dar fe de todos y cada uno de los elementos que se han dado cita en la creación de la obra, así como los pormenores de la puesta en escena como vestuario, hábitat, mobiliario, dieta u horario. Lo que en un principio aparece como una simple broma, va cobrando peso en el momento que empezamos a imaginarnos al autor atormentado por un proceso que acaba en fracaso, en el fracaso del experimento ya que la creación, uno de los pocos actos puros que quedan en el universo, supera cualquier programación o intento de encauzamiento. Este hecho hace que el autor se vuelva a reencontrar con los temas recurrentes de su universo: el amor, la física, la poesía, incluso con elementos de sus obras anteriores en un sano ejercicio de autoapropiacionismo. Se trata de un intento fallido (pero consciente y por ello victorioso), de retratar la creación y a postpoesía en un mismo acto creativo.
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Enero de 2004
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